Le clown américain Spencer Novich revient en Australie, cette fois-ci avec un spectacle solo intitulé Chatter, qui vous emmène dans un « voyage absurde et hyper-physique au plus profond de son psychisme ». Ce spectacle s’annonce très différent des personnages qu’il a incarnés dans Blanc de Blanc et son spectacle Encore de Strut & Fret. Nous discutons avec Novich, qui, dans le spectacle, se débat dans un voyage sérieusement comique et tortueux, avec le critique intérieur que la plupart d’entre nous ne connaissent que trop bien. Dans cette interview, Spencer Novich nous parle du métier de clown, de son travail au Cirque du Soleil, de son prix remporté lors d’un concours de cirque français et, bien sûr, de son spectacle Chatter, qui fait ses débuts en Australie au Brisbane Festival 2025 ce mois-ci.
Au moment où nous discutons aujourd’hui, vous êtes à Houston. Êtes-vous originaire de là-bas ?
Non. Mon frère vit ici avec mes nièces. Il a fait ses études ici. Je suis né à Boston, puis j’ai un peu voyagé, mais je suis resté principalement sur la côte Est. Je ne suis pas vraiment texan, mon frère non plus. Il vit dans une région très libérale mais c’est l’une des rares. Je trouve ça assez étrange, je trouve que c’est très vite un endroit très étrange, comme très américain dans le mauvais sens du terme.
Je vais commencer par une question très évidente : qu’est-ce qui vous a décidé à devenir clown ?
Qu’est-ce qui m’a poussé à devenir clown ? J’ai commencé à faire du cirque pour les jeunes. Mes parents m’envoyaient chaque été dans un camp rural du Vermont appelé Circus Smirkus.
Je ne sais pas pourquoi, mais j’en ai entendu parler.
Vraiment ? Beaucoup de gens l’ont fait. Même actuellement, chez West End Electric, il y a un gars de Circus Smirkus. Il y en a quelques-uns sur les croisières Strut & Fret en ce moment. Si vous êtes un artiste de cirque américain, beaucoup d’entre eux sont passés par là ou y sont allés. J’ai donc commencé à faire ça. Mais je n’ai jamais voulu être clown. Je voulais faire tout sauf du clown, en fait…
Était-ce une erreur de vous appeler clown ? Vous définissez-vous comme un clown ?
Oui et non, et je pense que c’est un mot qui dérange beaucoup de gens. Quand j’étais enfant, j’ai toujours voulu faire des acrobaties aériennes parce que je trouvais que c’était la chose la plus impressionnante. Mais bon, je suis un petit bonhomme maigrichon, et je le suis toujours, et ce n’était pas naturel pour moi. Et donc, j’ai donc essayé toutes les disciplines dans le cirque pour jeunes jusqu’à ce que je découvre le clown. Les gens me disaient : « Oh, tu devrais faire ça. C’est ce pour quoi tu es doué ». Et puis, oui, je suis en quelque sorte tombé amoureux de ça. C’est là que se retrouvent tous les marginaux, et je me classe dans cette catégorie. Je suis en quelque sorte tombé amoureux de ça, je pense, après avoir été rejeté par tout le reste. C’est comme ça que je me suis lancé. Puis je suis allé à l’école de théâtre, où j’ai commencé à étudier avec d’autres professeurs de clown. C’est en quelque sorte comme ça que tout a commencé.
Quand vous étiez adolescent et que vous avez découvert le clown, saviez-vous que vous vouliez travailler dans les arts du spectacle ?
Je pense que j’ai toujours su que je voulais faire du théâtre, et j’avais une passion très profonde pour le Cirque du Soleil. J’adorais regarder le Cirque du Soleil quand j’étais enfant. J’adorais regarder John Gilkey, qui n’était pas vraiment considéré comme un clown, mais plutôt comme l’un de ces personnages excentriques qui entraînent les gens dans le voyage du spectacle. C’est là que résidait ma passion, puis je suis allé à l’école de théâtre, et une fois que j’y suis allé, je me suis dit : « Oui, c’est ce que je veux faire ». Je pense aussi que c’est une tendance récurrente dans ma vie, car je ne suis vraiment bon à rien d’autre. Je ne sais pas ce que je ferais si je ne faisais pas cela. J’y pense assez souvent, en fait.
Je suis sûr que ce n’est pas vrai !
En fait, c’est très gentil de votre part, mais je ne sais vraiment pas ce que je ferais si je ne travaillais pas dans le monde du spectacle.
Votre famille est-elle dans les arts de spectacle ?
Non. Mon père a étudié au MIT (Massachusetts Institute of Technology), une université technique ici. Donc, c’est tout le contraire. Et ma mère est illustratrice, elle travaille donc dans les arts visuels.
Elle est créative.
Tout à fait. Ils ne sont pas vraiment des gens de scène, même s’ils adorent le théâtre. Je me souviens avoir vu beaucoup de comédies musicales quand j’étais enfant. Ma sœur travaille dans les jeux vidéo et mon frère travaille dans des start-ups technologiques, donc nous sommes tous dans des domaines très différents.
Vous avez tous été envoyés au Circus Smirkus ?
Non, c’était juste moi. Oui, je dois leur demander pourquoi.
Ha ! Peut-être qu’ils voulaient juste se débarrasser de toi pendant les vacances.
Exactement. Ils ont essayé de se débarrasser de moi pendant un été. Ils m’ont dit : « On pense que ça pourrait te plaire. »
Et regarde ce qu’ils ont fait : ils ont créé un clown !
Exactement, et étonnamment, je pense qu’ils adorent ça. L’une de mes histoires préférées, c’est quand je suis revenu du camp de cirque et que je voulais acheter des torches de jonglage. Et mon père m’a dit : « Il n’en est pas question, je ne te laisserai pas acheter ça. » Je lui ai demandé : « Et les couteaux, alors ? » Il m’a répondu : « D’accord, tu peux acheter les couteaux, mais je ne veux pas te voir les utiliser. » Ensuite, chaque fois qu’il recevait des clients pour dîner, il me demandait toujours d’aller chercher les couteaux pour ses invités.
Il vous mettait en valeur. Vous auriez dû lui faire payer ses services !
Exactement. Oui, à 100 %.
Comment avez-vous décidé quel style de clown vous vouliez être ? Avez-vous eu des influences ? Vous avez mentionné John Gilkey du Cirque du Soleil tout à l’heure.
Smirkus était comme une passerelle vers Ringling, le cirque très traditionnel des frères Ringling. Avec le nez rouge, le maquillage, les grosses chaussures, ce genre de choses. C’est là que beaucoup de mes professeurs ont étudié, et même certains de mes clowns préférés sont passés par là. Je n’avais rien contre, enfin peut-être un peu, mais Ringling ne m’intéressait pas beaucoup. Cela ne me parlait pas autant que cela pouvait parler à certains des autres enfants qui le faisaient. C’était aussi un travail que beaucoup d’enfants sortant de Smirkus finissaient par faire.
Je pense que même si j’aimais le clown, je voulais aussi explorer le théâtre, le jeu d’acteur et créer mes propres œuvres. C’est donc en suivant une formation à l’université que j’ai commencé à découvrir ce qui m’intéressait dans d’autres types de clowns et autres. J’étais vraiment attiré par des clowns comme Bill Irwin et David Shiner, et j’ai pu suivre des master classes avec eux. Je pense que c’est ce qui m’a le plus attiré. Ensuite, j’ai eu l’occasion d’étudier avec des professeurs de clown dans un univers plus théâtral, un peu différent de ce que l’on voit habituellement dans les spectacles. J’ai suivi une formation avec Orlando Pabatoy, un disciple du professeur de clown Chris Bayes, w
On ne voit pas souvent ce genre de travail dans le monde commercial, mais j’ai adoré son authenticité et la façon dont ces clowns étaient émotionnellement accessibles. Et ce n’est pas quelque chose qu’on m’a vraiment enseigné. Vous savez, quand j’étais enfant, on me disait souvent « oh, tu peux bouger de manière amusante et idiote », mais ensuite, j’ai vraiment compris que les enjeux étaient réels et que ce n’était pas feint, que le clown traversait vraiment ces émotions profondes, ce qui était vraiment passionnant et révélateur pour moi. C’est donc cela qui m’a attiré un peu dans ce monde, c’est certain.
Vous vivez normalement en Australie ?
Non, j’ai l’impression d’y avoir vécu et de vouloir y vivre, et je ne sais pas pourquoi je n’ai jamais demandé la résidence permanente, car j’y suis resté si longtemps.
Vous avez fait Blanc de Blanc dans toute l’Australie pendant longtemps, donc je pensais que tu vivais ici depuis longtemps.
Depuis toujours ! Probablement au cours des dix dernières années, puis la pandémie est arrivée, mais avant cela, j’étais plus souvent là-bas qu’ici, car je faisais tout Blanc de Blanc, et avant cela, je travaillais avec Scott [Maidment de Strut & Fret] sur d’autres projets. Je me demande pourquoi je n’ai pas poursuivi dans cette voie. J’aurais dû. Mais je pense que c’est difficile : j’ai un chien et on ne peut pas avoir de chien là-bas.
Donc non, j’ai surtout vécu à New York, Las Vegas et Los Angeles, et principalement à New York. À Las Vegas, s’il y a un contrat, je m’y installe à ce moment-là. Mais c’est à New York que je suis ou que j’essaie d’être.
Pour en revenir à l’Australie, vous avez travaillé avec Scott et Strut & Fret, ainsi que sur le spectacle Blanc de Blanc. Et je crois que vous avez récemment collaboré avec lui sur le nouveau spectacle Sabrage à Londres. Comment en êtes-vous venu à travailler avec Scott ?
Je travaillais sur un projet à Las Vegas, au Cosmopolitan Hotel, avec une compagnie appelée Spiegel World. Scott est venu voir le spectacle, puis il m’a contacté et m’a dit : « J’aimerais beaucoup travailler avec vous sur un nouveau projet. Seriez-vous disponible pour venir à l’Adelaide Fringe ? » À ce moment-là, j’étais sous contrat avec un autre spectacle de casino. Je lui ai donc répondu : « Oh, wow. J’adorerais faire ça. J’ai toujours rêvé d’aller en Australie et tout ce que j’ai entendu sur le Fringe semble incroyable, mais je suis sous contrat pour les prochains… » – je crois qu’il restait encore 7 ou 8 mois à ce moment-là – « mais peut-être qu’on pourrait rester en contact ? » Et il m’a répondu : « Absolument. Restons en contact. » Puis, quelques semaines plus tard, le spectacle dans lequel je jouais a fermé. Je l’ai donc rapidement rappelé et lui ai dit : « Salut, est-ce que tu as toujours une place disponible ? Je suis prêt à 100 % et j’adorerais rejoindre l’équipe. » C’est ainsi que j’ai eu ma première occasion de travailler avec Scott, dans un spectacle intitulé Fear and Delight.
Je ne l’ai jamais vu. Si je me souviens bien, c’était une expérience immersive autour d’un dîner ?
C’était un dîner-spectacle. C’était en plein air. C’était un spectacle déjanté. Je crois que ça se passait dans le parc en face du jardin. Oui. Les gens commençaient dans le jardin [The Garden of Unearthly Delights au festival Adelaide Fringe], puis ils traversaient le jardin. Ils mangeaient des huîtres et il y avait une expérience de bain à remous. Vous commandiez une boisson et, avec cette boisson, vous étiez emmené dans une sorte de bain à remous secret à l’arrière, où vous vous asseyiez dans un bain à remous.
Complètement ridicule !
Oui, c’était complètement ridicule et incroyable. Je pense que c’est ce que j’aime tant dans mon travail avec Scott. Je n’ai jamais travaillé avec un metteur en scène et producteur qui prenne autant de risques et repousse autant les limites que lui. Je pense que c’est ce qui est si excitant, et la raison pour laquelle j’aime collaborer avec lui, c’est que je sais que je ne lui présenterai jamais une idée qu’il trouvera trop folle. Il trouvera un moyen de la concrétiser, ce qui est très excitant pour un artiste, c’est la chose la plus excitante que quelqu’un puisse vous offrir, c’est de vous dire : « Hé, oui, faisons ça. C’est fou. Faisons ça. » Je travaille avec lui depuis 2015, je crois.
Une décennie, wow.
Une décennie, oui. Et sur beaucoup de spectacles, et dans beaucoup d’endroits différents. J’ai l’impression qu’ils font quelque chose de vraiment spécial. Il est tellement doué pour créer un monde dans lequel les gens peuvent s’évader. On fait vraiment partie de l’action, en quelque sorte. Je ressens cela dans beaucoup d’œuvres, par exemple, le Cirque du Soleil crée ces spectacles grandioses, mais souvent, on a l’impression qu’il y a un petit fossé entre le monde et soi. C’est simplement la nature, la conception du spectacle et ce qu’ils font. Mais avec Scott, le public fait en quelque sorte partie de la distribution. C’est donc un environnement vraiment très agréable.
En parlant du Cirque du Soleil, vous avez eu l’occasion de travailler avec eux. Qu’avez-vous fait exactement ?
J’ai participé à un spectacle intitulé Kà à Las Vegas. C’était mon premier emploi, et ce fut une expérience incroyable. C’était un spectacle grandiose. Quand j’ai passé l’audition pour le Cirque, elle a duré deux jours. Je crois que chaque journée durait de 9 h à 17 h. C’était comme une série de sélections successives. C’était vraiment intense. Tout ce que j’ai fait pendant les auditions, c’était de la comédie. Mais le dernier jour, le dernier exercice que j’ai fait était très dramatique. C’est finalement grâce à cela que j’ai été sélectionné pour Kà, car le personnage n’était pas un personnage comique. C’était en quelque sorte le méchant du spectacle. Je n’ai pas fait beaucoup de comédie dans ce spectacle, mais j’ai fait beaucoup de travail sur câbles, ce qui était très excitant.
Je me souviens que j’étais chez moi avec mes parents quand j’ai reçu l’offre, et au téléphone, la personne qui m’a proposé le rôle m’a dit : « Oh, juste pour être sûr, est-ce que tu as le vertige ou est-ce que tu as peur des hauteurs ? » J’ai alors raccroché le téléphone et j’ai crié à mes parents : « Est-ce que j’ai le vertige ? » Ils m’ont répondu que non. Je me suis alors dit : « Non, non, non, ça va ». Mon premier grand travail a donc été avec eux. Et c’était un travail de fou. Je pense que la leçon à retenir de cette expérience est la suivante : comment faire pour qu’une série que vous tournez 476 fois par an reste toujours aussi intéressante ?
Exactement. Comment ne pas s’ennuyer ?
Oui, exactement. Ces scènes sont immenses. Et même quand on se trouve sur une scène aussi immense, il faut trouver le moyen de rester frais et vivant quand on donne autant de spectacles. C’était en quelque sorte mon premier emploi dans le cirque. Et c’est ce qui m’a lancé dans ce monde.
Quel premier emploi incroyable !
Je sais ! Je me sens tellement chanceux. C’était une opportunité incroyable. Et c’était mon rêve depuis si longtemps de travailler dans cet environnement.
Je vois également que vous avez remporté la médaille de bronze et le prix Moulin Rouge au Festival Mondial du Cirque de Demain à Paris. Qu’avez-vous présenté ? Comment avez-vous découvert ce concours et que signifie cette reconnaissance pour vous ? Toutes ces choses !
Toutes ces choses. Je peux en parler un peu. Et puis j’ai une petite anecdote amusante à raconter sur mon français qui est vraiment terrible. J’ai donc présenté une variante de mon numéro d’effets sonores, dans lequel je produis des centaines de sons et je fais une sorte de synchronisation labiale avec mon corps. J’ai créé une version de ce numéro pour Blanc, ainsi que pour beaucoup d’autres spectacles auxquels je participe.
J’ai découvert le festival de Paris parce que je pense qu’il a toujours été dans mon radar grâce au Circus Smirkus. Beaucoup de gens du Circus Smirkus ont fini par aller à l’ENC, une école de cirque à Montréal. Quand on va à l’ENC, on a vraiment envie de participer au festival de Paris, car c’est un événement de recrutement vraiment énorme. C’est aussi le Festival du cirque de demain, donc les gens présentent des nouveautés et ce festival est toujours à la recherche de nouveautés. J’en avais toujours entendu parler de manière indirecte, et j’avais quelques amis qui y avaient participé. J’ai commencé à créer une version de mon numéro d’effets sonores. J’ai postulé plusieurs fois, mais je n’ai pas été accepté. Puis, j’ai participé au cabaret du Cirque du Soleil pendant un an, ce qui m’a permis d’avoir une superbe vidéo de mon numéro sur la scène du Cirque. Je l’ai envoyée et j’ai été accepté. J’ai dû demander un congé pour y aller. Je suis donc allé voir ma directrice artistique à Kà et je lui ai dit : « J’ai été invité à participer à un événement qui s’appelle Cirque de de-men ». Mon français est tellement mauvais. C’est tellement embarrassant. Mais j’ai dit Cirque de de-men. Ça fait un peu québécois !
Un peu, peut-être.
Je suis donc partie et j’ai participé à tout le festival, puis j’ai remporté ces prix, je suis revenue et j’ai dit : « Merci beaucoup de m’avoir accordé ce congé. » Et elle m’a répondu : « Oh, comment s’est passé le programme de bénévolat ? » Oh, et j’ai dit : « Quoi ? » Et elle a dit : « Cirque du Monde. Comment s’est passé le programme de bénévolat ? » À l’époque, le Cirque du Soleil avait un programme de bénévolat appelé Cirque du Monde.
Du monde au lieu de demain. Ah !
Elle pensait que je demandais un congé pour participer à un programme de bénévolat parrainé par le Cirque du Soleil, alors qu’en réalité, je demandais un congé pour participer à un important festival de repérage ! C’est donc grâce à mon très mauvais français que j’ai finalement obtenu l’autorisation d’y aller. Ce fut une expérience incroyable. J’ai l’impression que souvent, avec ces festivals, on ne sait jamais vraiment si on est prêt à participer jusqu’à qu’on participe. Et je dirais que je n’étais pas prêt à le faire, mais c’était très excitant. Je pense que je me sentais un peu comme un outsider parce qu’une fois sur place, j’ai pu ressentir l’ambiance de la compétition d’une manière que je ignorais complètement.
C’était très convivial, mais on sentait à quel point c’était important pour la carrière de chacun, d’une manière dont je n’avais pas vraiment conscience. Je pense que tout le monde est arrivé avec des costumes extraordinaires, des éclairages incroyables et tout le reste. Je suis arrivé avec un CD et un maillot de corps. Je suis vraiment arrivé en disant : « Voici mon mp3 et je vais faire cette chose bizarre. »
Le numéro a beaucoup évolué au fil du temps, en particulier dans Blanc. L’éclairage est devenu une partie tellement importante de mon numéro qu’il aurait été vraiment bien d’avoir un concepteur à l’époque. Mais honnêtement, je n’étais vraiment pas préparé pour ça, et pourtant, ça a très bien marché. C’est bizarre de participer à un concours de cirque où chaque discipline est complètement différente ! Je suis en compétition avec ces incroyables jongleurs chinois qui jonglent avec cinq balles en rebond, tandis que l’un d’eux est debout sur la tête de l’autre, et moi, je fais un peu de synchronisation labiale. C’est très étrange de faire ça.
L’expérience a été incroyable. Elle m’a ouvert beaucoup de portes. Alors qu’avec le Cirque du Soleil, j’arrivais et je faisais le travail de quelqu’un d’autre. Je venais essentiellement en tant qu’acteur, et au festival de Paris, ils m’ont donné un espace pour vraiment partager mon travail. C’était une opportunité vraiment incroyable de pouvoir partager ce que je faisais. Ce fut une expérience incroyable. J’aimerais beaucoup y retourner un jour pour la revivre.
La comédie physique, qui caractérise une grande partie du travail des clowns, transcende manifestement les barrières linguistiques. Comment vous assurez-vous que votre humour touche le public lorsque vous vous produisez dans des pays non anglophones, ou même dans des pays anglophones lorsque votre numéro est purement physique et que vous ne parlez pas ?
C’est une excellente question. C’est très intéressant, car lorsque je travaille sur les effets sonores, j’essaie de m’adapter autant que possible. Une grande partie de mon travail repose sur la compréhension du public auquel je m’adresse. Et c’est vraiment difficile lorsque vous venez d’arriver pour un contrat et que vous n’avez pas eu le temps de vous préparer. L’un de mes anciens professeurs de clown, Jef Johnson, voyageait avec le spectacle Slava’s Snow Show. Il parlait toujours de la façon dont le rythme dictait le rire dans chaque pays. Ainsi, lorsqu’il arrivait dans un nouveau pays, il se promenait simplement et ressentait le rythme des réactions de chacun. Comme la différence entre New York et l’Espagne par rapport au Japon. Comment ce rythme interne était lié à la comédie qu’il jouait sur scène.
Je pense qu’il y a vraiment du vrai là-dedans. Je vais devoir adapter très précisément le numéro des effets sonores lorsque je me rendrai dans différents endroits. Même entre Las Vegas, Londres et Sydney, les références changent énormément. J’ai toujours l’impression qu’il vaut mieux s’adapter à la ville dans laquelle on se trouve plutôt que de jouer dans un sens large. Mais beaucoup de choses peuvent aussi fonctionner dans un sens large. Ainsi, quand je suis allé aux Pays-Bas, j’ai demandé à mes amis néerlandais : « Est-ce que c’est drôle ici ? Est-ce que ça va marcher ici ? Est-ce que c’est trop grossier ? Est-ce que ce n’est pas assez grossier ? »
Je me suis beaucoup habitué au public australien. Le public australien est mon préféré, et je ne dis pas ça pour faire plaisir. Le public australien est vraiment prêt à s’impliquer avec l’artiste d’une manière qui me semble parfois un peu plus difficile à trouver ailleurs. En Australie, on peut vraiment repousser les limites d’une manière qui, je pense, n’est pas vraiment possible dans d’autres pays.
Mais oui, j’essaie simplement d’être aussi adaptable que possible. Et si quelque chose ne fonctionne pas, je ne m’y attarde pas, je le change. C’est la clé pour moi. Mais beaucoup de choses sont universelles. Par exemple, c’est amusant de voir des transformations et des gens se changer en différents animaux. Il y a quelque chose d’universel là-dedans, c’est certain.
Passons maintenant à la raison pour laquelle nous discutons aujourd’hui : comment décririez-vous le spectacle Chatter ?
Nous avons passé beaucoup de temps à parler de mon humour. Il y a de l’humour dans ce spectacle. Il fait appel à tout ce qui m’intéresse en tant qu’artiste. Et l’humour en fait partie. C’est un spectacle très personnel pour moi. Il traite des choix que nous faisons lorsque nous avons l’impression de ne pas avoir le pouvoir d’en faire. Elle est en quelque sorte racontée à travers mon regard de comédien physique qui a été diagnostiqué avec une maladie auto-immune. Et quand j’ai reçu ce diagnostic, cette question dont je vous parlais, à savoir « que puis-je faire d’autre si je ne peux plus faire cela ? Et que vais-je faire ? », est vraiment devenue primordiale, car je me suis soudainement retrouvé dans une situation où je ne pouvais plus physiquement faire la seule chose qui me permettait de gagner ma vie. Et au-delà de gagner ma vie, c’était ma passion. Ce n’est donc pas strictement de la comédie, mais il y a de la comédie dedans. Même cela semble plus sérieux que ça ne l’est.
En lisant la description du spectacle sur le site web du Brisbane Festival, je me suis demandé si Chatter allait me rendre anxieux en le voyant. Un spectacle sur un clown anxieux pourrait potentiellement me rendre anxieux aussi.
C’est possible. Je pense que c’est là toute la beauté. Les choses que j’ai préférées parmi celles que j’ai vues m’ont donné l’impression d’être dans des montagnes russes. Je veux rire. Je veux vraiment rire de bon cœur. Et je veux aussi me sentir triste, et je veux ressentir un peu de peur et un peu d’anxiété. J’espère donc que lorsque les gens viendront voir ce spectacle, ils vivront en quelque sorte cette expérience. C’est mon espoir. Parce que je fais ce voyage tous les soirs. C’est sérieux, c’est comique. Il y a beaucoup de choses là-dedans.
Je pense que c’est parce que cela reflète ce qu’a été ma vie et aussi ce que ressentent beaucoup de gens qui se trouvent parfois à un tournant de leur vie où ils doivent prendre une décision, ou qui pensent qu’ils ne peuvent pas continuer quelque chose. Ou peut-être qu’ils le peuvent, ou peut-être qu’ils ne le veulent plus et qu’ils ne le savent tout simplement pas encore. Mais c’est un peu le titre, avec cette voix, ce bavardage que nous entendons. Comment négocier avec cette voix lorsqu’elle essaie de nous protéger ? Peut-être nous protège-t-elle par peur, ou peut-être nous protège-t-elle parce qu’il se passe quelque chose de vraiment grave. C’est le sujet du spectacle.
Puis-je vous demander quelle est cette maladie auto-immune ? En raison de la référence aux lavements de 8 heures dans le résumé, je me demandais s’il s’agissait de la maladie de Crohn.
Il s’agit de colite ulcéreuse, c’est donc en quelque sorte un sous-ensemble. C’est très intéressant. Vous savez, quelqu’un est venu voir une version de ce spectacle lorsque je l’ai joué à New York il y a près d’un an, après la représentation. Je me demande toujours « est-ce que je veux continuer à jouer ce spectacle ? » À tout moment. C’est comme ça que je suis en général. « Est-ce que tu veux faire ce spectacle ? » Pour tout, j’essaie toujours de me demander « pourquoi je fais ça ? Est-ce que je veux continuer à faire ça ? » Je me le dis pour tout. C’est peut-être ma façon à moi de faire le point avec moi-même. Et à un moment donné, je me demande « est-ce que je veux faire ce spectacle ? » Et en faisant ce spectacle à New York, je me suis demandé : « Est-ce que je veux continuer ? » Je vais voir comment ça se passe et on verra bien.
Je parle de médicaments dans le spectacle, j’y fais allusion. Je ne dis jamais vraiment de quoi il s’agit, mais quelqu’un est venu me voir après et m’a montré exactement les mêmes médicaments que je prenais. Cette personne a été émue de partager cela, car quand on traverse ce genre d’épreuve, c’est une expérience forte.
Le spectacle a-t-il été conçu lorsque vous avez reçu le diagnostic et que vous avez traversé toutes ces pensées, ces sentiments et ces craintes quant à ce que l’avenir pourrait vous réserver ? Est-ce à ce moment-là que vous avez décidé de créer le spectacle ?
Non, en fait. C’est une longue histoire. La décision de le faire a été prise bien après le diagnostic, d’une certaine manière. J’ai commencé à avoir des symptômes inquiétants lorsque je jouais Blanc de Blanc Encore à l’Opéra de Sydney. Je suis donc arrivée à Encore et je ne me sentais pas très bien. Puis, au fur et à mesure que Blanc de Blanc Encore avançait, mon état a commencé à s’aggraver. Tous les membres de la troupe avaient en quelque sorte des problèmes, alors nous avons tous pensé que c’était la même chose. Nous avons donc commencé à nous donner des remèdes les uns aux autres et à penser que cela devait venir de la cantine des employés, ou à dire « prends ce thé, il m’a vraiment aidé ».
Comme si tout le monde avait une gastro ou quelque chose comme ça.
Oui, comme si tout le monde avait une gastro. Mais plus tard, j’ai découvert qu’une des membres de la troupe était enceinte. Donc, je suivais les conseils de quelqu’un qui avait des nausées matinales, alors que moi, j’avais une maladie auto-immune qui se déclarait. Le thé ne m’aidait donc pas vraiment.
En gros, ça a tellement empiré que j’ai perdu beaucoup de poids et que je me suis retrouvé par terre. Je suis resté par terre dans la loge, puis je suis monté sur scène, j’ai raconté quelques blagues, je suis reparti, je me suis remis par terre. La douleur était si intense que je suis allé voir un médecin à Sydney et je lui ai dit : « Voici mes symptômes. Voilà ce que je vis. » Et il m’a répondu : « Oui, c’est peut-être un cancer » et moi qui répondais « Je dois faire un spectacle ce soir ! Je dois être le clown ce soir ! » Il y a eu beaucoup de moments comme ça, puis un vol atroce de 36 heures au pire moment de ma vie, et ensuite tout ce que j’ai dû endurer. Pendant que tout cela se passait, je ne me suis pas dit « Hé, je devrais vraiment faire un spectacle là-dessus ».
Non, je ne pensais pas. Mais on ne sait jamais.
Bien sûr. On ne sait jamais, exactement. Même si je ne m’en serais pas étonné, de me dire « Oh, mec, c’est terrible. Je dois faire un spectacle ! » Mais en gros, peu de temps après, la pandémie a éclaté et j’ai profité de cette période d’inactivité pour réfléchir. Je me suis dit que je vivais une expérience bouleversante, où, à bien des égards, j’avais l’impression d’avoir une seconde chance parce que la médecine fonctionne, et que ça pourrait ne pas être le cas, mais ça fonctionne. On se concentre vraiment sur l’essentiel. Qu’est-ce que je veux faire ? Ce qui me ramène à ce que j’ai dit tout à l’heure. Qu’est-ce que je veux faire ? Est-ce que je veux faire ça ? Ou est-ce que je ne veux pas faire ça ? Comment est-ce que je veux passer ma vie ? Comment est-ce que je veux concevoir ma vie ?
Et l’une des choses vraiment importantes pour moi était que je voulais créer un spectacle. J’ai toujours voulu créer mon spectacle, un spectacle qui me ressemble. Je ne voulais pas qu’il porte sur cette maladie. Cela n’en faisait pas partie, mais petit à petit, au fur et à mesure que je le créais, je me suis rendu compte : « Oh non, c’est de ça qu’il s’agit. » C’était juste dans un coin de ma tête. C’était aussi ces bavardages. Ils étaient toujours là, mais je ne voulais pas en parler. Les maladies comme la maladie de Crohn, les maladies auto-immunes et les MICI sont très stigmatisées. Je ne pense pas que j’étais prêt à l’époque à en parler, sous n’importe quelle forme. Puis, petit à petit, alors que je travaillais sur le premier atelier du spectacle, je me suis rendu compte que même si cela faisait partie du spectacle, je ne voulais pas que ce soit le sujet principal.
Et techniquement, ce n’est pas le sujet. Je pense que c’est un spectacle sur les choix que nous faisons lorsque nous avons l’impression de ne pas pouvoir en faire, ce qui est très pertinent. Mais encore une fois, c’est raconté à travers mon prisme. Et mon prisme a cela. Puis j’ai commencé à entrer en contact avec des gens. Mon premier contact a été mon ami Steve Toulmin, qui était en fait la conception sonore de Blanc de Blanc. À l’origine, je l’ai rencontré en travaillant sur de nombreux spectacles de Scott, et nous avons vraiment accroché. Nous avons commencé à construire des choses ensemble, car il ne se passait rien d’autre dans le monde à ce moment-là.
La personne suivante avec laquelle j’ai pris contact était mon autre ami, Lorenzo Pisani, avec qui j’avais travaillé sur le spectacle à Las Vegas. Il était l’animateur du spectacle et j’étais le petit co-animateur bizarre. Je lui ai toujours fait confiance. C’est un incroyable directeur artistique, directeur de comédie physique pour de nombreuses productions à Broadway comme Beetlejuice et Frozen, et je crois qu’il est en Australie actuellement. Il est généralement là-bas pour s’occuper de certaines installations et autres.
J’avais donc cette petite équipe de base, et nous nous amusions simplement à essayer des choses et à discuter.et garder nos cerveaux actifs alors que nous ne savions pas si le théâtre existerait encore un jour. Je pense que c’était aussi agréable, car je savais vraiment que je faisais cela pour les bonnes raisons, car je sentais que je devais raconter cette histoire, quelle qu’elle soit. Puis, avec le temps, je me suis rendu compte que c’était ça.
Je n’ai pas fui ce dont il s’agissait vraiment et je me suis en quelque sorte penché dessus. Dans la réaction des gens à l’œuvre, je peux le sentir et je pense que c’est important pour moi de créer une œuvre vraiment personnelle. Et plus l’œuvre est personnelle et spécifique, plus les gens peuvent s’y retrouver. C’est drôle, car c’est en quelque sorte contre-intuitif. On pourrait penser que si mon travail est si spécifique à cette petite expérience que je vis, personne d’autre ne pourra s’y identifier. Mais en fait, c’est plutôt le contraire. Comme c’est très personnel, les gens savent ce que cela fait sur le plan humain. Donc oui, plus le travail est effrayant, plus il est gratifiant et plus les gens peuvent s’y identifier. Voilà ce que c’est.
Une partie de ma crainte vient du fait que les gens connaissent peut-être mon travail pour avoir participé quatre fois au Brisbane Festival dans les spectacles de Scott, ainsi que dans les spectacles Strut & Fret et Blanc à travers toute l’Australie. C’est pourquoi j’ai un peu peur. L’humour est toujours présent, mais les gens pourraient être un peu surpris de ressentir autre chose que des éclats de rire à chaque minute.
Ce que j’aime tant chez Blanc, c’est que, comme les spectacles Blanc et les autres de Strut & Fret, ils offrent une échappatoire aux personnes qui traversent des moments vraiment difficiles. Blanc offre un sanctuaire où l’on peut simplement être libre et ne pas penser au monde extérieur pendant un instant, ne pas penser à ce qui se passe. Et j’adore ça. C’est un endroit très important, mais je pense que Chatter est un peu plus provocateur. Nous allons réfléchir à ce qui se passe à l’extérieur et à l’intérieur, et partout dans le tube digestif.
Le descriptif de Chatter, sur le site web du Brisbane Festival, mentionne spécifiquement des lavements de huit heures. Et vous avez mentionné la maladie auto-immune dans cette interview. J’ai donc fait le rapprochement. Que diriez-vous aux personnes qui s’inquiètent de la référence au lavement de huit heures ?
Je leur dirais de ne pas s’inquiéter au sujet des lavements de huit heures. Ce texte de présentation est assez intense. Un lavement de huit heures est un terme assez fort à utiliser dans un texte de présentation. Le spectacle ne dure pas huit heures. Donc, si vous y réfléchissez dans son contexte, c’est une référence parmi d’autres.
C’est peut-être mon esprit tordu qui s’y attarde.
Ou mon esprit tordu qui l’y met ?! Comme tu l’as dit quand tu l’as lu, tu te demandes si cela va me rendre anxieux ? Alors, je pense que beaucoup d’autres personnes pourraient lire ce résumé et le trouver plus drôle qu’il ne l’est peut-être. Il y a toute cette ligne, et puis il y a aussi le monde dans lequel j’aime beaucoup jouer avec « est-ce drôle ? », « est-ce sérieux ? », « où en sommes-nous ? ».
Un lavement de huit heures, c’est très drôle, mais c’est aussi intense et horrible à vivre. Il y a les deux côtés. Et je pense que jouer avec cette dualité est vraiment important pour moi, et c’est aussi grâce à l’humour que j’ai réussi à naviguer à travers cette maladie. Donc, il y a ça. Les changements rapides entre le sentiment que c’est le pire moment de ma vie, puis le fait de sortir la caméra et de me dire « Je n’arrive pas à croire que je doive faire ça ». Il y a deux côtés à cela. Et je pense que cela m’a vraiment aidé. Je ne peux pas parler pour les autres, mais je peux parler pour moi-même. Je peux dire qu’aborder ces expériences vraiment traumatisantes avec humour et légèreté m’a vraiment aidé à surmonter tout cela.
Pour en revenir à cette autre chose, dont je ne parle pas du tout dans le spectacle, mais l’idée de suivre les conseils d’une femme enceinte est complètement folle. Le fait de repenser à cela a apporté une telle légèreté à l’un des pires moments de ma vie, tu sais ?
Ça aurait été vraiment effrayant.
Oui, très, très effrayant.
Y a-t-il un message que vous aimeriez que le public retienne du spectacle Chatter ? Vous l’avez un peu évoqué.
Un peu. J’y pense beaucoup. Comme je l’ai déjà dit, certains spectateurs sont venus me voir après avoir traversé une maladie, ou même pas nécessairement une maladie ou une blessure, mais tout type de difficulté. Et ils en sont arrivés à une réévaluation. J’espère que ce projet aidera à clarifier les choses. C’est ce que j’espère pour ce projet : je veux qu’il soit utile.
Ma décision de continuer à me produire en est en grande partie la raison. C’est un élément important, et vous me regardez me produire tout en parlant de ce travail d’une manière intéressante. Cela montre en quelque sorte ce qui se passe en temps réel, dans une certaine mesure. Certaines personnes qui ont subi des blessures sont venues me voir, et c’est l’une des raisons pour lesquelles je veux continuer à faire ce spectacle, parce que les gens sont venus me voir et m’ont dit : « J’avais vraiment besoin de voir ça ».
Je pense que cela a peut-être apporté un peu de clarté à leur parcours. Et c’est tout ce que je peux espérer, que les gens regardent le spectacle, réévaluent leur situation, laissent résonner le message, et que cela les pousse peut-être à continuer à faire quelque chose qui les passionne vraiment. Ou peut-être que cela les pousse à décider « que cela faisait partie de moi, mais que ce n’est pas tout ce que je suis. Je veux faire autre chose que je suis capable de faire ».
Je sais que nous avons beaucoup parlé du caractère sérieux du spectacle, mais je pense qu’il y a aussi une partie de Spencer de Blanc, tu vois. Il y a toujours le plaisir de se demander « Oh mon Dieu, que va-t-il se passer ensuite ? » « Oh, je n’arrive pas à croire qu’il fasse ça devant tout le monde. Ne vous approchez pas de moi, s’il vous plaît. » Il y a toujours le plaisir de vivre cette expérience. Je fais très attention à ne pas dire « c’est seulement si vous traversez une période difficile ». C’est en fait aussi une expérience amusante.
Pourquoi les gens devraient-ils venir voir le spectacle ?
Si je me mettais dans la peau du producteur, je dirais que c’est parce que ce spectacle est tellement unique, il n’y a rien de comparable ailleurs, car c’est moi. Je pense que vous n’avez jamais rien vu de tel auparavant. Et même si cela peut être une soirée intense, c’est aussi une soirée très amusante et folle. Et je pense que cette dualité vaut le détour. Je l’espère.
J’en suis sûr. Nous avons abordé beaucoup de sujets. Y a-t-il autre chose que vous aimeriez ajouter et que nous n’avons pas encore abordé ?
J’aimerais simplement que les gens viennent le voir. C’est très personnel. Je pense que ce sera vraiment une soirée amusante et, je l’espère, émouvante.
Envisagez-vous de faire une tournée en Australie après Brisbane ?
Après Brisbane, il n’y a pas de projet pour l’instant, mais j’aimerais beaucoup, tu sais, s’il y a un lieu qui convient. Tu sais, c’est un peu différent du public du Fringe, je dirais. Ce n’est pas à 100 % comme dans le monde du Fringe, donc je dois voir. Mais j’aimerais beaucoup faire plus de tournées. Mais comme je l’ai dit, chaque fois que je réévalue la situation, je me demande : « Est-ce que je veux continuer à faire ça ?
Nous verrons donc comment cela se passe.
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Nous remercions Spencer Novich pour cette interview et espérons voir Chatter s’il part en tournée.
INFOS CLÉS SUR CHATTER
QUOI : Le spectacle Chatter de Spencer Novich au Brisbane Festival 2026
OÙ : The West End Electric, BRISBANE
QUAND : du 23 au 27 septembre 2025
COMMENT : Achetez vos billets par ce lien
COMBIEN : Les prix des billets sont les suivants :
Tarif général – 54 $
Tarif réduit – 39 $
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