L’artiste australienne Sophie Dumaresq nous parle de l’exposition de son œuvre Punk, Romantic à Sculpture by the Sea à Bondi, de ses photographies de groupes punk français, de son attachement à son territoire et de bien d’autres choses encore dans l’interview que vous pouvez lire ci-dessous.
Bonjour Sophie, vous avez exposé votre œuvre Punk, Romantic à Sculpture by the Sea cette année. Pouvez-vous nous parler de cette sculpture ?
Punk Romantic est « une lettre d’amour d’une artiste à la vache, inspirée du dicton selon lequel on a plus de chances d’être tué par une vache que par un requin ». La sculpture est composée d’un moulin à vent en rose et or relié à un crâne de vache plus grand que nature et à une mâchoire mécanique. Le bleu, le rose et l’or de l’œuvre s’inspirent de la lumière et des couleurs des vagues au coucher du soleil. L’œuvre a été réalisée à la main par moi-même, avec l’aide de mon père et de mon ami Dan. Elle rend hommage à la beauté absurde du paysage et à ce que signifie essayer de travailler et de trouver un équilibre au sein de celui-ci sans abandonner. Cette œuvre a été rendue possible grâce à la fondation Clitheroe, à son programme de mentorat pour les sculpteurs émergents et à sa bourse d’études avec Bondi Sculpture by the Sea. Elle a également bénéficié du parrainage matériel de Sell and Parker.
Depuis combien de temps faites-vous des sculptures ?
Depuis environ 7 ans. Tout a commencé parce que je suis douée pour créer des décors/accessoires et des environnements mis en scène pour la photographie lorsque je travaillais dans des studios, puis cela a pris de l’ampleur jusqu’à ce que je décide de retourner à l’école pour acquérir officiellement de nouvelles compétences.
Quel a été votre processus créatif pour cette œuvre ?
Cette œuvre fait partie d’un ensemble plus vaste intitulé Punk, Romantic. Il s’agit de la première itération à grande échelle de Punk, Romantic dans le domaine de l’art public. La première itération de l’œuvre était une exposition documentant une performance dans laquelle j’essayais de garder l’équilibre sur un monocycle qui actionnait un mécanisme exosquelette représentant un crâne de vache au-dessus de moi. La performance a eu lieu sur une corniche rocheuse au coucher/lever du soleil.
Pendant la performance, je tenais dans ma main une télécommande pour contrôler l’obturateur de l’appareil photo. La performance et le processus de documentation ont été le fruit d’une collaboration entre mon corps (et aussi la bonne volonté et l’amour de mes amies Emma et Bridget), la mécanique de la sculpture cinétique de l’exosquelette, le monocycle et le paysage. Lorsque je pédalais vers l’avant ou vers l’arrière, la mâchoire de l’exosquelette bougeait, mais si je bougeais trop ou trop vite, je tombais et/ou je passais par-dessus le rebord de la corniche rocheuse et tombais dans l’océan. Mon amie Emma attendait en stand-by avec un gilet de sauvetage pour nous sortir de là.
Au début de chaque tentative, mon amie Bridget se tenait à côté de moi et me laissait utiliser son épaule pour me soulever avec le poids supplémentaire de l’œuvre d’art cinétique sur mes épaules. À trois, Bridget sortait du cadre de la prise de vue et j’essayais de garder l’équilibre assez longtemps pour prendre des photos. La performance s’intitule « The Punk Rock Idle » et joue sur les deux mots « Idol » (idole) et « Idle » (oisif). Elle traite du sublime et de l’incapacité à capturer toute la beauté/vérité d’un moment ou d’un paysage en une seule image, tout en rendant hommage au fait qu’il y a quelque chose de merveilleux dans notre besoin d’essayer quand même. Punk, Romantic était le nom de ma première exposition solo en tant qu’artiste, qui a eu lieu à la fin de l’année dernière au Canberra Contemporary, Platform. L’exposition comprenait le monocycle et la sculpture cinétique exosquelette, ainsi que diverses documentations de la performance.
Les deux œuvres Punk, Romantic ont été inspirées par la promenade et la vue sur l’océan depuis la plate-forme rocheuse où j’ai réalisé la première version ici, sur la côte est de l’Australie, dans le pays Yuin. Parmi mes premiers souvenirs d’enfance, je me souviens que mon père me poussait aussi vite qu’il le pouvait dans un landau sur ce même plateau rocheux, tandis que je criais de joie. J’ai également eu la chance de pouvoir travailler avec mon père sur cette version de l’œuvre. Il m’a aidé à percer de nombreux trous pour les boulons dans ce que nous appelons « le moteur », la structure en fer angulaire qui maintient tout ensemble, y compris les deux essieux et les roulements.
Que signifie pour vous le fait que votre œuvre soit exposée à Sculpture by the Sea ?
Cela signifie beaucoup pour moi. Ce festival est un événement emblématique dans le monde des arts, tant au niveau national qu’international. C’est très surréaliste. C’est l’un de ces festivals que je suis depuis toujours et une partie de moi n’arrive toujours pas à accepter que j’y participe réellement.
En visitant la sculpture pour prendre quelques photos au coucher du soleil, j’ai pu voir plusieurs enfants interagir avec l’œuvre. Une petite fille a dit à son père « celle-là est cool » à portée de voix, sans savoir que j’étais l’artiste. J’ai eu l’impression que la boucle était bouclée, car mon propre père avait participé à la création de l’œuvre et en avait été l’inspiration. Voir un autre duo père-fille interagir avec l’œuvre, même brièvement, à travers une remarque spontanée, était incroyable. Un petit garçon a demandé à toute sa famille de prendre une photo avec la sculpture au coucher du soleil pendant que j’étais là, ce qui m’a également fait sourire.
Le titre Punk, Romantic évoque un contraste ou un mélange de deux registres : punk (brut, rebelle) et romantique (émotif, peut-être nostalgique). Comment cette tension se manifeste-t-elle dans l’œuvre et dans le paysage de Bondi ?
Le nom Punk, Romantic est en partie issu d’une conversation avec des amis artistes sur le concept selon lequel les peintres romantiques auraient pu être les premiers « punks » parce qu’ils se sont rebellés en se tournant vers le paysage pendant la révolution industrielle.
Je vois cela se refléter dans l’œuvre à travers les progrès rapides de la technologie que nous connaissons actuellement et qui, d’une certaine manière, nous rendent insensibles et indifférents à ce qui se passe dans le monde, y compris les coûts environnementaux et le coût de la vie des personnes qui paient le prix de ces progrès technologiques. La tension venait de mon désir de créer une œuvre qui examine ce que signifie essayer de trouver un équilibre entre le bien et le mal dans l’environnement dans lequel on se trouve, sans s’arrêter complètement et s’épuiser. Je trouve qu’une fois qu’on accepte l’absurdité d’un moment, d’une situation ou d’un paysage, c’est là qu’on en découvre la beauté et l’énergie pour continuer.
Je pense que cette tension se manifeste dans le fait que Bondi fait toujours partie d’une ville où cohabitent des personnes de tous horizons et de toutes cultures, et que le territoire lui-même a sa propre volonté et sa propre personnalité. Avec les changements climatiques et les phénomènes météorologiques extrêmes, nous voyons de plus en plus de preuves que le paysage lui-même semble essayer de communiquer avec nous.
Comme l’œuvre est cinétique et interagit avec un site océanique, comment avez-vous pris en compte les éléments du lieu (vent, vagues, soleil, marée) dans votre conception et votre installation ?
Punk, Romantic for Bondi est ma première œuvre à grande échelle que j’ai créée sans avoir l’intention de la réaliser ensuite. Mes deux œuvres à grande échelle représentant des requins et la première Punk, Romantic ont besoin de mon corps pour être activées en tant qu’œuvres d’art. Je savais que je devrais laisser cette œuvre Punk, Romantic seule dans le paysage. J’ai décidé de la peindre à la main avec de la peinture phosphorescente, car je voulais m’assurer que même la nuit, on puisse voir/sentir la trace/la chaleur de mon toucher et de mon énergie grâce à la lumière du soleil accumulée qui brillerait sur les traces de mes mains pendant la journée.
Lorsque je suis arrivée pour la première fois sur le site de Bondi, j’ai été émerveillée par le paysage et je suis tombée amoureuse de la violence des vagues par temps venteux. Les éoliennes roses et dorées, ou « cheveux » et « oreilles », s’inspirent de l’idée des cheveux soufflés par le vent, debout sur un rocher surplombant l’océan, comme dans un tableau romantique. L’œuvre peut être cinétique. Le « moteur » comporte deux axes et des roulements qui, s’ils sont déverrouillés, permettent aux veines de l’éolienne de tourner et d’alimenter le mécanisme de mastication de la mâchoire. Pour cette itération et pour le festival, il a été décidé de ne pas aller dans cette direction en raison de facteurs tels que la sécurité publique et les conditions météorologiques extrêmes que nous avons connues cette année. J’aimerais beaucoup réaliser un jour une autre version où le vent actionnerait le mécanisme de mastication de la mâchoire, mais je crois aussi qu’il faut écouter le paysage lorsqu’il essaie de vous communiquer quelque chose.
Cette version de Punk Romantic for Bondi diffère de la première à plusieurs égards. Tout d’abord, j’ai choisi d’y ajouter de l’or après avoir eu l’occasion d’admirer un coucher de soleil à Bondi. Bondi bénéficie d’une lumière dorée particulière au coucher du soleil. Les deux versions de l’œuvre contiennent du métal recyclé et des plastiques océaniques recyclés à la main. Mon choix d’utiliser ces matériaux est motivé par le fait de travailler avec l’environnement qui m’entoure.
Avez-vous toujours été créatif ?
Oui, avant même de savoir parler, je dansais, dessinais et mélangeais de la boue avec des bâtons et des fleurs dans le jardin ou dans un pré.
Vous avez vécu et travaillé en France pendant 7 ans. Parlez-nous de cette expérience. Où ? Comment cela s’est-il passé ? Que faisiez-vous ?
Mes premiers souvenirs de France remontent à l’âge de 11 ans, lorsque nous y avons séjourné pour le travail de mes parents, d’abord à Paris, puis à Marseille. Je me souviens avoir été légèrement taquiné par les autres enfants parce que j’étais Australienne, à cause de Kangos, un dessin animé français mettant en scène une équipe de kangourous jouant au basket. J’étais également obsédé par ce dessin animé, car il était à la fois australien et français. Mes parents, comme moi, sont nés ici en Australie, mais mon nom de famille est français, car la famille de mon père est originaire du nord, près de la Normandie.
Chaque fois que je suis en Normandie, en particulier sur une plage balayée par le vent, je me souviens de ce que disent les Australiens des Premières Nations lorsqu’ils parlent de leur lien avec leur pays ici en Australie. Grâce aux encouragements de mon père et de mes tantes, j’ai postulé dans une école de photographie à Paris. J’ai eu l’immense privilège et la chance d’être accepté, puis à nouveau le privilège et la chance de pouvoir bénéficier du soutien de ma famille, ce qui m’a permis d’étudier et de travailler dans la publicité commerciale et la photographie de mode à Paris.
En plus de votre travail de sculpteur, vous êtes photographe et avez photographié de nombreux groupes punk français. Vous travaillez également régulièrement avec des amis français. Sur quoi travaillez-vous ensemble et comment collaborez vous malgré la distance qui vous sépare ?
En ce moment, je travaille sur une collaboration avec Rabih Gebeile, qui est un musicien, un artiste et un être humain extraordinaire. Je l’ai photographié pour la première fois à Paris, où nous vivions tous les deux à l’époque, alors qu’il se produisait avec son groupe Backbone Party. Vous pouvez retrouver leur chanson Nickel and Dime sur la bande originale du film The Sea Ahead d’Ely Dagher. Il a également composé la bande originale du film Dead Dog de Sarah Francis, sorti en 2025. Son projet actuel, Sūr @sound_of_sur sur Instagram, est également incroyable.
Depuis, nous nous suivons mutuellement sur les réseaux sociaux. Malgré tous les maux qu’ils ont causés, les réseaux sociaux ont également contribué à créer et à maintenir de nombreuses relations extraordinaires, dont celle-ci pour moi. Avec la reprise des bombardements dans le sud du Liban, j’ai contacté Rabih. La semaine où j’installais Punk, Romantic à Bondi était aussi celle où les bombardements ont repris dans le sud du Liban, alors que Rabih se trouvait au Liban pour tenter de se rendre sur les tombes de membres de sa famille dans le sud, ce qu’il n’avait pas pu faire l’année dernière en raison de la guerre.
Nous travaillons actuellement ensemble sur une édition spéciale de mon requin animatronique et de mon œuvre d’art performative « Beached as Bro… (I love you) ». L’œuvre consiste en une performance d’endurance dans laquelle je me produis à l’intérieur d’un requin animatronique fait main de près de 7 mètres de long, surnommé « Sweetie Pie ».
Pendant la performance, le requin tente de bouger et de chanter en suivant les chansons des Beach Boys, notamment « Don’t worry Baby ».
Dans le cadre d’une collecte de fonds pour Canberra Contemporary, j’ai développé une édition spéciale de tirages et de t-shirts à partir d’images fixes de cette performance mise en scène devant le lac et le Mémorial national de la guerre à Canberra, où se trouve également l’espace d’exposition Canberra Contemporary au bord du lac.
Cet été, parallèlement à la sortie des tirages et des t-shirts pour la collecte de fonds du Canberra Contemporary, il y aura également une performance live spéciale et un enregistrement de « Beached as Bro… (I love you) » devant le mémorial de guerre, avec la reprise enregistrée par Rabih de la chanson « Don’t Worry Baby ».
Comment votre séjour en France a-t-il influencé votre sensibilité artistique, notamment en termes d’intérêt pour la culture punk et la photographie ?
La France est le berceau du romantisme, de la Révolution française et de l’invention de la photographie. Ma pratique artistique aborde et fait souvent référence au concept romantique du sublime. Le sublime est le premier mot qui m’est venu à l’esprit lorsque l’on m’a posé cette question. C’est quelque chose que je ne peux pas tout à fait saisir, tout comme le sublime. Comme pour n’importe quel pays, il y a beaucoup de choses avec lesquelles je ne suis pas toujours d’accord en matière de politique française, mais je ne cesserai jamais de respecter et d’admirer leur dévouement aux arts, leur courage et leur volonté de tout risquer pour la liberté d’expression et le droit de manifester.
Vous avez commencé par photographier des groupes punk français. Qu’est-ce qui vous a attiré vers cette scène et comment le fait d’être dans un pays étranger a-t-il influencé votre regard sur celle-ci ?
Quand je suis arrivé à Paris à l’adolescence et au début de l’âge adulte dans les années 2010, j’ai été époustouflé par la scène artistique et musicale underground DIY. La nuit, je sortais pour la photographier autant que possible. Quand j’ai déménagé à Paris, j’ai eu la chance d’arriver alors qu’il y avait encore des squats dans les limites de la ville où je pouvais entrer pour photographier des groupes punk locaux et étrangers. L’un des plus emblématiques est La Miroiterie, aujourd’hui fermée, rue Ménilmontant.
Lorsque vous photographiez des groupes punk (en particulier en France), qu’essayez-vous de capturer au-delà de l’image : l’attitude, l’énergie, la communauté ? Comment intégrez vous cela dans votre travail actuel de sculpture/installation ?
Je me rends compte que j’ai toujours été attiré par la façon dont les corps bougent et se dessinent dans un espace en relation avec la lumière et les autres corps/objets qui les entourent. J’ai été attiré par la culture et la musique punk parce que j’admirais la confiance et l’énergie des artistes, leur capacité à adopter une position et à parler avec passion et sans honte de la nécessité de rendre le monde meilleur.
Le mot « photographie » signifie « écrire avec la lumière », et la lumière est une forme d’énergie. J’ai toujours l’impression d’écrire et de créer avec la lumière/l’énergie dans mes sculptures et installations actuelles. Pour moi, le processus de créer avec mes mains est important, car je pense que le contact physique peut transférer de l’énergie. Un exemple en est donné plus haut, lorsque j’ai mentionné ma décision de faire en sorte que l’œuvre stocke la lumière du soleil pour ensuite briller dans le noir, montrant les traces de mes mains sur cette édition de Punk, Romantic pour Bondi.
Vous décrivez votre travail comme combinant robotique, automates, humour, absurdité et matérialité. Pourriez-vous nous parler de la manière dont vos premières expériences en photographie et dans la culture punk vous ont conduit vers le côté plus mécanique/installation de votre pratique ?
La culture punk repose en grande partie sur le DIY (Do it yourself) et sur l’idée de créer/rejoindre des communautés où il faut travailler ensemble, partager ses connaissances et se soutenir mutuellement pour réaliser des choses. Je pense que cela m’a aidé à me considérer très tôt comme une infime partie d’un autre élément qui fait partie d’un système qui fait partie d’un autre système qui fait partie d’un système encore plus grand. Mon passage de la photographie à la sculpture/installation robotique et mécanique m’a semblé naturel, car le miroir est considéré comme la première machine, car il a été créé pour nous montrer nous-mêmes, mais il ne fait pas partie de nous. Un appareil photo peut également être une machine.
Quel conseil donneriez-vous aux artistes émergents qui souhaitent combiner performance, sculpture, mécanique et préoccupations environnementales ?
Allez vers les autres et rejoignez une communauté, même si cela vous semble gênant au début. Si possible, trouvez un mentor ou d’autres artistes qui font des choses similaires à qui vous pouvez parler. Lorsque les choses vous semblent trop difficiles, cela ne signifie pas que vous devez abandonner, mais peut-être simplement que vous avez besoin d’un câlin, d’une discussion ou d’une bonne nuit de sommeil.
Je n’ai jamais reçu un seul message d’un autre artiste ou ami qui souhaitait discuter de quelque chose sans que cela me donne envie de le serrer dans mes bras et de discuter avec lui. J’ai également eu la chance incroyable que des gens fassent la même chose pour moi. Si quelqu’un est grossier ou désagréable, cela vient de lui et non de vous, alors continuez à chercher le contact.
Si vous pouviez choisir une bande originale punk pour accompagner votre œuvre à Bondi, laquelle choisiriez-vous et pourquoi ?
Oh, c’est une question difficile. Pour la première exposition Punk, Romantic, la performance que j’ai réalisée sur le rocher avec le monocycle, j’écoutais en boucle la chanson Hertz du groupe punk australien emblématique Amyl and the Sniffers. J’étais tellement obsédé que j’ai même fini par écrire les paroles de Hertz sous forme de messages secrets avec des baisers, visibles uniquement sous une lumière noire, sur certaines des photographies de la première exposition Punk, Romantic.
Pour Bondi, je pense que c’est « Punkrocker » avec Iggy Pop des Teddy Bears, qui est devenu viral grâce à la bande originale du dernier film Superman. Je n’aime généralement pas les films de super-héros, mais après avoir lu certaines critiques, je me suis forcé à le regarder et je l’ai finalement beaucoup aimé. Ces dernières années ont été incroyablement mornes en termes d’actualité. Ce film m’a donné un peu d’espoir quant à l’avenir et à l’orientation de la culture populaire. La chanson m’est également restée en tête pendant une grande partie du temps où je créais Punk, Romantic pour Bondi. Elle figurait dans la playlist que j’écoutais en conduisant mon œuvre à Bondi pour l’installation.
Souhaitez-vous ajouter autre chose ?
Finançons les arts plutôt que de fabriquer davantage d’armes pour des guerres que notre planète nous dit déjà qu’elle ne pourra pas supporter.
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Nous remercions Sophie Dumaresq pour cette interview et nous avons hâte de découvrir ses futures œuvres.
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