She-oak and sunlight: Australian impressionism: exposition à la NGV jusqu’à la fin d’aout

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She-oak and sunlight: Australian impressionism est une exposition qui se tient actuellement à la NGV. Elle contient plus de 250 œuvres et est présentée jusqu’à la fin août.  Sophie Gerhard est conservatrice adjointe de l’art australien jusqu’à 1980 et commissaire adjointe et conservatrice adjointe de l’exposition She-oak and sunlight. Nous avons discuté avec elle de son rôle de conservatrice, de l’impressionnisme australien et de l’exposition.

 

Sophie Gerhard, parlez-nous un peu de votre rôle en tant que conservatrice adjointe de l’art australien jusqu’en 1980, ainsi que de votre rôle de conservatrice et commissaire de l’exposition She-oak and sunlight?

Je suis à la NGV depuis environ deux ans et demi maintenant et mes responsabilités consistent à aider à la production des expositions, mais aussi à l’entretien de la collection.

 

Pour les expositions temporaires, je suis là dès le début. J’ai eu la chance de me voir confier un rôle majeur dans l’exposition faisant de recherches et écrivant des étiquettes. J’ai écrit deux essais pour le catalogue de l’exposition. C’est vraiment une opportunité d’apprentissage pour acquérir mes compétences de conservateur. Comme je l’ai dit, cette exposition était si grande qu’il y avait beaucoup à apprendre.

 

Je peux l’imaginer. Qu’est-ce qui vous a décidé à vous orienter vers un rôle de conservatrice?

J’ai essayé la voie de l’art. J’ai étudié les beaux-arts pendant un an à l’université et j’ai rapidement découvert que ce n’était pas pour moi.

 

Pour ce qui est de faire de l’art, vous avez étudié la peinture pour vous en faire vous-meme?

J’ai commencé à étudier la peinture mais ensuite étudié l’histoire de l’art.

et je continue à dire que c’est la critique qui ne m’a pas plu, mais je n’étais probablement pas très douée. Et donc j’ai découvert une sorte d’amour pour l’histoire de l’art et l’écriture. Et c’est en quelque sorte la passerelle vers la conservation. L’histoire de l’art est vraiment une de mes grandes passions. Et je pense que c’est une passion importante pour un conservateur, car la recherche est une partie essentielle de son travail. J’ai voulu être conservatrice dès mon plus jeune âge, et j’ai de la chance d’être là où je suis.

 

 

Ok, donc quand vous étiez à l’école, vous saviez que vous vouliez jouer ce rôle?

Eh bien, je ne savais pas vraiment ce qu’était un conservateur, mais c’est certainement à 18 ans, lors de ma première année d’université, que j’ai découvert ce qu’était un conservateur. Et je pense que la profession a tellement changé, même au cours des dix dernières années. Elle est devenue beaucoup plus spécialisée. Ouais. Donc, oui, c’est à peu près ça.

 

Devenue spécialisée en termes de?

Oh, je pense que ça dépend de l’endroit où vous travaillez et de la taille de l’institution. Si vous êtes conservateur et commissaire d’une petite galerie, votre rôle est très étendu. Il y a la recherche, mais aussi la gestion de l’exposition, le design et l’installation, toutes ces choses sont englobées dans le poste de conservateur d’une galerie plus petite. Dans les galeries d’Etat, le rôle est tellement spécialisé, nous avons tous nos sujets principaux dont nous aimons parler. Il y a sept ou huit départements de conservation et au sein de ces départements, il y a 3 ou 4 conservateurs, chacun avec une sorte de domaine spécialisé. Et nous savons tous à qui parler de différents sujets.

 

Alors, en termes de spécialités, avez-vous choisi votre spécialité d’art australien en 1980 ou était-ce simplement la position dans laquelle vous vous trouvez actuellement?

J’ai eu beaucoup de chance. C’était en quelque sorte exactement là où je voulais aller. Dans ma licence d’histoire de l’art et d’études muséales, j’ai écrit ma thèse sur l’identité nationale australienne dans les galeries d’art d’Australie. Et dans ma maîtrise de conservation d’art, j’ai fait ma thèse sur, encore une fois, l’identité nationale et j’ai toujours su que je voulais me concentrer sur l’australianité de nos collections, l’histoire australienne que les collections essaient d’émettre. Et donc, oui, quand le poste de conservateur adjoint pour l’art australien s’est présenté, c’était vraiment le bon choix pour moi. Et ce n’est pas tout, je voulais absolument travailler dans l’art historique, par opposition à l’art contemporain,  j’ai eu beaucoup de chance que ce poste se présente. C’était tout à fait dans mes cordes.

Elle a été fait pour vous! Cela nous mène tout naturellement à l’exposition She-oak and sunlight. Elle présente plus de deux cent cinquante œuvres d’art provenant de grandes collections publiques et privées, dont celle de la NGV. Combien d’années faut-il pour monter une telle exposition?

Cette exposition était en préparation lorsque j’ai pris mes fonctions, il y a deux ans et demi. Mais c’est lorsque j’ai commencé qu’elle a vraiment pris de l’ampleur. J’y ai donc travaillé sans relâche pendant deux ans avant le début de l’exposition. Et je pense que pendant environ un an avant cela, il y avait des conversations qui se produisaient. Donc, ca prend environ trois ans pour ces grandes expositions à se mettre en place.

 

Et en ce qui concerne les œuvres d’art qui ont été empruntées à des collections privées pour l’exposition She-oak and sunlight, s’agissait-il de collections privées uniquement australiennes ou d’œuvres impressionnistes australiennes conservées à l’étranger?

Il y a des œuvres impressionnistes australiennes à l’étranger, mais aucune dans l’exposition. Elles sont toutes basées en Australie, ce qui est une grande chance au final avec la COVID. Il a fallu environ un an pour essayer de savoir où se trouvaient toutes ces œuvres dans le pays. Il faut procéder pièce par pièce et consulter les dossiers d’exposition et les catalogues de vente aux enchères.

 

L’exposition présente des œuvres d’un grand nombre d’impressionnistes australiens, certains dont nous avons évidemment entendu parler, comme Tom Roberts, Arthur Street et Charles Conder, John Russell, mais aussi des artistes moins connus. Les impressionnistes australiens formaient-ils un groupe qui se réunissait comme les impressionnistes français?

Ils l’étaient certainement. Ils avaient tous leurs relations clés. Mais l’un des fils conducteurs de cette exposition est d’interroger cela et d’y jeter un coup d’œil. La conservatrice, Anne Gray, est très intéressée par ces relations, et elle parle toujours du fait qu’aucun des impressionnistes ne se trouvait au même endroit au même moment. Ainsi, ils étaient peut-être trois d’entre eux qui travaillaient à Heidelberg, Tom Roberts partait pour Sydney, où il rencontrait Conder et était présenté à Julian Ashton. Ces trois-là ont travaillé ensemble pendant un certain temps.

 

Et pendant ce temps, E. Phillips Fox est à Box Hill et travaille avec Jane Sutherland et d’autres, puis l’école d’art de Charterisville voit le jour. Donc, ils se connaissaient tous, mais en fait, ils n’étaient jamais tous ensemble au même moment. Beaucoup d’entre eux sont partis en Europe à un moment donné de leur carrière. Un autre moment où des relations se sont formées et rencontrées, beaucoup d’entre eux à l’école d’art, à l’école de la National Gallery à Victoria. Nous avons donc vraiment essayé d’établir ces relations personnelles et de dresser une sorte de carte de leurs amitiés dans l’exposition.

 

Vous avez mentionné qu’ils ont voyagé, certains d’entre eux ont voyagé en Europe. Était-ce pendant la période impressionniste? C’est là qu’ils ont, je suppose, eu vent du mouvement impressionniste?

Oui. Donc Roberts a été la première personne à se rendre en Europe et il y est resté cinq ou six ans. Et il est revenu en 1885. C’est donc au cours de cette demi-décennie qu’il a été initié aux principes du travail en plein air et des croquis rapides qui ont eu lieu pendant la phase impressionniste européenne.

 

Et c’est lors d’un voyage à l’Alhambra en Espagne qu’il a rencontré quelques artistes espagnols, dont Ramón Casas. Casas a fait ce portrait rapide de Robert assis à l’extérieur de l’Alhambra. Et c’était en quelque sorte le premier point de rencontre, je suppose, entre Roberts et le mouvement impressionniste. Il a été époustouflé que ce portrait ait été réalisé en une seule séance dehors. Et donc, lorsque Roberts est rentré en Australie, il a ramené ces techniques et ces principes et les a enseignés à ses amis, et c’est ainsi que le mouvement est né ici.

 

A partir de là, beaucoup d’impressionnistes australiennes ont séjourné en Europe. Iso Rae, par exemple, a passé du temps en France, tout comme Florence Fuller, May Vale et Violet Teague.

 

Nous voyons ces influences européennes entrer et sortir de toute la trajectoire du mouvement. C’est un peu plus tard qu’ils ont découvert Whistler, qui a évidemment eu un impact énorme sur le mouvement ici. Et John Russell, bien sûr, a été là-bas pendant si longtemps. Ainsi, dans l’exposition, ce contexte international est si important pour prolonger le récit du mouvement en Australie. Ainsi, nous avons une salle d’influence française dans l’exposition où nous voyons beaucoup de ces influences prendre place.

 

Ainsi, à She-oak and sunlight, il y a une salle d’influence française et il y a aussi l’exploration des relations clés entre les différents impressionnistes australiens. Ce sont toutes des salles à thème de l’exposition?

C’est une exposition thématique et vaguement chronologique. Nous commençons par les précurseurs, nous avons donc quelques oeuvres par Buvelot, pour montrer comment était l’Australie auparavant. Ensuite, nous passons à la section des portraits, où nous avons un grand nombre de portraits des impressionnistes australiens et par les impressionnistes australiens. La plupart des artistes de l’exposition sont sur ce mur. C’est une sorte d’introduction aux personnages de l’exposition.

 

 

Oui, c’est très agréable de voir le visage des personnes qui se cachent derrière les tableaux.

Parce que les amitiés et les relations sont si importantes pour le conservateur. C’était vraiment bien de commencer l’exposition de cette façon. Cette salle s’appelle Amis et rivaux. Ensuite, nous traversons les camps, nous avons Box Hill et Darebin Creek et Mentone et ainsi de suite.

 

Puis nous avons une toute petite salle, qui est une sorte de recréation thématique de l’exposition Nine by Five de 1889, qui était évidemment une exposition pivot qui s’est tenue sur Collins Street à Melbourne. L’une des autres salles thématiques de l’exposition est la salle de l’école d’art de Charterisville, qui était une école située sur l’Ivanhoe au début du siècle, et qui était dirigée par E. Philips Fox et David Davies. Nous avons donc des œuvres fantastiques qui ont été créées dans cette école.

 

Nous avons également une petite salle consacrée à Whistler et à ses influences. Et puis la salle d’influence de l’impressionnisme français. Nous avons beaucoup d’artistes, des artistes australiens qui sont allés en France, mais aussi beaucoup d’artistes français, et nous avons donc une toile de Monet et une de Sisley dans cet espace.

 

Puis l’exposition se termine dans une autre salle thématique qui comporte deux thèmes qui se côtoient. Tout d’abord, la majeure partie de la salle est consacrée aux récits australiens, avec ces peintures iconographiques à grand spectacle que sont Shearing the Rams, The Pioneer, A break away – toutes ces œuvres créées à l’époque pour évoquer la construction d’un sentiment d’identité nationale qui était extrêmement important au sein de la société non indigène australienne de l’époque. Mais à côté de ces peintures, nous avons placé cinq œuvres sur papier de l’artiste wurundjeri William Barak, qui travaillait à la même époque dans le Victoria. L’objectif est de rappeler à notre public que, même si les artistes non indigènes s’efforçaient de créer un sentiment d’identité nationale dans ces peintures, il existait bel et bien une identité nationale très importante, déjà établie depuis plus de 60 000 ans à cette époque.

 

Et aussi ces impressionnistes australiens sont si souvent liés à ce que cela ressemble d’être australien, comme le tondeur de moutons, par exemple, et les récits de pionniers. Et donc, encore une fois, c’est juste un rappel pour le public que ce n’est qu’un aspect de ce à quoi ressemble l’identité nationale australienne.

 

Et c’est important aussi, quelque chose qui peut souvent être oublié dans certaines expositions. Quelle est votre oeuvre préférée dans l’exposition She-oak and sunlight?

Mes oeuvres préférées de l’exposition seraient sans aucun doute une œuvre de la salle française. Il y a des œuvres divines dans cet espace et probablement Hayfields, Giverny, France (les Champs de foin de Giverny) de Charles Conder. C’est un tableau merveilleuse. J’adore la palette. J’aime la sensation. J’aime tout ce qui s’y trouve. Il y a aussi Young girl, Étaples, d’Iso Rae, qui est une acquisition récente de la NGV en 2020. C’est une nouvelle addition très excitante à notre collection. C’est fantastique. Pour avoir sa propre exposition dans cette pièce. Donc probablement ces deux œuvres.

 

En quoi les peintures présentées dans l’exposition She-oak and sunlight sont-elles différentes des peintures impressionnistes françaises?

C’est amusant parce que beaucoup de peintures impressionnistes australiennes ne sont pas techniquement des œuvres impressionnistes. Je veux dire, Shearing the Rams- ce n’est pas une peinture impressionniste, même si elle a été réalisée par Tom Roberts au cours des mêmes décennies, vous savez.

 

Ce qu’elles ont en commun, c’est de dépeindre un sens de la vie qui se déroulait à ce moment-là de l’histoire, et donc les œuvres françaises étaient à l’extérieur et capturaient cette merveilleuse société bourgeoise, les gens se promenant, les places de marché, un mode de vie charmant. Et ici, nous avions une atmosphère tellement différente et des vies tellement différentes pour les gens qui vivaient en Australie à cette époque. Ainsi, même si les deux types d’impressionnisme se situent à l’extérieur et capturent le paysage dans ces gestes rapides et picturaux, il existe de nombreuses similitudes en ce qui concerne l’aspect physique des œuvres, mais les thèmes capturés sont complètement différents.

 

Nous avons McCubbin dans une brousse dense au moment même où Monet peint les falaises de Belle Ile. Je pense donc que les principales différences résident dans les thèmes, les choses, même s’ils visaient des objectifs similaires.

 

 

Vous avez mentionné que le tondeur n’est pas techniquement une œuvre impressionniste. Est-ce parce qu’elle n’est pas dans le style ou simplement parce que le sujet n’est pas typique des œuvres impressionnistes?

Eh bien, quand on pense à l’impressionnisme, on pense à la capture d’une impression du moment, n’est-ce pas Vraiment, il y a une sorte de sens naturaliste dans des œuvres comme The Pioneer et Shearing the Rams, ce ne sont pas des impressions qu’ils capturent – je suppose que leur style n’est pas ce à quoi nous pensons quand nous pensons à l’impressionnisme, mais nous les avons mis dans l’exposition parce qu’ils sont une partie incroyablement importante de l’histoire de ces artistes. Et ils sont tellement aimés.

 

 

Ils sont donc essentiellement inclus dans le cadre de la complétude de l’histoire de l’artiste plutôt que comme des œuvres impressionnistes.

Ils complètent l’image, n’est-ce pas?

 

L’utilisation du coup de pinceau ou de la couleur est-elle la même dans les œuvres australiennes que dans les œuvres françaises?

Il y a certainement des similitudes dans l’exécution des œuvres. Et je pense que nous le voyons probablement plus pour les artistes qui sont allés à l’étranger. Ainsi, des gens comme Ethel Carrick, qui a travaillé à la fois en Australie et en Europe, ont un coup de pinceau et une palette extrêmement similaires à ceux de John Russell et de Monet, par exemple. Je pense que c’est difficile parce que les artistes sont si différents les uns des autres, vraiment.

 

Dans l’histoire de l’impressionnisme australien, les premières œuvres impressionnistes de Frederick McCubbins sont si différentes de celles de Charles Conder. Je ne m’appuierais donc probablement pas sur leur exécution comme étant ce qui les relie. Je pense que c’est l’intention de capturer un moment. Je pense que c’est un peu comme si nous revenions à cette cour dans l’exposition catalogue 9 by 5 qui dit qu’un effet n’est que momentané et qu’un impressionniste doit trouver sa place. Et je pense que cela capture vraiment l’intention de ces artistes de capturer le moment, même s’ils l’ont fait de manière très, très différente.

 

Oui, donc ils ont des styles très différents, même s’ils faisaient tous cela. Les thèmes sont similaires dans la mesure où il s’agit de capturer un moment, même si les styles qu’ils utilisent pour capturer le thème sont différents. Exactement.

Ils viennent tous du même point de formation académique. Et le conservatisme artistique est antérieur à l’époque impressionniste en Australie. Nous pensons qu’il suffit d’aller dans le paysage avec une palette et de faire une peinture en un jour, ce qui ne nous semble pas aussi révolutionnaire qu’à eux, mais c’est vraiment comme s’ils s’éloignaient d’une période aussi conservatrice. Je pense que le directeur de l’école de la National Gallery a dit que quiconque peint à l’extérieur est un imbécile. Et c’était la chose contre laquelle ils essayaient de se rebeller d’une certaine manière. Donc, c’est vraiment lié à ce qu’ils essayaient d’accomplir plutôt qu’à la manière dont ils l’ont accompli, je pense.

 

Étant donné qu’ils se battaient également contre l’opinion conservatrice, ont-ils rencontré autant de critiques que les impressionnistes français avec certains, vous savez, les critiques n’aimaient pas du tout leurs œuvres. C’était absolu. C’était presque révolutionnaire et ils n’arrivaient pas à le comprendre, à s’y retrouver. Pourquoi vouloir utiliser la couleur de cette façon? Pourquoi vouloir peindre ces choses?

Définitivement. Ainsi, pour l’exposition 9 to 5 en 1889, il y a eu des critiques tellement détestables que les artistes ont collé les critiques sur la porte de l’exposition parce qu’ils étaient si fiers de la controverse que leur art suscitait. Oui, les gens ne pouvaient pas le comprendre. Les gens ne pouvaient pas le comprendre.

 

Les femmes étaient sujettes à beaucoup plus d’attention négative de la part des médias avec leurs oeuvres. Même si les artistes masculins étaient critiqués de manière sévère. Je pense que les femmes l’étaient encore plus quand elles produisaient des sortes de peintures « inachevées ». Oui, c’était très controversé.

 

 

Et quand les gens ont-ils commencé à apprécier les peintures impressionnistes australiennes?

C’est une très bonne question. Je pense qu’ils l’ont fait à l’époque, la plupart de ces artistes ont fini par avoir des carrières artistiques très réussies. Tom Roberts a été chargé de peindre le tableau The Bigger Picture, le tableau commémoratif de l’ouverture du Parlement australien. C’était une énorme commande. Il a dû se rendre à Londres pour la réaliser. Je veux dire, ils étaient des artistes à succès dans leur propre droit, mais je pense simplement que ça a pris du temps.

 

Je vous ai demandé quelle était votre pièce préférée et vous avez évoqué des pièces que vous ne pouviez pas ne pas inclure dans l’exposition, comme le tondeur. Quels sont, selon vous, les points forts de l’exposition She-oak and sunlight?

Je pense que les points forts sont les moments discrets où nous avons des œuvres et des petites sections qui n’ont pas été exposées avec les impressionnistes auparavant. Nous avons en quelque sorte essayé de prolonger le récit de toutes les manières possibles.

 

Nous avons un joli mur d’échantillons de bois de May Vale, une autre artiste qui est allée en Europe et qui a été fortement influencée par Whistler un peu plus tard au début du siècle. Mais alors qu’elle étudiait à la National Gallery School de Melbourne, on lui a demandé d’illustrer des panneaux de bois pour un botaniste qui travaillait à Melbourne à l’époque. Et elle les a illustrés avec les fleurs de l’eucalyptus du bois sur lequel elle peignait. Il ne s’agit donc pas du tout d’œuvres impressionnistes, mais nous les avons incluses pour élargir le récit de ces artistes, et ce sont de si belles choses en soi.

 

 

Nous avons donc de très beaux moments comme celui-là juste à côté des échantillons de bois de May Vale. Nous avons aussi deux cadres d’Elizabeth Williamson. C’était une créatrice de cadres très prolifique à l’époque, qui a conçu et fabriqué de nombreux cadres pour les impressionnistes. Elle a fini par épouser Tom Roberts. Ses dessins de cadres ne sont jamais exposés avec les impressionnistes. Mais encore, c’est une partie très intéressante de l’histoire.

 

Quelque chose auquel on ne pense pas.

Oui, c’est un point intéressant. Donc, je pense que les points forts sont ces sortes de surprises discrètes dans l’exposition.

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Nous remercions Sophie Gerhard pour le temps qu’elle nous a accordé et nous avons hâte de voir l’exposition She-oak and sunlight: Australian impressionism avant sa fermeture le mois prochain.

INFO-CLÉS

QUOI : L’exposition She-oak and sunlight: Australian impressionism

OÙ : Le Centre Ian Potter : NGV Australie, Federation Square, rez-de-chaussée, Melbourne

QUAND : jusqu’au 22 août 2021

COMMENT : Achetez vos billets via le site web de la NGV https://www.ngv.vic.gov.au/exhibition/she-oak-and-sunlight/

COMBIEN : Les prix des billets pour She-Oak et sunlight sont les suivants:

• Adulte 26 $
• Carte concession 24 $
• Enfant (5-15 ans) 8 $
• Famille (2 adultes, 3 enfants) 55 $

Les billets sont à prix réduit pour les membres de NGV.

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