Après une ouverture reportée en raison du lockdown de Melbourne, l’exhibition French Impressionism: From the Museum of Fine Arts, Boston a ouvert ses portes le vendredi 25 juin 2021. Nous avons discuté avec Meg Slater, l’une des conservatrices de la NGV travaillant sur cette exposition, lors de l’installation de l’exposition. Vous pouvez trouver les détails des billets pour French Impressionism: From the Museum of Fine Arts, Boston à la fin de l’article.

A propos de Meg

Meg Slater, vous êtes la conservatrice adjointe des projets d’expositions internationales à la NGV et de l’exposition Winter Masterpieces 2021 – French Impressionism: From the Museum of Fine Arts, Boston. En quoi consiste ce rôle?

C’est difficile, en fait. Quand on me demande ce que je fais au jour le jour, j’ai du mal à répondre parce que ça change beaucoup. Mais en gros, c’est mon patron et moi – mon patron est Miranda Wallace, conservateur principal du département et commissaire d’expisition. Il n’y a donc que nous deux, et c’est un peu une anomalie au sein du département de conservation dans son ensemble, car nous n’avons pas de domaine de collection sur lequel nous nous concentrons. Ainsi, beaucoup d’autres conservateurs de la NGV sont responsables, par exemple, de la collection d’art indigène ou de la collection d’art australien, ou encore de l’intégration d’œuvres dans la collection permanente et de l’exposition de ces œuvres.

Alors que Miranda et moi sommes souvent plus familières avec les collections internationales, car nous travaillons principalement sur les expositions temporaires qui sont présentées au rez-de-chaussée de la NGV. Ainsi, les expositions de Winter Masterpieces (des chefs-d’œuvre de l’hiver) de Melbourne, les grandes expositions d’été, nous travaillons généralement sur celles-ci.

Ainsi, nous sommes constamment confrontés à des sujets variés, par exemple l’exposition Haring/Basquiat [Keith Haring / Jean-Michel Basquiat : Crossing Lines], cette exposition sur l’impressionnisme français ou encore Alexander Calder [l’exposition Alexander Calder : Radical Inventor]. Nous sautons constamment d’un pays à l’autre et d’une période à l’autre. C’est ce que nous faisons à un niveau très large.

Au jour le jour, j’aide Miranda et le département. Je peux faire n’importe quoi, de l’écriture d’une dissertation pour une publication d’exposition à la compilation d’une liste de contrôle d’exposition, en passant par la rédaction d’une demande de prêt à un prêteur dont nous voulons une œuvre pour l’exposition à venir. C’est vraiment tout ce qui est impliqué dans la préparation et le développement de nos grandes expositions internationales. Et en ce moment, je cours entre mon bureau et l’espace de la galerie où l’impressionnisme français sera et est actuellement installé. C’est donc très excitant.

Qu’est-ce qui vous a attiré dans le monde de l’art?

Au lycée, je me souviens que j’ai étudié les arts visuels et que je n’étais pas très douée pour les réaliser, mais j’ai toujours aimé les idées qui sous-tendent la création artistique et l’histoire de l’art, et j’ai toujours aimé comprendre un peu mieux comment les différents moments de l’art s’inscrivent dans une histoire beaucoup plus vaste. Donc, je pense que très tôt, j’ai décidé que j’étais plus intéressé par la réflexion derrière et « Comment ces objets peuvent être interprétés et exposés? » Donc, ce n’était même pas nécessairement de la conservation dès le départ. J’avais juste un intérêt pour les concepts derrière les œuvres d’art. Puis, à l’université, j’ai étudié l’histoire de l’art dans le Queensland.

C’est de là que tu viens à l’origine?

Oui, je suis de Brisbane. J’ai déménagé ici pour le travail, mais avant de déménager ici, je comprenais – je pense que lorsque j’ai commencé à étudier l’art, les galeries d’art semblaient être des choses très abstraites où toutes ces choses se produisaient sans que l’on sache vraiment comment. Nous apprenions beaucoup de choses sur la théorie à l’université, mais pas tellement sur la manière d’aller de A à B dans une galerie d’art.

J’ai donc fini par me porter candidate, tout d’abord pour des stages dans le Queensland et à la Queensland Art Gallery. Puis j’ai eu la chance de pouvoir faire deux stages, l’un à Londres et l’autre à New York. J’ai donc fait beaucoup de stages, ce qui est très utile pour comprendre ce qui m’intéressait, et pas seulement dans le domaine de la conservation, mais aussi dans celui des programmes publics, de la gestion des expositions et de la conservation. Je pense que cela m’a beaucoup aidé à comprendre que je voulais travailler dans une plus grande institution et j’ai même fait un stage pour mon patron, ce qui est souvent le cas pour beaucoup de personnes qui finissent par travailler ici. Puis un poste s’est libéré et j’ai emménagé ici vers – je crois que c’est ma quatrième année à la galerie.

Combien de temps êtes-vous restée à Londres et à New York?

J’étais à Londres pendant cinq ou six mois et je faisais un stage, pas à plein temps, alors que celui de New York l’était. Je faisais un programme d’études à l’étranger pour mon université et j’ai réussi à trouver un stage en même temps. J’ai donc fait un stage au Victoria and Albert Museum. Et ensuite, après avoir obtenu mon diplôme, j’ai postulé à tout un tas de stages d’été à New York et j’en ai fait un au Brooklyn Museum.

Donc, vous avez certainement vu différentes formes d’art et différents musées internationaux et comment ils font les choses.

Oui, c’est vraiment intéressant parce que chacun fait les choses différemment.

Organiser une exposition pendant COVID-19

En quoi la mise en place d’une exposition comme celle des impressionnistes français diffère-t-elle de la façon dont elle aurait été réalisée avant COVID?

Je ne peux vraiment parler que du rôle du conservateur dans ce processus. C’est intéressant car depuis le début de l’année, nous avons pu revenir au bureau de manière échelonnée. Et cela a été agréable, car malgré le fait que nos équipes aient pu se réunir et tirer le meilleur parti de l’impossibilité d’être sur place, alors que nous préférons être ici et avec l’art. Il y avait une distance entre nous et les processus que nous utilisons habituellement pour développer ce genre de grandes expositions.

Il peut s’agir d’une maquette d’exposition construite, d’œuvres d’art à petite échelle que l’on peut déplacer, ou encore de personnes réunies dans une même pièce pour réfléchir à l’emplacement des œuvres d’art et aux liens que l’on souhaite établir. À quoi va ressembler la conception de l’exposition? Nous avions ces réunions virtuellement, mais c’est en fait assez profond la différence que cela fait quand vous n’êtes pas physiquement avec ces personnes.

Je pense donc que le plus grand changement que j’ai remarqué est simplement le passage de l’année dernière à notre retour sur le site et le fait d’être dans le même espace avec des œuvres d’art incroyables qui arrivent. C’était un processus différent dans la mesure où il était numérique. Je pense honnêtement que c’est la façon la plus simple de le dire. Tout ce qui se fait habituellement de manière pratique et physique a été géré de manière numérique, ce qui est très différent pour les conservateurs travaillant sur des expositions comme celle-ci.

Pierre Auguste Renoir
French 1841–1919
La danse à Bougival 1883
huile sur toile
181.9 x 98.1 cm
Museum of Fine Arts, Boston
Picture Fund
Photography © Museum of Fine Arts, Boston. All Rights Reserved

Oui, sans aucun doute. Et pour ce qui est du transport des œuvres… J’imagine qu’il y a moins de vols en provenance des États-Unis, par exemple. De partout, mais des États-Unis aussi.

Oui. Et je pense que c’est juste des mesures supplémentaires comme avoir des gens postés à différents endroits où les avions doivent atterrir et faire le plein de carburant et avoir quelqu’un sur place pour vérifier que les œuvres sont en sécurité et doivent ensuite monter dans un autre avion. Donc, c’était juste beaucoup de choses logistiques supplémentaires à penser. Et vous savez, si cet avion est annulé, quel est le plan B? Je pense que c’était juste beaucoup de planification supplémentaire, ce que nos incroyables agents d’enregistrement ont fait et qui a permis à tous les travaux d’arriver en toute sécurité.

Et j’imagine que vous n’envoyez probablement qu’une ou deux œuvres par avion, car vous ne voulez pas que quelque chose arrive à l’avion et que vous perdiez toutes les œuvres. J’imagine que c’est assez compliqué.

Pour être honnête, je ne suis pas sûr, mais c’est dans ce sens. Oui, en effet. Nous avons trois des merveilleux membres du personnel du MFA Boston ici en ce moment, qui sont venus nous aider avec l’installation et agir en tant que gardiens de ces œuvres pendant qu’ils sont ici. Pour la période d’installation en tout cas.

Je me suis demandé si, sans les frontières étant très fermées en ce moment, c’était une possibilité.

Ils ont tous fait la période de quarantaine, ce qui était vraiment généreux de leur part. Je sais que c’est une obligation, mais c’est quand même merveilleux de s’y être inscrit et d’être prêt à le faire. Je sais que nous le ferions aussi si les situations étaient inversées. Mais c’est vraiment spécial parce que, vous savez, il y a beaucoup d’obstacles qui auraient pu se dresser sur cette voie. Et c’est vraiment agréable de voir l’expiosition se mettre en place comme elle le fait, dans ces circonstances.

Un peu plus sur vous et ensuite un peu plus sur l’exposition. Quelle est votre forme d’art préférée?

Honnêtement, c’est très difficile, car nous travaillons sur de nombreuses expositions et j’étudie également. Et je lis constamment des choses différentes, donc ça peut changer au jour le jour. Oui, c’est juste la nature du travail.

Mais je pense qu’en général, je suis très intéressée par les expositions et les artistes et de revisiter les récits que nous connaissons dans l’histoire de l’art, les élargir et raconter plus d’histoires, des histoires qui peuvent avoir été laissées de côté pour de nombreuses raisons. Par exemple, je suis l’un des conservateurs qui travaillent sur l’exposition Queer qui ouvrira ses portes à la fin de l’année et qui est une exposition de collection. C’est une opportunité très intéressante de pouvoir se plonger dans la collection et d’appliquer un regard homosexuel à des œuvres qui n’ont probablement jamais été vues de cette façon, et d’explorer ces histoires qui ont toujours été là, mais qui n’ont pas nécessairement été présentées au public. Je m’intéresse donc particulièrement aux histoires homosexuelles en ce moment, notamment avec cette exposition qui se profile à l’horizon. C’est un projet très personnel pour moi et pour les quatre autres conservateurs qui travaillent sur cette exposition. Donc, je pense que c’est mon principal centre d’intérêt.

Mais aussi, je suis fascinée par les expositions internationales et la façon dont elles sont présentées dans les grandes galeries, comme celle-ci. Et j’ai aimé tous les projets sur lesquels mon patron, Miranda et moi avons travaillé. Donc, c’est difficile. J’ai l’impression de ne pas avoir répondu à votre question, mais en ce moment, je suis amoureuse, par exemple, de Berthe Morisot, de Mary Cassatt, deux des femmes impressionnistes dont nous avons de magnifiques œuvres dans cette exposition, parce que j’ai beaucoup lu sur leur pratique et leur façon de travailler. Et je pense qu’honnêtement, en fonction de ce que je lis et de ce que je recherche, cela influence vraiment les personnes qui se distinguent pour moi.

Exposition sur l’impressionnisme français

Si nous nous concentrons sur les peintures impressionnistes françaises que vous avez en ce moment dans la galerie, avez-vous un favori dans l’exposition?

Encore une fois, cela varie et c’est une question très délicate. J’ai l’impression que tous ceux qui ont travaillé sur l’exposition, mais en particulier les conservateurs et les commissaires, ont été amenés à écrire sur toutes les œuvres et à y réfléchir par groupes. Donc, c’est difficile de mettre des choses en avant, mais je pourrais en citer quelques-unes.

Comme vous voulez. Cela n’a pas d’importance. Je ne voulais pas poser une question difficile, choisir un enfant préféré!

Exactement, hihi, je ne veux pas contrarier les autres! Mais l’un de mes regroupements d’œuvres préférés, qui sont toutes très liées, est la section de l’exposition consacrée à cette entreprise innovante de fabrication d’estampes entreprise par trois des impressionnistes, Degas, Mary Cassatt et Camille Pissarro, à la fin des années 1870.

Et il est intéressant de noter qu’ils se sont réunis avec l’intention de publier ces impressions dans un nouveau journal intitulé Day and Night. Et vous comprendrez pourquoi il devait s’intituler ainsi lorsque vous verrez les effets d’impression qu’ils utilisaient pour créer un fac-similé afin de créer un contraste entre la lumière et l’obscurité. Mais il n’a jamais été publié. Mais même si elle n’a pas été publiée comme ils l’avaient prévu, les tirages sont toujours là et je pense que c’est intéressant parce que la grande majorité de l’exposition est consacrée à la peinture, et je pense que c’est ce que nous associons aux impressionnistes.

Ce qui est intéressant à considérer, c’est qu’ils ont également joué un rôle déterminant dans d’autres médias et qu’ils ont étendu leur expérimentation et leur adoption de sujets modernes à la gravure. Ainsi, dans cette série de gravures réalisées par les trois artistes, nous avons le théâtre, qui était relativement nouveau à Paris à cette époque, la galerie d’art où les impressionnistes se rendaient pour étudier les maîtres anciens au Louvre, et des scènes dans le monde naturel également.

Bien qu’ils aient enregistré principalement sur toile, ils ont également expérimenté d’autres supports. Donc, j’aime vraiment ça. C’est une section très petite et intime, mais c’est l’une de mes préférées. Et puis je pense que sur une échelle beaucoup plus grande, nous venons d’installer – cela semble encore très étrange à dire – nous venons d’installer la salle Monet, qui est la dernière section de l’exposition.

Le MFA Boston nous a très généreusement prêté 19 toiles de Monet, ce qui est incroyable. Et 16 d’entre elles sont exposées dans cette dernière galerie et cet espace de forme ovale. Et c’est tout simplement incroyable quand vous entrez. J’ai eu une grande réaction physique, j’ai été choquée de voir autant de ses œuvres dans une seule pièce. Et de voir comment et pourquoi il est considéré comme le grand impressionniste. On le comprend vraiment quand on entre dans cette pièce. C’est tout simplement incroyable. Je pense que ces deux-là sont probablement mes préférés dans l’exposition, mais il y en a tellement d’autres aussi.

Vous avez mentionné qu’il y a différentes salles avec différents thèmes. Quel est le thème général de l’exposition? Y a-t-il un thème général ou plusieurs thèmes qui se rejoignent?

Pour moi, il y a plusieurs choses, certainement. Il y a des moments dans l’exposition, par exemple, qui suivent la chronologie, mais elle peut aussi devenir thématique et s’intéresser à certains motifs qui intéressaient les impressionnistes. Par exemple, nous avons une section intitulée « surfaces aqueuses » qui s’intéresse spécifiquement au motif très changeant de l’eau et à la manière dont les impressionnistes ont eu du mal à le capturer.

Mais l’exposition commence par exemple avec l’école de Barbizon et une section consacrée aux œuvres d’Eugène Boudin, et c’est vraiment retracer ces artistes qui étaient avant les impressionnistes, qui ont eu une influence très profonde sur eux. L’exposition retrace vraiment ce mouvement que tout le monde connaît très bien, mais présente également ces artistes que vous ne connaissez peut-être pas aussi bien, et vous ne vous rendez peut-être pas compte que sans ces précurseurs, l’impressionnisme n’aurait peut-être pas existé. Ces influences formatrices. Ensuite, nous passons à l’exploration des principaux membres du groupe impressionniste et des motifs qui les ont fascinés.

Mais je pense qu’une autre ligne directrice très importante de l’exposition est que nous avons consciemment intégré la voix de l’artiste dans toute l’exposition. Du couloir d’ouverture à une grande partie des étiquettes, des citations sont parfois affichées sur les murs. Nous voulions vraiment, en plus de montrer ces œuvres que les gens connaissent bien, révéler certaines des motivations des artistes, certaines des difficultés qu’ils ont rencontrées et les luttes, les connexions, parce qu’il y a tellement de connexions entre ces artistes, mais aussi certaines des rivalités et certaines des difficultés qui surgissent entre certains artistes aussi. Cela permet de contextualiser l’œuvre et d’y introduire un élément humain. Je pense que lorsque nous pensons à Claude Monet, par exemple, il est presque élevé à cette position dans l’histoire de l’art. Et c’est agréable de se rappeler qu’il a eu des difficultés et qu’il était lié à cette communauté artistique. Je pense que cela humanise beaucoup les artistes, ce qui est vraiment bien.

Parce que souvent, nous ne pensons pas à la personne qui a peint tous ces tableaux. Comment la décision d’exposer selon ces lignes et ces thèmes a-t-elle été prise?

Eh bien, nous avons travaillé en étroite collaboration avec les commissaires de l’exposition. Il s’agit d’une équipe de conservateurs de plusieurs institutions. Ainsi, à Boston, nous avons Katie Hanson et Julia Welch qui sont toutes deux conservatrices pour cette institution. Elles ont sélectionné les œuvres et les regroupements thématiques et nous ont beaucoup aidés à établir le dialogue entre les artistes que je viens d’évoquer grâce à leurs recherches approfondies sur les œuvres de la collection du MFA de Boston.

Et puis ici à Melbourne, ma patronne Miranda Wallace et moi, ainsi que le merveilleux Ted Gott de l’art international, nous avons travaillé en étroite collaboration avec Katie et Julia au cours des dernières années pour prendre les œuvres, prendre les thèmes et pour vraiment façonner ces sections et la façon dont nous avons intégré les voix des artistes. Une grande partie de ce travail a été réalisé virtuellement. Souvent, si les circonstances avaient été différentes, elles auraient pu venir et visiter quelques fois et être là pour l’installation. Mais cela n’a pas été possible cette fois-ci. Heureusement, même si cela a dû être fait virtuellement, cela a incroyablement bien fonctionné, et nous avons pu travailler très efficacement avec Katie et Julia pour développer toute cette exposition ensemble.

Le Museum of Fine Arts de Boston a-t-il déjà montré cette exposition French Impressionism: From the Museum of Fine Arts, Boston lui-même?

Non, cette exposition a été conçue juste pour nous, ce dont nous sommes incroyablement reconnaissants. Il y a donc un certain nombre d’œuvres dans l’exposition. Nous avons discuté avec l’un des accompagnatrices, Rona, qui est conservatrice et commissaire au MFA Boston. Et elle a mentionné que certaines de ces œuvres ne quittent jamais les murs du MFA Boston, qui est incroyablement généreux de nous faire confiance et de nous permettre d’exposer ces œuvres pour notre public. Je crois qu’il y a 78 œuvres sur un peu plus d’une centaine qui ne sont jamais venues en Australie auparavant. Ainsi, même si l’impressionnisme est un mouvement si célèbre dans l’histoire de l’art, la grande majorité de ces œuvres n’ont jamais été vues par notre public.

Oui. Et savons-nous comment les œuvres incluses dans l’exposition French Impressionism: Museum of Fine Arts, Boston sont arrivées à Boston?

C’est intéressant à bien des égards. J’étais également fasciné par le fait que le MFA de Boston possède l’une des meilleures collections d’impressionnisme français au monde. L’une des meilleures, en dehors de la France, par exemple. C’est vraiment le résultat des efforts de collection de nombreux Bostoniens du XIXe siècle, dont beaucoup se rendaient à Paris au moment où le mouvement se développait. Et ils achetaient des peintures, vous savez, des gens qui disaient qu’elles étaient encore fraiches sur les murs, et les ramenaient.

Mary Cassatt, par exemple, que nous représentons dans l’exposition, dans la section consacrée à la gravure et, avec une peinture fantastique également, était l’un des membres du groupe impressionniste et elle a plaidé – elle était originaire de Philadelphie et a déménagé à Paris – et elle a plaidé auprès de ses compatriotes américains pour que les œuvres des impressionnistes soient achetées. C’est ainsi qu’un grand nombre d’œuvres impressionnistes se trouvent aujourd’hui dans les collections américaines, ce qui est une histoire très intéressante.

Personnellement, j’adore entendre les histoires qui se cachent derrière la façon dont certaines œuvres d’art sont arrivées là où elles sont, par exemple, d’où viennent-elles? Comment ont-elles changé de mains?

Comme celui qui les possédait avant et qui leur a donné le musée…

Exactement. Comme par exemple, avec le portrait de Mary Cassatt que nous avons dans cette exposition. C’est un portrait de sa nièce Ellen Mary et c’est la plus belle peinture. C’est l’un de mes préférés dans l’exposition. Mary Cassatt l’a donné à sa nièce et ensuite sa nièce l’a donné au MFA de Boston, ce qui est une très belle chose, vous savez, c’est une œuvre si personnelle. C’était d’elle par sa tante et ensuite c’est donné à une institution.

Donc, vous avez dit que l’exposition a été conçue uniquement pour la NGV. Cela signifie-t-il qu’elle retourne directement à Boston après cela?

C’est exact. Oui. Donc, il n’y a pas d’autres institutions où elle est présentée.

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Nous remercions Meg Slater pour cette interview et nous avons hate de visiter l’exposition French Impressionism : From the Museum of Fine Arts, Boston cet hiver.

PRINCIPALES INFORMATIONS SUR L’EXPOSITION

QUOI: French Impressionism : From the Museum of Fine Arts, Boston

QUAND: du vendredi 25 juin au dimanche 3 octobre 2021

OÙ: NGV, Melbourne

COMMENT: Achetez des billets pour voir l’exposition sur le site web de la NGV : https://connect.ngv.vic.gov.au/40648

COMBIEN:

Adulte $30

Tarif réduit : $28

Enfant (5-15 ans): $10

Famille (2 adultes + 3 enfants): $65

NOTEZ : 20% de réduction sur le prix de billets pour les membres de NGV

Pour en savoir plus sur l’impressionnisme français, vous pouvez lire notre entretien avec Paul Perrin sur Colours of Impressionism: Masterpieces from the Musée D’Orsay, une exposition qui s’est tenue à Adélaïde il y a quelques années.

*En haut de gauche à droite:

Pierre Auguste Renoir
French 1841–1919
Dance at Bougival 1883
oil on canvas
181.9 x 98.1 cm
Museum of Fine Arts, Boston
Picture Fund
Photography © Museum of Fine Arts, Boston. All Rights Reserved

Henri Fantin-Latour
French 1836–1904
Flowers and fruit on a table 1865
oil on canvas
60.0 x 73.3 cm
Museum of Fine Arts, Boston
Bequest of John T. Spaulding
Photography © Museum of Fine Arts, Boston. All Rights Reserved

*En bas de gauche à droite:

Pierre Auguste Renoir
French 1841–1919
The Seine at Chatou 1881
oil on canvas
73.3 x 92.4 cm
Museum of Fine Arts, Boston
Gift of Arthur Brewster Emmons
Photography © Museum of Fine Arts, Boston. All Rights Reserved

Claude Monet
French 1840–1926
Poppy field in a hollow near Giverny 1885<br />
oil on canvas
65.1 x 81.3 cm
Museum of Fine Arts, Boston
Juliana Cheney Edwards Collection
Photography © Museum of Fine Arts, Boston. All Rights Reserved

Kim David Smith a fait un retour impressionnant à l’Adelaide Cabaret Festival pour sa 4ème saison avec son nouveau spectacle Mostly Marlene (lisez notre interview avec lui avant sa saison 2021 par ici). Une première australienne, ce spectacle n’avait été joué qu’à New York avant que COVID-19 ne ferme le monde pour 18 mois. Fraîchement sorti de la quarantaine de l’hôtel, la joie pure de Kim David Smith de jouer devant une vraie foule était palpable.

Le spectacle commence avec Amanda Hodder au piano, une pianiste très accomplie et son amie depuis 17 ans, et une scène remplie de fumée – Kim David Smith va-t-il apparaître de derrière la fumée ? Non, au contraire, il se déplace à travers la foule vers la scène. À partir de ce moment et jusqu’à la fin du « deuxième rappel intégré », le public est fixé sur Kim.

Vêtu d’un pantalon noir, d’un manteau noir avec des queues de pie distinguées, d’une chemise blanche et d’un nœud papillon blanc, de longs gants noirs, le tout couronné d’un chapeau haut de forme très cabaret, Kim David Smith a tout de l’artiste de cabaret. Son maquillage des yeux sulfureux et son rouge à lèvres rose pâle pailleté – en fait Kim, je pourrais avoir besoin de pincer ce rouge à lèvres! – ont scintillé sous les lumières.

Le spectacle est entrecoupé de répliques pleines d’esprit : « Je voulais m’appeler Michelle Pfizer mais on m’a proposé Moderna » et il se qualifie lui-même de « internationally fame-ish performer » (un jeu de mots sur fameux). Tandis que Mostly Marlene passe de chansons sérieuses à des chansons amusantes, puis revient au sérieux, Kim David Smith n’est pas du genre à se prendre trop au sérieux.

Mostly Marlene est, comme son nom l’indique, principalement composé de chansons de Marlene Dietrich. Kim David Smith intègre Kylie et Madonna dans le répertoire avec facilité et sans donner l’impression qu’elles ne sont pas à leur place. Au début de Mostly Marlene, la chanson « In your eyes » de Kylie se fond dans « Ich bin die fesche Lola« . Le refrain de « Erotica » de Madonna suit « Johnny » de Marlene Dietrich. Mostly Marlene comprend des chansons en anglais et dans la première langue de Dietrch, l’allemand, et Kim Daivd Smith passe d’une langue à l’autre avec aisance. Alors que l’allemand semble souvent, pour des oreilles étrangères, une langue aux sonorités rudes, Mostly Marlene montre qu’il peut être sulfureux et même sexy grâce à la maîtrise de Kim David Smith.

Kim David Smith est un artiste chevronné et cela se voit. Il n’est pas étranger à la scène et ses mouvements de main, l’inclinaison de sa tête et ce « jeu de cils de film muet » exagéré, comme il l’a appelé, montrent qu’il est tout à fait un artiste de cabaret/musical.  Il a fixé le public sur lui pendant toute l’heure du spectacle. Mostly Marlene est une heure de chansons de Marlene Dietrich et d’anecdotes de sa vie et de celle de Kim David Smith, avec quelques morceaux de chansons de Madonna, Kylie et le fabuleux « Dracula’s Tango » de Toto Coelo. La saison du festival de cabaret d’Adélaïde de Mostly Marlene est maintenant terminée. Si vous avez l’occasion de voir Kim David Smith dans Mostly Marlene, ou n’importe quoi d’autre spectacle à l’avenir, nous vous recommandons vivement de le faire.

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5 CROISSANTS

Matilda Marseillaise était l’invitée de l’Adelaide Cabaret Festival.

Kim David Smith devait jouer Mostly Marlene au Ginger’s de l’hôtel Oxford à Sydney demain, dimanche 27 juin 2021 à 20h00, mais le spectacle a été annulé en raison de la COVID-19. Restez à l’écoute en vous inscrivant à la lettre d’information via son site Web : http://kimdavidsmith.com/.

Pour plus de critiques sur le Festival de cabaret d’Adélaïde 2021, jetez un coup d’œil à ce qui suit:

CRITIQUE: Brent Ray Fraser, the Naked Artist, à l’Adelaide Cabaret Festival

CRITIQUE: Mother Archer’s Cabaret for dark times à l’Adelaide Cabaret Festival