Rachael Azzopardi, co-fondatrice et co-directrice artistique d’Illuminate Adelaide, nous parle d’Illuminate Adelaide et du programme de résidence artistique « Luminary »

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La carrière de Rachael Azzopardi l’a menée du statut de chanteuse d’opéra en herbe à celui de l’une des principales forces créatives derrière Illuminate Adelaide, un festival qu’elle a contribué à façonner et qui allie art, technologie et expérience du public à l’échelle de la ville. Forte d’une expérience couvrant les grands festivals, le théâtre commercial et les principales organisations artistiques, Rachael Azzopardi apporte à la fois son instinct créatif et sa vision stratégique à son rôle de cofondatrice et codirectrice artistique d’Illuminate Adelaide. Dans cet entretien, elle revient sur l’évolution d’Illuminate Adelaide, sur l’importance de comprendre les publics et sur l’approche à plusieurs niveaux de la programmation du festival, notamment l’artiste « Luminary » en résidence de cette année, l’artiste numérique pionnier Miguel Chevalier, dont les œuvres sont présentées aussi bien dans le cadre d’évènements payants que d’expériences gratuites. Découvrez ci-dessous notre entretien avec Rachael.

Rachael, commençons par votre parcours : vous avez débuté en tant qu’artiste de scène en étudiant le théâtre et le chant, puis vous vous êtes orientée vers la production de concerts et de chœurs, et vous avez travaillé sur des festivals comme le Sydney Festival et, bien sûr, Illuminate Adelaide aujourd’hui.

Et pour l’Adelaide Festival, j’ai commencé par faire du théâtre, puis je suis allée à l’Elder Conservatorium of Music d’Adélaïde où j’ai étudié la musique et où je voulais devenir chanteuse d’opéra. Puis je me suis un peu lassée de ça et j’ai trouvé ma voie, je suppose. J’ai vraiment apprécié d’organiser tous ces concerts à l’université, et cela m’a ouvert les yeux sur le travail en coulisses.

Après l’université, je suis partie à Sydney où j’ai travaillé pour l’Orchestre symphonique de Sydney, puis je suis revenue à Adélaïde où j’ai occupé le poste de coordinatrice musicale pour le Festival d’Adélaïde de 1996, dirigé par Barrie Kosky. Cela m’a vraiment confortée dans l’idée que j’étais sur la bonne voie et que j’adorais produire et travailler avec des artistes. Et je pense que je comprenais bien les artistes, car j’avais moi-même été, en quelque sorte, une artiste émergente. C’est donc vraiment là que tout a commencé.

 

Ensuite, je suis allée à l’Adelaide Festival Centre où j’ai trouvé un emploi, puis j’ai été approchée pour occuper les postes de responsable de programmation et de responsable des opérations dans le cadre de l’Olympiade culturelle des Jeux olympiques de Sydney, ce qui était plutôt génial.

 

À partir de là, tout s’est enchaîné comme une boule de neige. J’ai travaillé pendant des années dans le théâtre commercial sur Le Roi Lion, Oliver et Cabaret. J’ai vraiment eu un parcours assez varié, je suppose, dans le théâtre commercial, mais j’ai aussi été productrice exécutive pour Chunky Move, une compagnie de danse contemporaine à Melbourne, puis j’ai occupé un poste de responsable artistique à la Sydney Theatre Company aux côtés de Cate Blanchett et Andrew Upton lorsqu’ils en étaient les directeurs artistiques, ce qui était fantastique. Le Festival de Sydney, le Festival d’Adélaïde.

 

Quand je suis revenue à Adélaïde, j’ai en fait travaillé au Festival d’Adélaïde pendant un an sous la direction de Rob Brookman, à l’époque où Rachel et Neil y étaient, puis j’ai eu la chance de collaborer avec Lee pour monter Illuminate, et c’est vraiment… Ça fait six ans maintenant.

 

C’est fou comme le temps a filé !

Tellement vite ! On n’arrive pas à y croire. On en parlait justement récemment. C’est bizarre, il nous a fallu un an pour vraiment mettre cet événement sur pied, depuis l’élaboration du dossier de faisabilité et sa présentation au gouvernement en 2019, jusqu’à l’obtention du feu vert en 2020 et, bien sûr, la tenue de notre première édition en 2021.

 

J’ai donc eu un parcours professionnel varié : comme artiste, mais surtout en tant que productrice dans le domaine commercial, ainsi que dans des compagnies artistiques et lors de festivals.

 

Comment ces différents rôles ont-ils, selon toi, influencé ta façon de diriger et de programmer Illuminate Adelaide ?

Je me suis toujours considérée comme une productrice créative plutôt que comme une productrice chargée des aspects techniques – même si c’est une partie du métier –, mais j’ai toujours eu, peut-être parce que je viens du monde du théâtre et que j’ai toujours voulu être sur scène, une vision ou une sensibilité créative. J’ai eu la chance de pouvoir concilier ces deux aspects.

 

En tant que productrice, on s’occupe de tous les aspects d’une production, en particulier dans le théâtre commercial, car la productrice est en réalité responsable de l’équipe créative, c’est-à-dire des metteurs en scène, des concepteurs lumière, des compositeurs. Il faut vraiment comprendre le côté créatif. Mais bien sûr, il faut aussi maîtriser les aspects techniques et de production, ainsi que le marketing, car on vend des billets et on assure la promotion.

 

Je pense que j’ai eu beaucoup de chance d’acquérir une expérience aussi vaste, mais aussi d’avoir travaillé au sein de compagnies comme Chunky Move et la Sydney Theatre Company, où l’on accorde une grande importance au travail des auteurs qui créent de nouvelles pièces. Tout cela s’est rassemblé et m’a permis d’acquérir un éventail de compétences assez large.

 

J’ai toujours adoré le travail de programmation, que ce soit lors de festivals ou lorsque j’ai eu la chance, grâce à Andrew et Kate, de pouvoir m’asseoir à la table des discussions pour réfléchir à ce que nous voulions programmer avec la Sydney Theatre Company pour les abonnés. Et cela m’a vraiment permis d’apprendre à comprendre un public, car quand on est programmateur ou directeur artistique, ce n’est pas nécessairement ce qu’on aime soi-même qui compte, mais ce que le public aime.

 

J’ai toujours adoré le travail de programmation, que ce soit lors de festivals ou lorsque j’ai eu la chance, grâce à Andrew et Kate, de pouvoir m’asseoir à la table des discussions pour réfléchir à ce que nous voulions programmer avec la Sydney Theatre Company pour les abonnés. Et cela m’a vraiment permis d’apprendre à comprendre un public, car quand on est programmateur ou directeur artistique, ce n’est pas nécessairement ce qu’on aime soi-même qui compte, mais ce que le public aime.

 

Ce qui n’est pas toujours la même chose.

Non, ce n’est pas la même chose. Bien sûr, on a tendance à pencher vers ce qu’on aime soi-même, mais il s’agit vraiment d’essayer de prendre du recul et de s’assurer d’inclure un peu de ce qu’on aime, tout en écoutant vraiment ce que veut son public et en le comprenant. Andrew Upton, à la Sydney Theatre Company, m’a vraiment fait apprécier et comprendre cela. Il a dit : « Mon rôle n’est pas de mettre en scène ce que j’aime nécessairement. Il s’agit d’écouter mon public. » Et cela m’a vraiment interpellée.

 

J’ai eu beaucoup de chance de travailler avec lui et de l’observer à l’œuvre. Je pense qu’il faut comprendre son public. Cela ne signifie pas qu’il doive tout aimer, car il s’agit parfois de le mettre au défi et de le faire sortir un peu de sa zone de confort. Mais je suppose qu’il faut l’y amener progressivement.

 

Illuminate est un programme entièrement sélectionné, et nous avons vraiment de la chance d’avoir tenu à proposer une programmation diversifiée. J’ai eu beaucoup de chance d’avoir travaillé dans tant d’organisations différentes. Ces compétences m’ont vraiment aidé, avec Lee, à m’intéresser à différents types de publics. Nous devons apporter de la profondeur à Illuminate pour que le projet ne se limite pas aux grands évènements rassemblant des milliers de personnes. Il s’agit aussi de proposer des expériences plus nuancées, plus modestes et plus intimes.

 

Nous devons apporter de la profondeur à Illuminate pour que le projet ne se limite pas aux grands évènements rassemblant des milliers de personnes. Il s’agit aussi de proposer des expériences plus nuancées, plus modestes et plus intimes.

 

Cette année, l’artiste « Luminary » en résidence est Miguel Chevalier. Comment sélectionnez-vous l’artiste « Luminary » en résidence et quel rôle joue-t-il dans l’élaboration du programme ?

Chaque année, cela se passe un peu différemment. The Avalanches ont été nos premiers résidents. Nous avons accueilli Ouchhh Studio, venu de Turquie, et maintenant Miguel. Je pense que cela dépend de l’œuvre de l’artiste dans son ensemble et de la manière dont elle dialogue avec Illuminate et ses différentes dimensions, comme je l’ai déjà dit. Nous essayons de ne pas nous limiter à un artiste musical. Il s’agit de l’artiste dans sa globalité et de l’ensemble de son œuvre.

 

Miguel, quant à lui, a 45 ans d’expérience et se situe à l’avant-garde. Il a commencé par des projections sur des bâtiments, mais il reste très expérimental et multidisciplinaire. Son travail est vraiment passionnant. Lee et moi avons découvert son travail pour la première fois à Paris. Nous le suivons depuis environ trois ans. Et nous avons eu la chance de voir son travail. Nous avons découvert son travail et nous avons alors vraiment commencé à réfléchir à la façon dont il trouvait un véritable écho chez nous, mais aussi auprès de notre public. Et ce qu’il faisait était vraiment très novateur. Nous étions tout simplement émerveillés par son œuvre.

 

Miguel, quant à lui, a 45 ans d’expérience et se situe à l’avant-garde. Il a commencé par des projections sur des bâtiments, mais il reste très expérimental et multidisciplinaire. Son travail est vraiment passionnant.

 

Nous avons découvert cette magnifique exposition qu’il a réalisée, et elle comportait de nombreux points de contact. Il crée ses œuvres de ses propres mains. Il réalise des sculptures – des œuvres en 3D –, mais il produit également d’incroyables créations numériques et des œuvres immersives sur écran.

 

Lorsque nous choisissons un artiste, nous voulons qu’il nous fasse ressentir quelque chose. Il ne s’agit pas simplement d’associer l’art et la technologie, mais plutôt de la manière dont nous combinons ces deux éléments pour qu’ils racontent une histoire et suscitent une résonance émotionnelle. Nous avons donc écrit à Miguel pour lui dire : « Nous aimerions beaucoup t’inviter », mais cela a pris quelques années, car il est très occupé et son agenda est complet longtemps à l’avance.

 

Lorsque nous choisissons un artiste, nous voulons qu’il nous fasse ressentir quelque chose. Il ne s’agit pas simplement d’associer l’art et la technologie, mais plutôt de la manière dont nous combinons ces deux éléments pour qu’ils racontent une histoire et suscitent une résonance émotionnelle.

 

Puis nous avons eu la chance de le rencontrer l’année dernière, de nous asseoir avec lui, de découvrir bien sûr une autre de ses œuvres, et de discuter en détail de ce qu’était « Illuminate » et de ce qu’il fait, avant de choisir ensemble certaines de ses œuvres à mettre en avant. Nous présentons donc bien sûr son « Digital Abyss » à l’ILA, qui est l’évênement payant. C’est une vision beaucoup plus vaste et complète de son œuvre, allant des installations 3D aux œuvres sur petit écran, en passant par la grande salle lumineuse interactive.

 

C’était vraiment important pour lui, mais aussi pour nous, de montrer davantage de ses œuvres, et nous tenions vraiment à ce que tout le monde puisse y avoir accès. C’est pourquoi il était important pour nous d’intégrer ses œuvres à « City Lights », notre programme gratuit, afin que chacun ait la chance de découvrir son travail. Il s’agit de « The Origin of the World » et de « Pixel Waves », que nous présentons dans le cadre de « City Lights ».

 

C’était vraiment important pour lui, mais aussi pour nous, de montrer davantage de ses œuvres, et nous tenions vraiment à ce que tout le monde puisse y avoir accès. C’est pourquoi il était important pour nous d’intégrer ses œuvres à « City Lights », notre programme gratuit, afin que chacun ait la chance de découvrir son travail.

 

C’est donc vraiment le sérieux de l’artiste qui prime, mais aussi l’ensemble de son œuvre et la façon dont nous pensons que celle-ci trouvera un écho auprès du public.

 

Comme vous l’avez dit, cela fait longtemps qu’il fait cela. On le décrit comme un pionnier du mouvement de l’art numérique.

Oui, c’est un pionnier incontestable, mais son travail reste tellement jeune d’esprit. Il est tellement dans l’air du temps. Il ne cesse de se dépasser. Il continue d’explorer de nouvelles voies. Son travail interactif avec l’IA est absolument à la pointe. Il ne cesse de progresser, d’évoluer, d’apprendre et d’expérimenter. C’est vraiment très visionnaire, et c’est passionnant de voir qu’il ne s’est jamais reposé sur ses lauriers.

 

Lui et son équipe sont constamment à l’avant-garde, ce qui est très difficile dans ce secteur, avec cette approche pionnière et multidisciplinaire. Nous avons trouvé cela passionnant, car non seulement ses œuvres numériques sont remarquables, mais il possède également une manière magique et poétique de raconter des histoires qui nous a vraiment séduits.

 

À quel point est-il important pour vous de mettre en avant des artistes qui ont contribué à définir une forme d’art, comme lui, plutôt que ceux qui ne font que suivre les tendances actuelles ?

Je pense qu’avec notre programme et les artistes que nous mettons en avant et présentons, il s’agit de montrer – qu’il s’agisse d’un artiste émergent ou de quelqu’un comme Miguel – les différents niveaux d’artistes ou ce que chacun apporte. Que ce soit un artiste émergent présentant son travail, nous essayons toujours de dénicher ces étoiles et ces pionniers.

 

Le monde numérique a tellement changé. Je veux dire, il évolue constamment. Le fait d’avoir quelqu’un qui comprend tout le parcours de ses débuts jusqu’à aujourd’hui apporte une certaine envergure et une profondeur à notre programme, ce qui vient compléter le travail des autres artistes avec lesquels nous collaborons. Il s’agit donc de mettre en avant différents artistes, à différents niveaux et aux expériences variées.

 

Le monde numérique a tellement changé. Je veux dire, il évolue constamment. Le fait d’avoir quelqu’un qui comprend tout le parcours de ses débuts jusqu’à aujourd’hui apporte une certaine envergure et une profondeur à notre programme, ce qui vient compléter le travail des autres artistes avec lesquels nous collaborons.

 

Nous ne voulons pas qu’il n’y ait qu’une seule façon d’appréhender cette œuvre. C’est vraiment formidable que des gens présentent leurs œuvres pour offrir des expériences variées, ce qui, selon moi, n’est possible que si l’on réunit des artistes issus de tous les horizons et de tous les niveaux. Des artistes émergents aux pionniers, et surtout lorsqu’ils se retrouvent tous ensemble et se rencontrent, c’est une occasion vraiment fantastique pour les jeunes artistes de découvrir concrètement l’œuvre de Miguel, de le rencontrer et de mieux le comprendre.

Quand on pense à un artiste en résidence, on imagine souvent une résidence d’environ six mois, pendant laquelle il produit des œuvres. Dans votre cas, si je comprends bien, il s’agit plutôt d’un artiste sélectionné qui réalisera plusieurs œuvres dans le cadre du programme.

Oui, je suppose que c’est parce que nous sommes un festival. Si nous étions une galerie ou une institution où l’on pouvait inviter quelqu’un à créer une œuvre puis à la présenter, ce serait probablement le cas, mais je pense que nous ne l’avons pas encore fait, ce qui ne veut pas dire que nous ne le ferons pas à l’avenir. Ou bien commander une œuvre à un artiste, puis présenter également des œuvres qu’il a déjà réalisées – ce que nous avons en quelque sorte fait avec Ouchhh; Ouchhh est venu créer une nouvelle œuvre dans le pavillon, puis a animé toute une série de conférences et réalisé une autre œuvre dans le cadre d’ILA, notre programme gratuit. Je suppose que cela dépend simplement de la situation de l’artiste à ce moment-là et du temps dont il dispose, pour être honnête.

 

Je pense que, comme notre festival ne dure que trois semaines, pouvoir montrer le plus possible du travail de cet artiste revient en quelque sorte, pour nous, à une résidence. Il ne s’agit pas de présenter une seule œuvre. C’est une approche globale, mais nous menons cette discussion pendant six mois à un an. Nous travaillons vraiment avec eux pour déterminer quelles sont leurs œuvres, ou ce qu’ils souhaitent présenter.

 

C’est une discussion très approfondie que nous avons avec cet artiste au sujet de la présentation. Nous ne nous contentons pas de choisir les œuvres et de les exposer. Nous lui avons montré différents lieux, les City Lights, différents bâtiments, différentes architectures. Nous avons discuté des différentes façons dont nous pourrions présenter son travail, et il s’est donc beaucoup impliqué dans la manière dont il souhaitait explorer Adélaïde. Il n’est jamais allé en Australie.

 

C’est une discussion très approfondie que nous avons avec cet artiste au sujet de la présentation. Nous ne nous contentons pas de choisir les œuvres et de les exposer. Nous lui avons montré différents lieux, les City Lights, différents bâtiments, différentes architectures. Nous avons discuté des différentes façons dont nous pourrions présenter son travail

 

L’une de mes questions était justement de savoir si l’on présentait aux artistes une série de bâtiments en leur disant : « Voici les bâtiments sur lesquels nous réalisons des projections, lequel préférez-vous ? », ou si l’on leur disait plutôt : « Nous pensons que votre projection rendrait très bien sur ce bâtiment » ?

Un peu des deux, pour être honnête. Nous n’essayons pas d’imposer quoi que ce soit, car s’il y a un bâtiment sur lequel nous n’avons encore jamais projeté, cela ne nous dérange pas. Nous connaissons la ville, nous regardons les bâtiments sur Google Maps, surtout s’il n’est jamais venu ici auparavant. Nous pouvons lui montrer différentes possibilités.

 

Nous adorons Bonython Hall. Nous avons vraiment ressenti, je suppose, une synergie. Quand nous avons regardé son travail, nous avons pensé que ce serait tout à fait incroyable dans ce bâtiment d’associer cette architecture à cet artiste. Nous lui avons présenté Bonython et pour lui, ça a été une évidence. Il était vraiment enthousiaste.

 

Nous adorons Bonython Hall. Nous avons vraiment ressenti, je suppose, une synergie. Quand nous avons regardé son travail, nous avons pensé que ce serait tout à fait incroyable dans ce bâtiment d’associer cette architecture à cet artiste.

 

Donc, parfois, ça se passe comme ça. Mais d’autres fois, on lui a montré différents bâtiments et il voulait aussi exposer à la Government House. Ou alors, on a essayé de trouver le lieu idéal pour son exposition et on a bien sûr choisi l’ILA. On lui a montré plusieurs espaces différents et l’ILA l’a vraiment marqué, et ce que cet endroit représente pour lui est assez passionnant.

 

Comme vous l’avez dit, il présente trois œuvres différentes, dont deux font partie du programme gratuit « City Lights » : The Origin of the World et Pixel Waves, et bien sûr Digital Abyss, qui est l’œuvre payante à l’ILA. Oui. Quelle histoire ces trois œuvres racontent-elles ensemble, s’il y en a une ?

Elles sont toutes assez différentes, pour être honnête. Ce sont différentes représentations de son travail à différentes époques. Avec Digital Abyss, il s’est inspiré des profondeurs de l’océan. Il est très passionné par notre environnement. En fait, il a déjà réalisé des œuvres inspirées par l’océan dans le cadre de différentes expositions qu’il a organisées à travers le monde. Il a présenté une exposition à Paris qui portait sur les profondeurs de l’océan, mais d’une manière un peu différente. Mais je pense que c’est une question d’environnement, qu’il s’agisse de l’océan, comme dans Digital Abyss. Quel est le fil conducteur ? C’est difficile à dire, n’est-ce pas ?

 

Il est très passionné par notre environnement. En fait, il a déjà réalisé des œuvres inspirées par l’océan dans le cadre de différentes expositions qu’il a organisées à travers le monde.

 

Il n’y en a peut-être pas un seul. Il pourrait simplement s’agir de différentes formes de son art.

Il a tendance à travailler avec des environnements naturels. Par exemple, il considère «Pixel Waves comme des ondulations qui, d’une certaine manière, rappellent celles des océans, mais d’une façon plus ludique.

 

Je pense que c’est vraiment une vitrine de son travail au fil des années et de ce qui l’a inspiré. Il s’agit toujours du monde ou de l’environnement.

 

Et ces trois œuvres couvrent une période d’environ 20 ans ? On peut donc voir cette évolution.

Oui, Pixel Waves est l’une de ses premières œuvres. Puis Origin of the world. Et je pense que Digital Abyss représente la direction qu’il prend, notamment grâce à l’interactivité.

 

Quels festivals internationaux de lumières ou d’arts ont inspiré Illuminate Adelaide et comment adaptez-vous ces idées pour qu’elles correspondent à l’identité d’Adélaïde ?

Nous n’avons jamais repris à notre compte quoi que ce soit de ce que nous avons vu. Lorsque nous avons lancé Illuminate Adelaide, Lee et moi voulions vraiment que ce soit unique. On nous demandait souvent : « Est-ce que c’est comme VIVID ? », car c’était ce que les Australiens connaissaient, puisqu’il y avait des lumières.

 

Nous nous démarquons des festivals de lumières, car nous ne nous considérons pas simplement comme un festival de lumières. Nous pensons que notre évènement comporte de nombreuses facettes. Nous proposons un vaste programme musical. Nous offrons des expériences immersives au Jardin botanique et au zoo.

 

Nous nous démarquons des festivals de lumières, car nous ne nous considérons pas simplement comme un festival de lumières. Nous pensons que notre évènement comporte de nombreuses facettes. Nous proposons un vaste programme musical. Nous offrons des expériences immersives au Jardin botanique et au zoo.

 

Il y a aussi la gastronomie désormais.

Oui, la gastronomie. Nous proposons des Augmented Games qui allient IA et ludisme. Nous adorons la Fête des Lumières de Lyon, qui est la première au monde.

J’ai entendu dire qu’il y avait énormément de monde là-bas pendant l’événement ?

Oui. Nous y sommes allés plusieurs fois. VIVID accueille normalement environ 300 000 personnes en quatre jours ; à Lyon, ils en accueillent 1,5 million. C’est assez extraordinaire, car ils ferment toute la ville à la circulation – tout est piéton. C’est tellement beau. La mairie recouvre chaque lampadaire d’un gel bleu ou rouge. L’ambiance est magnifique. Je pense que ce que nous avons retenu de cet événement, c’est la sérieux et l’importance de l’artiste.

 

J’ai l’impression que certains festivals de lumières se résument à de simples installations lumineuses. Ce n’est pas vraiment interactif. Ça ne transmet rien. Chaque élément a sa place. J’adore les néons. J’adore la narration que nous proposons avec Neon Dog Park. C’est amusant. Mais je pense qu’il faut proposer une variété d’expériences qui soient à la fois interactives ou qui stimulent différents sens et offrent une expérience unique. C’est vraiment important.

 

Lee et moi, on assiste à de nombreux festivals à travers le monde et c’est génial de voir les installations, mais ce n’est pas parce qu’elles sont « instagrammables » qu’elles ont forcément leur place chez Illuminate. Certaines choses fonctionnent très bien, et c’est formidable. Mais pour d’autres, on souhaite que les gens vivent une expérience différente, un peu plus profonde, à la croisée de l’art et de la technologie. Cette rencontre entre l’art et la technologie est vraiment au cœur de notre démarche et de ce que nous faisons.

 

Lee et moi, on assiste à de nombreux festivals à travers le monde et c’est génial de voir les installations, mais ce n’est pas parce qu’elles sont « instagrammables » qu’elles ont forcément leur place chez Illuminate. Certaines choses fonctionnent très bien, et c’est formidable. Mais pour d’autres, on souhaite que les gens vivent une expérience différente, un peu plus profonde, à la croisée de l’art et de la technologie.

 

Quel impact espérez-vous que le public retienne du festival, au-delà de l’expérience visuelle ?

Nous accordons également une grande importance à l’expérience partagée. Souvent, la technologie se limite à votre écran et l’expérience est très solitaire. Ce que nous avons essayé de faire, c’est de faire sortir tout cela dans la rue : que ce soit à travers le programme City Lights ou avec les Augmented Games, on peut jouer les uns avec les autres, se mesurer les uns aux autres, jouer avec des inconnus. Il s’agit d’une expérience partagée. Et à Night Visions, on se promène dans un magnifique jardin. On voit la nature se fondre véritablement avec la technologie, de manière harmonieuse, tout en étant en plein air ; cette expérience partagée et cette magie que la technologie d’éclairage peut vous offrir sont vraiment tout à fait uniques.

 

Les spectacles en direct sont tellement fantastiques. Je pense qu’à travers cette expérience partagée, nous essayons de recréer la même sensation que si c’était en direct. Que les installations prennent vie et qu’elles vous racontent elles aussi une histoire, d’une manière ou d’une autre. Cette expérience partagée qui fait que les gens repartent avec le sentiment d’avoir vu quelque chose qu’ils n’avaient jamais vu auparavant, qu’ils découvrent Adélaïde et notre ville sous un autre jour.

 

Les spectacles en direct sont tellement fantastiques. Je pense qu’à travers cette expérience partagée, nous essayons de recréer la même sensation que si c’était en direct. Que les installations prennent vie et qu’elles vous racontent elles aussi une histoire, d’une manière ou d’une autre.

 

On a l’impression qu’en hiver, on peut parfois se sentir un peu déprimé, et on pense que c’est un petit coup de pouce positif en milieu d’année pour continuer à avancer de manière positive. On a l’occasion d’être dans les rues avec tout le monde et de partager une expérience ensemble. On ne le fait pas assez souvent.

 

Illuminate Adelaide est un évènement d’envergure qui façonne la ville et comporte de nombreux aspects à gérer. À quoi ressemble une journée type pour vous, de la phase de développement jusqu’au festival ? Et comment cela change-t-il lorsque les lumières s’allument et que le public envahit les lieux ?

Évidemment, nous travaillons très dur toute l’année pour mettre en place le programme, et les équipes s’occupent de l’organisation et de la mise en place de chaque élément. Ensuite, nous préparons le lancement officiel.

 

Une fois le programme lancé, notre équipe est incroyable et prend pratiquement tout en main. Ce sont eux qui font vraiment en sorte que tout se passe bien. Nous sommes là, mais nous restons en retrait

 

Nous sommes présents et nous gérons le projet. Nous commençons par définir et mettre au point ce que nous voulons faire, puis, à mesure que la date approche, nous nous attachons à résoudre les problèmes. Si des difficultés surviennent, nous pouvons aider l’équipe à mener à bien le projet et à maintenir l’élan, à trouver des solutions et à veiller à ce que le message passe.

 

Ensuite, une fois que c’est lancé, on court dans tous les sens pour gérer les nombreux rendez-vous avec les médias et les évènements, mais c’est vraiment un moment fantastique. C’est tellement gratifiant. On travaille toute l’année à la préparation, et l’équipe se donne à fond pour aller sur le terrain, mettre tout cela en place et mener à bien le projet.

 

C’est vraiment gratifiant de se promener dans les rues et de voir les gens profiter de l’événement et s’y plonger à fond. C’est un peu comme si c’était Noël pendant trois semaines. On peut sortir et voir les gens vivre cette expérience, et tout ce à quoi on a pensé et qu’on a planifié, tout à coup, les gens en profitent et le vivent réellement.

 

C’est vraiment gratifiant de se promener dans les rues et de voir les gens profiter de l’événement et s’y plonger à fond. C’est un peu comme si c’était Noël pendant trois semaines. On peut sortir et voir les gens vivre cette expérience, et tout ce à quoi on a pensé et qu’on a planifié, tout à coup, les gens en profitent et le vivent réellement.

 

Ça doit être vraiment gratifiant.

Oui, j’adore me promener sur North Terrace ou à Rymill Park, ou partout où se déroule City Lights, et simplement observer les gens interagir, jouer avec les installations, qu’il s’agisse d’un jeune enfant ou de ces incroyables groupes de seniors qui se promènent, discutent et vivent une expérience qu’ils n’ont jamais vécue auparavant.

 

Donc, ça évolue, mais une fois que le projet est lancé, je suis juste là pour aider l’équipe à le mener à bien. Et puis, on observe toujours comment les gens vivent les choses, ce qu’ils apprécient ou non. Ça nous aide vraiment à définir les grandes lignes de l’année suivante aussi.

 

Combien de temps à l’avance planifiez-vous ? Planifiez-vous année par année ou avez-vous déjà commencé à travailler sur le festival de l’année prochaine ?

Oui, tout à fait. Même pour les 28 artistes que nous engageons : pour certains, nous discutons avec eux, nous leur proposons des projets, ou bien il y a des artistes que nous souhaitons absolument faire participer à Illuminate. Comme pour Miguel, il nous a fallu deux ou trois ans pour l’engager. Donc, on y travaille en permanence, mais certaines choses se préparent plus longtemps à l’avance. Pour d’autres, on veut toujours s’assurer de rester dans l’air du temps par rapport aux autres installations. Du coup, parfois, on attend un peu plus longtemps. Mais oui, on est déjà à mi-chemin de la planification de 2027, et on commande même déjà certaines œuvres pour 2028.

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Et quels festivals comptez-vous découvrir une fois celui-ci terminé ?

Avec un peu de chance, il y a un festival fantastique à Prague appelé Signal, qui aurait été incroyable, et il y en a toute une pléthore au Royaume-Uni, ceux de la série Northern Lights. Et bien sûr, la musique est également très importante pour nous, donc nous allons nous rendre en Pologne.

 

Parce qu’Unsound vient de Pologne, n’est-ce pas ?

Oui, tout à fait. Ils organisent des éditions à Cracovie et à Varsovie, et il y a un train qui relie Cracovie à Varsovie, ce qui est plutôt passionnant. Des artistes se produisent dans le train entre les deux villes. Je pense donc que nous allons aller passer du temps avec eux pour voir ce qu’ils font, puis bien sûr nous irons à Signal. Et ensuite, nous veillons toujours à passer par Londres, car il y a toujours énormément de musées et d’expositions fantastiques là-bas aussi.

 

Il y a aussi MUTEK à Montréal, qui propose trois jours incroyables consacrés aux artistes, qu’il s’agisse de musique ou d’installations visuelles. Il se passe toujours tellement de choses. J’aimerais bien qu’on puisse en voir davantage, mais on a vraiment de la chance de pouvoir voyager et découvrir toutes ces choses.

 

Je pense que c’est cet aspect-là que le grand public retient toujours du métier de directeur artistique, en pensant que c’est le rêve : pouvoir voyager à travers le monde et choisir des spectacles. Mais bien sûr, cela implique aussi beaucoup de travail. Il ne s’agit pas simplement de voyager et de dire « je veux celui-là et celui-là ».

Croyez-moi ! L’année dernière, nous étions sans cesse en déplacement, et chaque jour, nous étions dans un train pour aller ailleurs.

 

Ce n’est pas un voyage de loisir.

On ne va pas s’en plaindre, mais c’est parfois assez éprouvant. On parcourt des kilomètres, on voit quelque chose qui s’avère vraiment décevant, mais il faut vivre ces expériences. Il s’agit aussi de rencontrer différents directeurs et de discuter avec différents artistes. Par exemple, le fait de pouvoir passer du temps avec Miguel a vraiment scellé notre collaboration. C’est génial de pouvoir discuter sur Zoom, mais être chez lui, découvrir son atelier, voir comment il crée et avoir ces conversations, c’est vraiment essentiel pour notre travail : ça nous permet de nous assurer que nous apportons ce qu’il y a de mieux à Adélaïde.

 

Par exemple, le fait de pouvoir passer du temps avec Miguel a vraiment scellé notre collaboration. C’est génial de pouvoir discuter sur Zoom, mais être chez lui, découvrir son atelier, voir comment il crée et avoir ces conversations, c’est vraiment essentiel pour notre travail : ça nous permet de nous assurer que nous apportons ce qu’il y a de mieux à Adélaïde.

 

Y a-t-il un sujet que nous n’avons pas abordé et que vous souhaiteriez aborder ?

Simplement le fait qu’il existe une multitude d’occasions pour le public de participer, avec des expériences payantes ou gratuites. Nous voulons que tout le monde sorte et passe un bon moment. Et puis aussi, tous nos programmes gastronomiques visent à soutenir les commerces. C’est vraiment important pour nous de mettre en place notre programme d’accueil à distance et de soutenir concrètement la ville en cette période calme. Eh bien, ça a été le cas, mais ça commence à s’animer maintenant en juillet, ce qui nous ravit.

 

Simplement le fait qu’il existe une multitude d’occasions pour le public de participer, avec des expériences payantes ou gratuites. Nous voulons que tout le monde sorte et passe un bon moment.

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Nous remercions Rachael Azzopardi pour cet entretien et avons hâte de découvrir Illuminate Adelaide 2026