Nathan Stafford fait partie de la troupe et assure la doublure de Dimitri dans la comédie musicale Anastasia dont la première a lieu ce soir à Adélaïde. Nous nous entretenons avec lui au sujet des expériences de son enfance qui l’ont d’abord attiré vers la scène, de sa formation initiale et de son parcours professionnel qui ont façonné son approche de l’interprétation, ainsi que des exigences physiques et techniques liées à la conciliation du travail en troupe et des rôles de doublure dans une comédie musicale de grande envergure. Découvrez ci-dessous notre entretien avec Nathan.
À PROPOS DE NATHAN
Nathan, vous avez commencé une formation aux arts du spectacle dès votre plus jeune âge. Qu’est-ce qui vous a d’abord attiré vers la scène ?
À l’âge de 9 ans, j’ai vu pour la première fois mes cousins se produire au sein d’un groupe de hip-hop d’Adélaïde appelé Dance One 50. Les voir sur scène et découvrir la communauté qui se créait autour du spectacle m’a beaucoup inspiré, car je voulais pouvoir offrir à mon tour cette expérience mêlant enthousiasme et émerveillement au public. C’est à partir de ce moment-là que j’ai commencé à danser, puis j’ai été inspiré par le roi de la pop et du spectacle, Michael Jackson. La présence scénique de Michael et l’impact qu’il avait sur son public et sur le monde étaient une source d’inspiration et correspondaient finalement à l’effet que je souhaitais produire sur mon public.
Avec le recul, y a-t-il eu un moment où vous avez réalisé que cela pouvait devenir une véritable carrière ?
J’ai continué à poursuivre mon rêve de devenir un artiste au service du public, mais ce n’est qu’après avoir vu ma première comédie musicale, A Chorus Line, au Festival Theatre, que j’ai trouvé la direction que je souhaitais prendre. Je ne pense pas que j’aurais pu voir une meilleure première comédie musicale. L’histoire d’un groupe de personnes à différentes étapes de leur vie venant passer une audition pour le grand spectacle auquel elles aspirent toutes désespérément. Cela m’a appris ce que sont l’ambition, le rejet, le dévouement et les défis qu’il faut surmonter pour devenir artiste. Cela a inspiré le jeune Nathan à relever le défi, dans l’espoir qu’un jour, je ferais partie de ces artistes vêtus d’or et vivant leur rêve.
Parmi vos premiers rôles, on peut citer Chitty Chitty Bang Bang, The Sound of Music, et Le Lac des cygnes. Qu’est-ce que ces expériences vous ont appris sur le métier d’artiste ?
Le fait d’avoir été exposé au monde professionnel dès mon plus jeune âge m’a permis de mieux comprendre les processus impliqués dans la création d’une comédie musicale professionnelle. Cela a forgé mon éthique de travail acharné pour être à la hauteur des standards que j’avais observés en grandissant sur la scène du Festival Theatre. Je suis très reconnaissant de ces expériences vécues durant mon enfance, car elles m’ont aidé à intégrer le monde de la comédie musicale à l’âge adulte avec davantage de confiance dans ce qui est requis et attendu pour créer et mener à bien un spectacle professionnel.
Le fait d’avoir été exposé au monde professionnel dès mon plus jeune âge m’a permis de mieux comprendre les processus impliqués dans la création d’une comédie musicale professionnelle.
Y a-t-il eu un professeur, une compagnie ou une production en particulier qui a façonné votre parcours vers la comédie musicale ?
J’ai commencé ma formation dans plusieurs écoles de danse, auxquelles je suis reconnaissante de m’avoir aidée à trouver mes marques, mais l’école qui a véritablement stimulé mon évolution en tant qu’artiste, c’est le Total Image Dance Centre (TIDC). L’école de danse de Kerreane a véritablement fait de moi une artiste polyvalente en m’exposant à tous les styles de danse, et je suis très reconnaissante envers tous mes professeurs du TIDC pour leurs encouragements et leur soutien tout au long de mes années de formation, qui m’ont aujourd’hui conduite vers le monde professionnel avec une grande confiance en mes capacités. Une autre compagnie que je tiens à remercier est l’Adelaide Youth Theatre (AYT), dirigée par Emma Riggs. C’est au sein de cette compagnie que j’ai véritablement découvert mon amour pour la narration et que j’ai pu mettre en pratique toutes les compétences acquises au TIDC dans le cadre de comédies musicales. À l’AYT, j’ai pu affiner mon art en tant qu’acteur et conteur.
La comédie musicale exige de chanter, de jouer et de bouger en même temps. Quelle partie de ce métier vous est venue le plus naturellement ? Quelle compétence avez-vous dû travailler le plus pour la développer ?
J’ai commencé par la danse, et cela m’est toujours venu naturellement. J’ai toujours adoré bouger mon corps. Encore aujourd’hui, lorsque je découvre et crée un personnage pour un spectacle, c’est toujours l’aspect physique que je trouve en premier, ce qui m’aide ensuite à découvrir les autres facettes du personnage. Le jeu d’acteur et la narration ont également toujours fait partie de mes aptitudes naturelles. Dès mon plus jeune âge, je jouais sans cesse des personnages à la maison en me déguisant et en portant des costumes ; j’ai toujours eu un lien profond avec la narration et l’imaginaire. Le chant est apparu plus tard dans mon parcours, mais tout de même dès ma petite enfance ; je pense donc que c’est un domaine dans lequel j’ai toujours cherché à m’investir davantage et à m’entraîner. Cependant, grâce à la formation que j’ai reçue dès mon plus jeune âge et à mon expérience professionnelle, je pense avoir développé toutes mes compétences à un niveau professionnel, ce qui me permet d’utiliser mes capacités de toutes les manières nécessaires pour créer un personnage qui raconte l’histoire de la manière la plus efficace possible.
Lorsque vous vous considérez comme une artiste de scène, vous sentez-vous davantage chanteur, comédien, ou à mi-chemin entre les deux ?
Je ne me considère pas vraiment comme l’une ou l’autre, car j’ai l’impression que ces étiquettes n’existent pas dans le monde de la comédie musicale. Notre métier, en tant qu’artistes de comédie musicale, consiste à raconter une histoire ; j’aime donc considérer les autres artistes – et moi-même – comme des conteurs, car nous racontons tous une histoire à travers notre voix, notre corps et notre esprit. Nous utilisons simplement ces trois éléments de manière différente, et c’est ce qui donne vie aux personnages et suscite l’intérêt.
Notre métier, en tant qu’artistes de comédie musicale, consiste à raconter une histoire ; j’aime donc considérer les autres artistes – et moi-même – comme des conteurs
À PROPOS DE LA COMÉDIE MUSICALE « ANASTASIA »
Photo: Jeff Busby
Qu’est-ce dans la comédie musicale Anastasia qui vous a donné envie de participer à cette production ?
Comme la plupart des artistes lorsqu’ils reçoivent un dossier d’audition pour une comédie musicale, j’ai écouté l’enregistrement de la distribution et j’ai été complètement séduite par la musique et l’histoire racontée par Lynn Ahrens et Stephen Flaherty. La partition est si riche et orchestrale. Personnellement, j’adore les grandes pièces orchestrales : elles sont toujours tellement incroyables à écouter en tant que spectateur, et l’idée de pouvoir jouer chaque soir sur cette musique a été pour moi un véritable attrait pour ce spectacle. Mais au final, j’adore tout simplement l’histoire de ce spectacle et ses messages sur la découverte de soi et le cheminement personnel. Les thèmes et les messages de la comédie musicale sont tellement universels que je voulais faire partie d’un spectacle capable de toucher le plus grand nombre de personnes possible.
Mais au final, j’adore tout simplement l’histoire de ce spectacle et ses messages sur la découverte de soi et le cheminement personnel. Les thèmes et les messages de la comédie musicale sont tellement universels
En tant que membre de la troupe, comment faites-vous pour que chaque rôle soit distinct alors que vous aborde tant d’univers différents dans un seul spectacle ?
Personnellement, j’ai toujours trouvé mes personnages à travers la découverte physique : une fois que j’ai cerné le contexte donné – par exemple : où suis-je ? À quelle époque ? Que percevrait mon personnage avec ses sens ? – je commence simplement à expérimenter et à jouer pendant les répétitions avec la gestuelle et les traits de caractère qui correspondent au contexte de l’univers dans lequel évolue mon personnage. J’affine cela en me regardant parfois dans le miroir pour vérifier si ce que je fais avec mon corps correspond toujours à ce que je souhaite obtenir pour mon personnage au sein de la scène.
Vous êtes également doublure de Dimitri. Comment parvenez-vous à concilier votre préparation pour l’ensemble tout en restant prêt à tout moment à interpréter un rôle principal ?
Jouer dans l’ensemble est désormais une seconde nature pour moi. Mon esprit et mon corps se sont désormais adaptés aux exigences du spectacle pour mon rôle au sein de la troupe. Le défi de mon travail dans ce spectacle consiste à assurer les doublures de Dimitri et de Rothbart, l’un des passages de ballet. Comme ces doublures requièrent des compétences assez différentes, cela nécessite des répétitions – que nous avons de temps à autre – pour travailler ces doublures, afin que les mouvements restent ancrés dans le corps et que nous soyons prêts à tout moment pour endosser ces rôles.
Dans mon rôle d’ensemble, certains éléments me permettent à la fois de rester en forme pour chanter en solo dans le rôle de Dimitri et d’enchaîner avec un solo de ballet dans celui de Rothbart. Mon rôle d’ensemble consiste à chanter des lignes similaires à celles de la partie de ténor aigu, que chante également Dimitri, et j’effectue aussi des sauts et des portés, ce qui me permet de garder un corps fort et agile pour les moments où je dois danser le ballet.
Quel a été pour vous le plus grand défi technique ou physique dans cette production ?
Le plus grand défi physique de ce spectacle est de conserver la polyvalence nécessaire pour pouvoir accomplir tout ce qui est exigé de vous en tant qu’artiste. Il y a le chant, la danse, les chorégraphies de combat, les portés et les scènes d’intimité. Il s’agit d’avoir l’endurance et la force physiques pour exécuter tout cela de manière constante, tout en donnant l’impression que cela se fait sans effort et en restant émotionnellement connecté à l’histoire.
Rester présent et concentré est très important, surtout lorsque les remplaçants et les doublures entrent en scène, car l’ambiance change légèrement selon les interprètes, ce qui est passionnant et permet à tout le monde de garder un regard neuf et enthousiaste. L’objectif est donc de maintenir une fluidité et un rythme afin que toute la troupe bouge et travaille en harmonie avec la personne qui se trouve sur scène à ce moment-là.
Le plus grand défi physique de ce spectacle est de conserver la polyvalence nécessaire pour pouvoir accomplir tout ce qui est exigé de vous en tant qu’artiste. Il y a le chant, la danse, les chorégraphies de combat, les portés et les scènes d’intimité.
Vous jouez la comédie musicale Anastasia à travers l’Australie depuis décembre. Que faites-vous pour que chaque représentation reste vivante et dynamique tout au long d’une longue saison ?
Une grande partie réside dans la connexion avec les autres artistes sur scène. Même si nous disposons de la mémoire musculaire et de l’expérience acquises en jouant le même spectacle huit fois par semaine, notre travail consiste à faire en sorte qu’il soit aussi frais qu’au soir de la première à Melbourne. Chaque public est différent, et chaque représentation a la possibilité d’être légèrement différente en fonction des personnes avec lesquelles on partage la scène. Nous avons également beaucoup de chance d’être entourés d’une équipe créative, qui nous apporte un regard extérieur, celui du public. Cela nous aide à affiner sans cesse notre jeu et à nous assurer que nous ne nous contentons pas de faire les gestes machinalement.
Le spectacle oscille entre la Russie, Paris, le souvenir et l’imaginaire. Comment contribuez-vous, en tant qu’artiste, à transmettre ces changements émotionnels ?
Je pense qu’il est important de ne pas oublier le rôle essentiel de tous les autres services qui contribuent à raconter l’histoire : les décors, l’éclairage, les accessoires, le son, les costumes, les perruques, la coiffure et le maquillage. C’est vraiment un travail d’équipe qui permet de transporter le public dans tous ces lieux différents.
Le poids de l’histoire ne repose pas entièrement sur les épaules des interprètes. Certes, nous sommes les visages de l’histoire, mais ce n’est que lorsque tous les éléments s’assemblent que le public peut être transporté dans les différents décors et univers de l’histoire. En tant qu’interprètes, nous avons la chance de pouvoir réagir à tous ces éléments et de les laisser influencer nos performances afin de renforcer l’atmosphère et le décor de l’histoire.
Je pense qu’il est important de ne pas oublier le rôle essentiel de tous les autres services qui contribuent à raconter l’histoire : les décors, l’éclairage, les accessoires, le son, les costumes, les perruques, la coiffure et le maquillage. C’est vraiment un travail d’équipe qui permet de transporter le public dans tous ces lieux différents.
Selon vous, qu’est-ce qui fait que la comédie musicale Anastasia trouve un écho auprès d’un public de toutes les générations ?
Je pense que cela tient en grande partie aux thèmes abordés par l’histoire : l’identité personnelle, le sentiment d’appartenance et la découverte de soi. Ce sont des sujets auxquels tout le monde peut s’identifier, quels que soient son âge ou ses origines. Bien que l’histoire se déroule dans un contexte historique très précis, le parcours émotionnel est incroyablement universel. Elle soulève des questions sur l’identité, la famille, le foyer et notre place dans le monde, ce qui, je pense, explique pourquoi les spectateurs de toutes les générations peuvent s’y reconnaître.
Quelle est l’importance de la confiance et de la cohésion au sein de cette troupe, surtout lorsque les comédiens doivent jongler entre plusieurs rôles ?
La confiance est extrêmement importante, notamment parce que le spectacle comporte de nombreux éléments techniques. Nous avons des répétitions de combats, de portés et de scènes intimes à l’heure de la répétition générale ; il faut donc énormément de préparation et de communication pour garantir la sécurité et la cohérence de la représentation. Lorsque les comédiens doivent jouer plusieurs rôles, il faut pouvoir faire entièrement confiance à la personne à côté de soi. Cela crée un véritable esprit d’équipe, car chacun doit être prêt à se soutenir mutuellement et savoir que la personne à ses côtés est là pour le couvrir.
Qu’est-ce que le fait de jouer ce spectacle a représenté pour vous personnellement, d’autant plus que le public d’Adélaïde vous voit revenir chez vous pour vous produire ?
C’est toujours un moment incroyablement spécial de revenir chez moi et de me produire devant un public d’Adélaïde. Le fait d’avoir ma famille, mes amis et mes professeurs, qui m’ont soutenue tout au long de mon parcours, assis dans le public, rend ce moment particulièrement significatif. C’est vraiment un moment merveilleux, qui boucle la boucle, que de pouvoir partager quelque chose sur lequel j’ai travaillé si dur avec les personnes qui m’ont aidée à en arriver là.
C’est toujours un moment incroyablement spécial de revenir chez moi et de me produire devant un public d’Adélaïde.
Pourquoi le public devrait-il venir voir la comédie musicale Anastasia ?
Pour moi, c’est une évasion. Il n’y a rien de tel que de voir une histoire se dérouler en temps réel, avec de vraies personnes, juste devant soi. Le théâtre a cette incroyable capacité à vous transporter vers des lieux et des époques différents et, ce faisant, à vous offrir des expériences et des perspectives que vous n’auriez peut-être jamais eues autrement. Je crois que le théâtre peut vous en apprendre davantage sur vous-même et sur le monde dans lequel vous vivez mieux que toute autre chose, souvent sans que vous vous en rendiez compte consciemment. Oui, Anastasia est incroyablement divertissant, mais c’est aussi une expérience qui peut vous faire ressentir, réfléchir et voir le monde un peu différemment. Il y a quelque chose de vraiment spécial à se trouver dans une salle et à partager cette expérience avec des centaines d’autres personnes en même temps.
Pour moi, c’est une évasion. Il n’y a rien de tel que de voir une histoire se dérouler en temps réel, avec de vraies personnes, juste devant soi.
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Nous remercions Nathan Stafford pour cette interview et avons hâte de découvrir la comédie musicale Anastasia à Adélaïde la semaine prochaine.
INFOS CLÉS SUR LA COMÉDIE MUSICALE ANASTASIA
QUOI : La comédie musicale Anastasia
OÙ ET QUAND:
ADELAIDE : Festival Theatre, ADELAIDE 2, 4-9, 12-16, 18-23, 26-30 août
BRISBANE : Lyric Theatre, BRISBANE 16-20, 23-27, 29-30 septembre
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