Pour la première fois en une décennie, le State Opera of South Australia et la State Theatre Company of South Australia unissent leurs forces pour mettre en scène Candide à la fin du mois. Nous avons discuté avec Alexander Lewis, qui joue le rôle principal de Candide. Nous avons discuté de la production, de la façon dont ses thèmes sont toujours présents et pertinents, de l’optimisme et des différents rôles et défis de la carrière d’Alexander.
Alexander, vous jouez le rôle principal de Candide dans la prochaine production du State Opera of South Australia et de la State Theatre Company of South Australia. Pourriez-vous nous parler un peu de la production et de votre rôle ?
La production est une reprise de celle que nous avons montée pour la première fois il y a quelques années avec les Sydney Philharmonia Choirs à l’Opera House. Il s’agissait d’une sorte de production semi-scénique, mais il n’y a rien de semi-scénique là-dedans de notre point de vue. Elle est pleine de caractère, de vie et de couleurs. C’est une pièce extraordinaire et la production est extraordinaire parce qu’elle contient les moments les plus légers et les plus brillants, des moments magnifiques, sincères, affectueux et tendres, mais aussi, évidemment, il y a beaucoup de noirceur dans l’œuvre. Tout cela est donc équilibré. L’orchestre est présent dans les chœurs et c’est un conte épique, une œuvre épique. Il est certain que la façon dont nous abordons les choses, nous devons montrer les extrêmes et nous repoussons absolument les limites dans la production.
Candide lui-même est un très beau personnage à jouer. Il est très compliqué, et pourtant incroyablement simple. C’est l’idée de représenter la bonté, l’espoir, le bonheur et la positivité, la naïveté. C’est quelqu’un qui va dans le monde en essayant de comprendre comment il s’intègre et comment nous nous intégrons tous dans le monde. Pourquoi nous ne pouvons pas nous entendre. Vous savez pourquoi. Pourquoi il y a du chagrin, de la tristesse, de la douleur, de la souffrance, de la colère. Il y a l’équilibre entre la lumière et l’obscurité tout au long du spectacle.
Il y a beaucoup de défis à relever. Tous les rôles de la pièce sont particulièrement difficiles, de diverses manières. C’est l’une des grandes qualités de cette pièce. Candide est un voyage épique vers l’âge adulte, une tentative de compréhension du monde, sur le plan émotionnel, intellectuel et philosophique. C’est donc une merveille.
Y a-t-il des défis à relever pour chanter la partition, ou s’agit-il plutôt des défis liés à la représentation de toutes les émotions que traverse votre personnage, Candide ?
Tout cela à la fois. Absolument, tout cela. il y a quelques défis vocaux pour plusieurs des personnages. Pour Candide, il y a des défis techniques, des techniques purement vocaux.
L’œuvre peut être interprétée de différentes manières. Il a été chanté par un grand nombre de personnes différentes au fil des ans. Évidemment, je viens du côté de l’opéra. J’ai également fait beaucoup de théâtre musical, mais comme il s’agit de Bernstein et d’un grand orchestre avec lequel nous chanterons dans d’immenses chœurs, j’aborde les choses de manière raisonnablement opératique. Je fais donc des choix ici et là au cours de la soirée pour apporter autant de couleurs et de nuances vocales que possible.
Émotionnellement, c’est tout un voyage, mais il essaie toujours de trouver le positif jusqu’à ce que cela devienne un peu trop pour lui. Pas de spoilers, mais nous débouchons évidemment sur l’un des plus grands numéros de chœur et d’ensemble de tous les temps, Make Our Garden Grow, à la fin du spectacle, ce qui est un défi à relever. C’est tellement épique. C’est juste un immense morceau de chant collectif et de création musicale. C’est tout à fait stupéfiant.
Dans le texte original, Candide est témoin d’une violence assez brutale. Comment avez-vous procédé pour représenter cela dans la production ? Est-ce violent et difficile à regarder pour le public ?
Ce n’est certainement pas difficile à regarder pour le public. Tout est très exagéré. Il y a beaucoup de couleurs vives. Les choses seront légèrement différentes de ce qu’elles étaient à Sydney mais, vous savez, il y a souvent de la violence implicite dans les comédies musicales ; une grande partie de la violence est en fait traitée de manière absurde, ce qui peut être très, très efficace.
Mais oui, il y a un grand nombre d’auto-da-fés sur les pendaisons et les flagellations, et tout ce genre de choses. C’est fait de façon absurde pour mettre en évidence la folie que les humains traversent souvent et cette sorte de folie collective qui a été vécue à différents moments de l’histoire.
Oui, et c’est toujours le cas.
Oui, tout à fait. C’est l’une des choses extraordinaires à propos de cette œuvre, c’est que, Voltaire et tous les autres, nous sommes toujours là à nous demander si nous allons apprendre, et vous pensez à ce qui se passe dans le monde. Il n’y a donc rien de négligé à cet égard en termes d’information, mais ce n’est certainement pas fait de manière graphique.
Non, donc vous ne vous sentirez pas mal à l’aise.
Non, pas du tout. C’est absurde. Comme je l’ai dit, c’est fait d’une manière assez absurde pour des bonnes raisons.
Le fait de jouer ce rôle a-t-il changé votre propre point de vue sur l’optimisme ?
Oui, un peu. C’est intéressant. Évidemment, je l’ai fait il y a plusieurs années et depuis, nous avons tous vécu beaucoup de choses. Nous l’avons fait en 2018 ou quelque chose comme ça. Il s’est donc passé beaucoup de choses pour beaucoup d’entre nous, pour la plupart d’entre nous dans le monde depuis lors. J’ai aussi un enfant maintenant, ce qui est intéressant.
Candide est ponctué de diverses méditations. Il y a ces moments de contemplation tout le temps. À cet égard, il a été très agréable de le revisiter parce qu’avec COVID et tout le reste, ainsi qu’avec l’elevage des enfants, vous vous retrouvez coincé dans vos routines et votre rythme de vie quotidien. Et peut-être que de manière générale, dans le monde moderne, avec tout le monde sur les réseaux sociaux, Instagram et tout ce genre de choses en permanence, nous ne méditons peut-être pas assez et ne réfléchissons pas assez à l’intérieur, sur un type différent d’expérience collective. C’est donc une chose intéressante à laquelle il faut réfléchir.
Et évidemment, chaque fois que vous jouez quelque chose, vous pensez à l’expérience humaine, parce que notre travail consiste à la reproduire ou à mettre en valeur certains aspects de l’expérience humaine. Et donc, pour cette pièce, qui couvre toute la gamme, c’est un endroit intéressant où nous pouvons tous nous retrouver pendant un petit moment.
Qu’est-ce qui vous a attiré dans ce rôle et comment vous y êtes-vous préparé ?
Alors, je suis une grande fan de Leonard Bernstein, et ce depuis très longtemps. J’ai grandi dans le monde de l’opéra avec ma famille et j’aime les comédies musicales. J’ai l’impression que mes instincts musicaux et dramatiques s’intègrent très bien dans le monde de Bernstein et dans les mondes de Bernstein, au pluriel. Il s’agit de l’une des musiques les plus belles, les plus convaincantes et les plus émouvantes jamais écrites. Make Our Garden Grow, comme je l’ai déjà mentionné, est l’un des morceaux de musique les plus phénoménaux jamais écrits. C’est l’une des choses les plus étonnantes à interpréter. Je pense que c’est aussi l’une des choses les plus étonnantes à recevoir en tant que spectateur.
Évidemment, Glitter and Be Gay, qui est l’un de ces grands numéros sensationnels, est, encore une fois, l’un des morceaux les plus scandaleux et les plus brillants de la comédie et de la composition. Il y a donc beaucoup de choses à aimer dans ce spectacle. Si l’on vous offre la possibilité de monter sur une scène avec un grand orchestre pour chanter certains de ces morceaux, vous ne la refusez pas.
Comment avez-vous découvert le spectacle des Sydney Philharmonia Choirs ? Avez-vous auditionné ? Avez-vous été triés sur le volet ?
J’avais déjà travaillé avec les Sydney Philharmonia Choirs avec Brett Weymark, et Mitch Butel et moi nous avions un peu croisé le fer. Nous nous connaissions. Il avait travaillé avec ma femme à l’époque. Je travaillais donc avec Brett et Sydney Phil sur un autre concert et ils m’ont dit qu’ils prévoyaient de le faire. Et j’ai dit : « Moi, s’il te plaît ! ». Et Brett a heureusement accepté à l’époque, ce qui est vraiment, vraiment gentil.
Il est intéressant de noter qu’un peu plus tôt cette année, l’Opéra de Victoria a réalisé une production de Candide d’un style très différent. J’y ai également participé, dans un tas d’autres rôles. Je ne jouais pas Candide dans cette production. J’ai joué plusieurs autres personnages, ce qui est l’un des aspects merveilleux de cette pièce. Elle peut être interprétée de tant de manières différentes. Je me suis intégré dans le mélange d’une manière très différente de la façon dont nous avons mis en place ce spectacle, dans notre version, qui est vraiment charmante. Je connais donc en quelque sorte tout le spectacle de l’intérieur maintenant.
Il est inhabituel que deux compagnies le mettent en scène la même année. Candide n’est pas un spectacle que l’on monte très souvent.
Non, malheureusement. Enfin, il devrait être monté plus souvent. C’est un peu fou parce que, vous savez, chaque fois qu’il est monté, il est toujours, en général, très bien accueilli et le public vient et l’aime vraiment. Je ne connais pas les plans des administrations des sociétés qui l’ont fait, mais il est évident qu’avec le film Maestro, qui a été réalisé à partir de l’histoire de Bernstein, qui a été nommé aux Oscars, et tout le reste, cela a bien fonctionné à cet égard pour que le nom de Bernstein soit un peu mis en avant.
Il se passe beaucoup de choses. D’un point de vue stylistique, l’absurdité, les vastes éléments farfelus qui sont utilisés ainsi que les choses déchirantes et hilarantes qui se produisent peuvent être accablants. Je pense que c’est peut-être pour cette raison qu’on ne le fait que de temps en temps. Mais chaque fois qu’elle est présentée, les gens l’adorent. Les choses qui se passent dans le monde en ce moment, les divisions entre les croyances et les cultures, et tout le reste, sont toujours présentes. Cela résonne très bien.
En quoi cette production diffère-t-elle de celle du Sydney Philharmonia Choir que vous avez monté en 2018 ? Vous avez une partie de la même distribution, vous avez Mitchell Butel qui met en scène et joue.
Il s’agit en grande partie de la même distribution. Il y a donc quelques personnes différentes. Évidemment, Mitchell a dirigé la dernière fois. Maintenant, il joue aussi en tant que coréalisateur avec Amy (Campbell). Cela va être intéressant.
Évidemment, avec l’arrivée de Hans, on va bien s’amuser. Nous avons remplacé un genre de plaisir très énergique en Kanen Breen par un autre genre de plaisir très énergique en Hans, ce qui est vraiment bien.
C’est une équipe différente, un orchestre différent. J’ai hâte de jouer avec l’orchestre. L’orchestre d’Adélaïde est tout simplement phénoménal. J’ai hâte de les entendre jouer. Et c’est aussi une belle compagnie pour laquelle travailler là-bas. Nous sommes tous un peu plus âgés, nous sommes tous un peu plus sages, donc l’histoire parlera un peu différemment, je pense, de la façon dont nous l’avons faite. Mais ils ont ajouté un peu de polissage et un peu de flair supplémentaire, d’après ce que j’ai compris, par rapport à ce que nous étions à Sydney. Ce sera certainement brillant et coloré, très amusant et profondément émouvant à la fois.
Avez-vous lu le livre ?
Il y a longtemps. Enfin, j’ai étudié Voltaire et tout le reste au lycée. La Révolution française était l’un de mes sujets de prédilection dans mes cours d’histoire, il y a longtemps, alors je connais assez bien l’histoire. Mais cette fois-ci, avec tout ce qui se passe, c’est un peu chaotique, et c’est un véritable tome à essayer de lire.
Sachant que cela fait un moment que vous ne l’avez pas lu, saviez-vous en quoi la version théâtrale diffère du texte original ou du texte anglais ?
Ce qui est intéressant avec cette œuvre, c’est que la pièce elle-même a beaucoup évolué au fil du temps. Il existe de très nombreuses versions différentes. Ainsi, l’une des différences entre cette version et celle que je viens de présenter à l’Opéra de Victoria est que, bien que les éléments de base soient largement les mêmes, un certain nombre de personnages n’ont pas été écrits dans notre version, qui est davantage une version de concert semi-scénique, alors qu’à l’Opéra de Victoria, nous avons présenté une version légèrement plus théâtrale.
De toute évidence, c’est l’interprétation qu’en a faite Bernstein à un moment assez important pour lui qui l’a poussé à écrire cette œuvre. Là encore, beaucoup de choses ont changé depuis. La mémoire de Voltaire est assez lourde, alors que les éléments théâtraux et comiques exacerbés sont omniprésents dans la version théâtrale. C’est un voyage fou.
C’est certain. Vous avez un peu parlé de la pertinence de l’œuvre aujourd’hui. Comment pensez-vous que les thèmes et les messages de Candide trouveront un écho auprès du public ?
Littéralement Make the Garden Grow à la fin de l’œuvre, c’est l’idée que nous sommes tous imparfaits. Je pense que l’une des choses est que l’idée de l’avidité est toujours présente, de l’égoïsme est toujours présent. aujourd’hui. Bizarrement, cependant, parce que nous sommes plus connectés que jamais grâce à l’internet et aux médias sociaux, etc. Je pense que pour beaucoup de gens, l’idée de faire partie d’un collectif, d’une communauté, fait défaut. Je pense qu’au bout du compte, vous vous dites tous : « Nous nous voyons les uns les autres, nous avons tous des défauts, mais si nous prenons soin les uns des autres et du monde qui nous entoure, nous pouvons apporter des changements positifs. Nous pouvons connaître la joie. Nous pouvons faire l’expérience de l’amour. Il y a des compromis pour tout le monde, mais nous ne devrions pas nous faire passer avant les autres. Nous sommes ici pour travailler, nous sommes ici pour nous soutenir les uns les autres et pour soutenir le monde pour les gens qui viendront après nous ».
J’espère que ces idées seront ressenties par les gens du public et qu’elles les amèneront à réfléchir : « Ah oui, qu’est-ce que j’ai fait aux autres ? Qu’ai-je fait pour les autres ? » Et j’espère qu’ils repartiront avec un peu plus de ces dernières que des premières.
Vous avez dit qu’il s’agit d’un spectacle où vous touchez vraiment aux éléments absurdes de tout. Comment vous-même, en tant qu’interprète, parvenez vous à équilibrer les éléments comiques et tragiques ?
D’une certaine manière, c’est facile pour moi parce que je suis un homme droit dans le spectacle, donc la sauvagerie se produit autour de moi et pour moi. On dit que tous les opéras sont faits de sexe, de mort et de politique, et celui-ci couvre toute la gamme en une seule nuit. Il y a l’idée d’un amour jeune qui s’épanouit, puis d’un chagrin d’amour qui s’éteint, puis d’une remise en question, puis d’une mise en situation de guerre, de mort, de chagrin et de perte, et de toutes ces choses folles. Et tout cela se passe de manière vraiment énorme et exagérée.
Mais Candide a toujours besoin de ressentir les choses de manière normale. Il a encore besoin de voir la vérité et d’être transformé psychologiquement et émotionnellement. Parce qu’il est essentiellement, à bien des égards, l’espoir personnifié, faisant tout ce qu’il peut pour s’accrocher à cette idée, cette croyance que tout arrive pour la meilleure des raisons et le meilleur des mondes possibles, et s’en tenant à ce mantra aussi longtemps qu’il est humainement possible de le faire.
Il voit des choses, et il commence à grandir. Il atteint l’âge adulte, grandit et commence à voir le monde. Ensuite, il se dit que ça ne va peut-être pas marcher, mais il y a encore de la naïveté à la fin de l’œuvre. Donc, pour moi, à bien des égards, c’est assez simple dans la mesure où je joue l’homme droit dans une pièce où il y a beaucoup de folie autour de moi.
Pour en venir à vous, vous avez étudié à la Western Australian Academy of Performing Arts (Académie des arts du spectacle d’Australie occidentale). Aviez-vous l’intention de devenir chanteur d’opéra ? Vous considérez-vous comme un chanteur d’opéra ?
Eh bien, en quelque sorte. Je fais les deux. Je veux dire que je suis un chanteur. Mais oui, comme je l’ai dit, j’ai grandi dans le monde de l’opéra avec mes parents et la musique classique a été mon premier amour à bien des égards. Mais j’ai découvert la comédie musicale à la fin de mes années de lycée et l’année qui a suivi, et j’ai aussi beaucoup joué au lycée, et beaucoup de pièces avec l’Australian Theatre for Young people. J’aimais donc me produire en général, et j’allais voir quelles opportunités s’offraient à moi, et l’opportunité d’aller au WAAPA et de suivre le programme de théâtre musical était la bonne décision.
Ensuite, j’ai obtenu mon diplôme du WAAPA et j’ai participé à des comédies musicales, ici à Oz, et j’ai fait quelques tournées. Et puis ma voix a un peu changé. Ma voix est devenue plus aiguë. Tout d’un coup, la possibilité de devenir ténor d’opéra s’est présentée. Je suis parti à l’étranger pendant un certain temps et j’ai passé des auditions pour des concours et des programmes pour jeunes artistes, et je suis devenu un jeune artiste au Metropolitan Opera de New York. J’y suis resté trois ans, puis je suis resté quelques années de plus pour travailler au MET et dans d’autres lieux, avant de voyager.
J’ai surtout fait de l’opéra à l’étranger et, bizarrement, j’ai fait beaucoup plus de théâtre musical ici et un peu moins d’opéra. Ce serait bien de faire les deux. J’ai beaucoup travaillé avec Barrie Kosky à Berlin.
Oui, j’ai vu que vous étiez également au Komische Oper Berlin.
Oui, le Komische était formidable et Barrie et moi nous sommes croisés pendant mes années Lindemann [le programme Lindemann de développement des jeunes artistes du Metropolitan Opera] et j’ai eu l’occasion d’auditionner pour lui. Compte tenu de ma formation théâtrale et de mes capacités physiques, en particulier après le WAAPA, je dansais et bougeais beaucoup, et mon jeu d’acteur était toujours, à bien des égards, au centre de mes préoccupations. Je pense que cela correspondait tout à fait aux œuvres de Barrie, à sa façon de travailler, ainsi qu’à celle de Komische.
J’ai donc eu de merveilleuses opportunités et du temps, mais la COVID m’en a enlevé une partie récemment. Et Barrie est maintenant parti faire plein d’autres choses un peu partout. Pouvoir faire cela à l’étranger a été plutôt cool. Et c’est l’un des grands avantages de Candide, c’est qu’il se situe au milieu. Il se trouve vraiment à l’endroit où je me situe entre les deux mondes musicaux. C’est agréable.
Il s’agit d’une production conjointe de la State Theatre Company of South Australia et de la State Opera Company of South Australia.
Oui, il y a beaucoup de dialogues, surtout pour Mitchell. Chess, la comédie musicale, est la dernière chose que j’ai faite à Adélaïde, mais j’ai joué The Merry Widow pour le State Opera il y a quelque temps ; une magnifique production de Graham Murphy… C’est donc un véritable mélange de toutes sortes de choses. C’est formidable.
Parmi tous les rôles et toutes les productions auxquels vous avez participé, quels sont ceux qui vous ont posé le plus de problèmes ? Et qu’avez-vous fait pour surmonter ces difficultés ?
Oh, il y a des défis et des défis. J’ai beaucoup joué un opéra de Chostakovitch intitulé Le Nez. C’est une œuvre folle et sauvage. Elle pose énormément de défis musicaux et vocaux. Chanter une quinzaine de do aigus dans cet opéra relève du grand art. À côté de cela, la célèbre Maria’s Aria de Mazeppa ressemble à une promenade de santé. C’est donc un type de défi.
Évidemment, lorsque vous faites quelque chose comme West Side Story dans le port de Sydney, il y a toutes sortes de défis à relever dans cette production.
Oui, vous êtes dans les éléments.
J’ai également eu une blessure assez grave au dos pendant cette période, mais ce n’était pas un problème. Je suis allé jusqu’au bout du spectacle.
Il y a un travail que j’ai fait à Santa Fe, Jenůfa de Janáček, qui était partiellement en plein air à nouveau, et c’est une musique et un langage incroyablement difficiles et compliqués. C’est de la grande musique à chanter, un sujet difficile, vraiment dans les moindres détails. Il y a beaucoup d’infanticides dans cette œuvre. C’est très, très sombre et très, très intense. Et mon personnage était assez violent. Il a donc été très difficile de trouver un chemin de rédemption pour Laca, mon personnage dans Jenůfa, et cela a été un véritable défi à cet égard.
Chaque rôle comporte un défi, de nature différente. Je pense que si c’était toujours facile, on pourrait s’ennuyer un peu. Une nouvelle œuvre du jeune compositeur américain Matthew Aucoin, intitulée Crossing, que j’ai jouée pour la première fois à Boston puis à l’Académie de musique de Brooklyn, est probablement la chose dont je suis la plus fière à bien des égards. Elle est basée sur le poème et les journaux intimes de Walt Whitman lorsqu’il était infirmier pendant la guerre civile américaine. J’ai travaillé avec une réalisatrice incroyable, Diane Paulus. Matthew Aucoin, le compositeur, est tout simplement un talent extraordinaire, extraordinaire, et il fait toutes sortes de choses merveilleuses, merveilleuses. Mais encore une fois, la couche musicale était vraiment, vraiment stimulante, mais physiquement et dramatiquement, nous avons été vraiment poussés.
La guerre de Sécession a été une situation absolument horrible et la plus grande perte de vies américaines de l’histoire. Et, à bien des égards, c’était la première fois que ce type de brutalité et de guerre se produisait dans le monde. Les pertes humaines étaient énormes en raison des infections, car c’était la première fois qu’il y avait des blessures causées par des éclats d’obus. Mon personnage était un jeune homme tourmenté et un déserteur de l’autre camp qui s’est réfugié dans les hôpitaux de l’opposition, mais son corps s’est légèrement détérioré. D’un point de vue physique, c’était un véritable défi pour moi. Et le fait de travailler en boitant et avec tout le côté droit de mon corps qui a fini par lâcher et je suis mort.
C’était incroyable, cependant, parce que lorsque nous étions à Boston pour répéter, le chef du service de chirurgie de Harvard est venu nous parler de nos blessures. Nous étions très précis. « J’ai une blessure par éclat d’obus ici. Comment cela va-t-il affecter mon corps dans la façon dont je bouge ? » Et « est-ce que 24 heures est un délai réaliste entre le moment de la blessure de votre infection et la mort et toutes ces sortes de choses ? »
Ils étaient vraiment authentiques à l’époque.
Oui, vraiment. Vous avez parlé un peu de la violence et de ce genre de choses dans Candide, mais ici il y avait des amputés et beaucoup de blessures très graphiques, alors que la nôtre est traitée d’une manière bien différente.
Heureusement, je dois ajouter ! Pourquoi le public devrait-il aller voir Candide ?
Parce que c’est une pièce qui déchire ! C’est une sacrée bonne soirée ! Parce que c’est l’occasion de partager une expérience collective unique. Musicalement et dramatiquement, il n’y a rien de comparable nulle part. La distribution est phénoménale. Nous avons l’extraordinaire Caroline O’Connor sur scène et l’occasion d’aller voir quelqu’un comme elle est une occasion à ne pas manquer. Entendre cette musique, entendre la complexité, la beauté, le génie de Bernstein dans l’orchestration, le caractère qui existe dans l’orchestration seule, sans parler de la folle chevauchée de personnages que nous vivons sur scène, et nous avons aussi un chœur merveilleux.
C’est hilarant, c’est édifiant. C’est émouvant. C’est dramatique. Il couvre toute la gamme de l’expérience humaine en deux heures et demie. Je pense que le partage d’une expérience collective par le biais de la musique est l’un des grands cadeaux de notre existence.
Venez. Prenez un billet. Allez, allez, allez !
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Nous remercions Alexander Lewis pour cette interview et sommes impatients de voir Candide !
INFOS CLÉS POUR CANDIDE
QUOI : Candide, une production conjointe du State Opera of South Australia et de la State Theatre Company of South Australia.
OÙ : Her Majesty’s Theatre, ADELAIDE
QUAND : Quatre représentations seulement :
Jeudi 23 mai 19h30
Vendredi 24 mai 19h30
Samedi 25 mai 14h00 ; et
Samedi 25 mai 19h30
COMMENT : Achetez vos billets par ce lien
COMBIEN : Le prix des billets varie de 75 $ pour les sièges de la réserve C à 159 $ pour les sièges de la catégorie Premium. Des frais de service uniques de 9,55 $ par transaction sont également facturés.
Avez-vous déjà lu ou vu Candide ?
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