Jens Radda sera dans non pas un, ni deux, mais trois spectacles à l'Adelaide Fringe 2025 !

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Jens Radda, basé à Melbourne, né en Afrique du Sud, et formé à l’École Philippe Gaulier, revient à l’Adelaide Fringe avec non pas un, ni deux, mais trois spectacles ! Il y a son spectacle solo Skank Sinatra pour lequel il a été récompensé l’année dernière, Madame Martha’s After Dark : The Parisian Cabaret qui débute ce soir, dans lequel il se produit avec sa partenaire et collègue drag queen Iva Rosebud, et The Cabaret Hour qui aura une programmation changeante en compagnie de Jens Radda et d’Iva Rosebud.

Interview Jens Radda — Photo: Matilda Marseillaise

Nous discutons avec Jens de ces spectacles, de la façon d’empêcher votre maquillage transformiste de fondre lorsque vous vous produisez dans une tente pendant l’été à Adélaïde, des raisons pour lesquelles tous les artistes ont intérêt à étudier à l’École Philippe Gaulier, de l’impact d’un milieu multiculturel sur son travail, et de bien d’autres choses encore.

Jens, vous venez à l’Adelaide Fringe pour trois spectacles. L’année dernière, il n’y en avait que deux ?

Il n’y avait que les deux. Et qu’est-ce que cela signifie ? L’année prochaine ? Ce sera quatre, puis cinq, puis six !

Il y aura plus de vous. Vous finirez par être dans tous les spectacles du programme !

Et bien, je passe un très bon moment à Adélaïde. Je trouve que le public, mais aussi les organisateurs, sont tous très gentils et très agréables. C’est un festival extraordinaire.

Lorsque vous avez terminé vos études au WAAPA à Perth, vous avez déménagé à Sydney.

En effet, j’y ai vécu pendant trois ans. Lorsque j’ai terminé mes études à la WAAPA de Perth, j’ai déménagé directement à Sydney pour trois ans. J’ai passé des auditions et d’autres choses de ce genre parce que j’avais étudié le théâtre musical et j’ai très vite réalisé que ce n’était pas très créatif. J’ai donc commencé à animer des spectacles de variétés et à monter mes propres spectacles, et cela a rapidement pris de l’ampleur.

Puis je me suis rendu compte que Melbourne avait un peu plus, un peu plus de scène pour cela à l’époque. J’ai ensuite déménagé à Melbourne et je suis toujours basé à Melbourne, mais j’ai l’impression que je vis à peine ici. Je suis toujours en train de visiter d’autres endroits et d’autres festivals. J’étais à Perth la semaine dernière. C’est une base pour stocker mes affaires.

C’est peut-être cher, mais oui.

Oui, exactement. Je la sous-loue souvent, par exemple si Lachie [Iva Rosebud] et moi sommes absents pendant de longues périodes, comme lorsque nous sommes à Adélaïde, nous sous-louons notre chambre à un autre artiste qui va loger là pendant qu’il est à Melbourne.

Lorsque vous avez étudié à la WAAPA, vous avez obtenu un diplôme de théâtre musical. Était-ce parce que vous aviez en tête une carrière dans le cabaret ?

Eh bien, je faisais du théâtre musical au lycée, alors j’ai fréquenté cet endroit en dehors de l’école, où l’on apprenait le chant, la danse et le théâtre. J’aimais les trois et je n’arrivais pas à choisir. Je me suis donc dit : « Vous savez quoi ? Le théâtre musical est une combinaison de chant, de danse et de théâtre. Et même si ce n’est pas la forme d’art que je choisirai, c’est un bon diplôme de base pour s’orienter vers n’importe quel domaine. »

Je n’avais pas vraiment pensé au cabaret jusqu’à la deuxième année d’université. Au cours d’un semestre, nous devions écrire un extrait de dix minutes d’un cabaret solo. Le mien a été très bien accueilli, et j’ai beaucoup aimé, ce qui m’a encouragée à poursuivre dans cette voie. Puis j’ai décidé de participer au Perth Fringe en 2016, et j’ai fini par faire mon cabaret solo pour la première fois en 2016, à la fin de la deuxième année d’université. C’était juste moi, en costume, devant un piano, en train de parodier des chansons, mais c’était surtout des chansons parodiques de type jazz. J’ai goûté au Fringe, et je n’ai jamais regardé en arrière. C’était il y a neuf ans.

Cela a dû être très angoissant de monter votre propre spectacle si vous étudiez encore.

Oui, et tous les éléments liés à l’organisation d’un festival, comme les formulaires – remplir la déclaration d’intérêt, trouver un lieu, je n’avais aucune idée de comment faire tout cela.

Et maintenant, je le fais plusieurs fois par mois pour différentes choses. Mais à l’époque, je me disais : « Je ne sais rien faire du tout. » Et il y avait une fille qui était dans l’année au-dessus de moi et qui avait fait son spectacle Motown pour le [Perth] Fringe. C’est elle qui m’a encouragée à le faire et qui m’a aidée. Honnêtement, je ne pense pas que j’aurais pu le faire. Nous avons besoin de l’aide des gens qui sont un peu en avance sur nous.

C’est certain. C’est une bonne chose que vous ayez pu obtenir de l’aide parce qu’il y a aussi cette compétitivité qui fait que les gens ne veulent pas vous aider.

Je suppose que c’est le cas dans tous les secteurs d’activité. Je suis très attirée par les gens qui n’ont pas de barrière parce qu’on sent que les gens ne veulent pas s’ouvrir et parler honnêtement, et qu’ils veulent juste garder les opportunités et les choses pour eux. Et je ne sais pas, j’ai l’impression que plus on fait quelque chose en tant que freelance, plus on filtre les gens qui sont heureux d’aider et de travailler ensemble et de réaliser que si vous gagnez, je gagne plutôt que si je gagne, je gagne.

Philippe Gaulier - Image from The Guardian — Philippe Gaulier – Image from The Guardian

Oui. Après cela, vous avez étudié à Paris avec Philippe Gaulier ? Vous avez fait un tas de choses : le clown, le vaudeville, le masque neutre et le jeu. Qu’est-ce qui vous a décidé à étudier le clown, et plus particulièrement avec lui ?

En fait, c’était après avoir fait le cabaret à Perth. Je l’ai refait lorsque je venais de terminer le WAAPA. Donc, après la troisième année, je l’ai fait. J’ai commencé à voir ce charmant acteur de Sydney. Il s’appelait Nick, et nous sommes toujours de très bons amis aujourd’hui. Nick est venu à Perth, a regardé le spectacle et l’a adoré. Mais il m’a aussi demandé si j’avais déjà envisagé de faire du clown et d’autres choses. Je lui ai répondu : « En fait, j’ai entendu parler d’un endroit appelé Gaulier en France, l’école. J’ai gardé un œil sur ce genre de choses depuis un moment. » Et il m’a répondu : « C’est très drôle parce que j’avais une professeure au NIDA (parce qu’il a étudié l’art dramatique au NIDA), qui nous enseignait l’art dramatique, mais aussi un peu de planification. Mais c’était une des principales professeures d’art dramatique, et elle avait étudié avec Philippe quand il avait son école à Londres dans les années 90 ».

Elle a donc dit à Nick que c’était un type formidable avec qui apprendre. Il enseigne le théâtre à la française, mais cela fonctionne aussi pour tout. Il fait du clown, mais pas seulement pour les acteurs. Nick a donc lancé l’idée et je me suis dit, oh mon Dieu, j’en ai entendu parler. Il en avait entendu parler. Alors, on s’est dit : « Vous savez quoi ? Mettons notre argent ensemble et économisons pour les six prochains mois, puis allons-y et faisons un mois en août ou en septembre.»

Une fois le mois de clown terminé, on s’est dit : « Oh mon Dieu, c’était génial, il faut qu’on revienne ! Nous n’avons littéralement pas parlé à un seul ami à notre retour. Nous avons travaillé pendant deux mois, économisé chaque dollar que nous pouvions, et nous sommes retournées deux mois plus tard pour faire un autre semestre !

Vous y êtes allé deux fois en 2017 ?

J’y suis allée deux fois en 2017. On ne s’y attendait pas et l’expérience a été tellement incroyable qu’on s’est dit « il faut qu’on y retourne ! ». Et aussi, les gens que vous rencontrez – nous nous sommes fait des amis et c’était juste un moment très spécial.

C’est là que vous avez rencontré Lachie ? Ou est-ce que vous avez tous les deux étudié là-bas par hasard ?

La première fois, j’y suis allée avec mon petit ami de l’époque. Et la deuxième fois, j’y suis allée avec mon nouveau petit ami ! En fait, j’avais aussi dit à Lachie « oh, cette école est incroyable en France, tu sais ». Et il en avait entendu parler. Nous avons commencé à en parler et il m’a dit : « Je veux vraiment aller étudier là-bas pendant un semestre entier ».

Il a fini par y aller et a passé le premier mois seul. Ensuite, je me suis inscrite pour la deuxième moitié du semestre, car j’avais déjà fait cela. Il en est tombé amoureux. Il a trouvé que cette pratique était incroyablement bénéfique pour le cabaret de transformiste et pour la scène en général. Pour le style de jeu de Philippe, nous jouons beaucoup de jeux, comme le nom l’indique, qui favorisent la connexion avec les personnes sur scène et le public. L’idée est que peu importe ce que vous faites, que ce soit de la comédie, du clown ou de la tragédie grecque, il y a toujours un jeu à l’intérieur de vous. On peut dire qu’il y a de la spontanéité dans les yeux d’un artiste ou qu’il a quelque chose de spécial. C’est un peu comme le feu et l’électricité.

C’est le sentiment que vous essayez de retrouver lorsque vous jouez à ces jeux de style théâtral, que ce soit avec une balle ou que ce soit en poursuivant et en essayant de tirer la queue de quelqu’un d’autre, mais aussi en prononçant le dialogue d’une pièce de théâtre tout en courant et en essayant d’attraper la queue du pantalon de quelqu’un ou autre chose. Vous savez, ce vieux jeu pour enfants ? Le Squid game, mais pour les clowns.

Même si vous ne désiriez pas faire du clown professionnellement, les études vous permettent de faire bien plus que du clown.

Oui, en fait, il y a tellement de façons différentes de décrire ce qu’est un clown ou la technique du clown. Il y a le style traditionnel du cirque, qui est le nez rouge, et dans un cirque. Entre les numéros, ils sortent, peut-être qu’ils doivent changer l’éléphant avec le cheval ou autre chose dans les vieux cirques où il y avait encore des animaux.

Ensuite, il y a des clowns plus stylisés, comme le style suisse, où c’est un clown triste ou quelqu’un qui vient avec une fleur vers le public, et c’est très poétique et beau. Et puis la technique du clown se retrouve dans la plupart des comédies, parce que Philippe [Gaulier] disait toujours : « Je vous donne sept secondes. Si le public ne rit pas pendant sept secondes, il faut changer quelque chose pour le faire rire parce qu’il va s’ennuyer s’il ne rit pas régulièrement ». Il s’agit donc essentiellement de s’entraîner à remarquer son public. Si vous êtes sur scène, vous devez constamment sentir que s’ils ne trouvent pas ce que vous faites drôle, vous devez changer.

Disons que vous faites de la comédie. Il y a beaucoup d’humoristes américains ou londoniens qui viennent à l’école et qui font leur numéro. Et ça continue et personne ne rit vraiment. Mais après avoir suivi une formation à l’art clownesque, ils ont le sentiment de savoir que cette blague est ratée et que je vais la changer. Et parfois même en faisant référence au fiasco lui-même ou en se disant « ok, manifestement vous ne trouvez pas ça drôle ». Parfois, cela suffit à nous faire rire et à nous rallier à nouveau à la cause.

Si nous avons l’impression que l’artiste n’est pas sensible à ce que ressent le public, nous avons l’impression, en tant que public, d’être laissés pour compte, ou que nous pourrions tout aussi bien regarder un film. L’art clownesque, lui, est extrêmement spontané et doit être très réactif à ce que le public ressent et à ce qui le fait vibrer à ce moment précis. C’est pourquoi je dirais que l’art clownesque est une technique incroyablement puissante pour tous les artistes, quel que soit leur domaine d’activité.

Il y a pas mal d’artistes au Fringe qui ont suivi la formation Gaulier. Je suis sûr que vous en connaissez beaucoup.

C’est une autre chose. Chaque fois que je vais au Fringe, j’ai l’impression d’avoir toute une communauté. Même à Édimbourg, je ne me suis jamais sentie seule parce qu’il y avait tellement de gens que j’ai croisés en 2017 et avec qui j’ai suivi la formation Gaulier. Je leur disais « Je ne t’ai pas vu depuis sept ans, mais oh mon dieu, c’est si bon de te voir ». Et ils font toutes sortes de spectacles, des spectacles de clowns, des pièces de théâtre. Certains d’entre eux ont participé à une nouvelle série Netflix. C’est un énorme éventail et c’est tellement charmant.

Qu’est-ce qui vous a poussé à faire du drag ?

Je pense que cela a toujours été en moi. Il y a l’histoire commune des gens qui portent les vêtements de leur mère ou autre. Enfant, je portais toujours les vêtements de ma mère, mais souvent pour des fêtes sociales à l’école. Je portais ses talons ou une botte épaisse qu’elle avait. Mes parents me soutenaient énormément, j’ai donc eu beaucoup de chance de ce point de vue.

Puis je commençais à me filmer. J’ai acheté une caméra vidéo pour Noël, je l’ai montée sur un trépied et je me suis filmée, j’ai mis une perruque, j’ai enfilé les vêtements de ma mère et j’ai chanté sur un fond sonore de Cher, Tina Turner ou ABBA – le genre de musique que mes parents écoutaient et avec laquelle j’ai grandi.

Lorsque nous avons quitté l’Afrique du Sud pour l’Australie, à l’âge de 12 ans, je me suis inscrite à un concours de chant local sur la Sunshine Coast. Au lieu de chanter mes chansons normalement, j’ai décidé de porter une perruque et la robe de ma mère et de chanter. Et c’était tragique. J’avais l’air très mignonne en tant qu’enfant de 12 ans qui n’avait aucun sens du style ou de la mode, mais j’ai gagné la section des moins de 17 ans. Mes parents ont alors réalisé « oh, wow. Il a peut-être quelque chose de spécial »

J’ai alors commencé à chanter et j’ai fait cela pendant un certain temps. Mais ensuite, le théâtre musical a pris le dessus. Il y a donc eu une période de cinq ans où je n’ai rien fait, comme m’habiller, mettre des perruques et tout ça, parce que je voulais être un acteur et un artiste très sérieux et que le drag était idiot et pas très sérieux d’un point de vue artistique. Du moins, c’est ainsi que je le voyais.

Ce n’est que lorsque j’ai commencé à animer des émissions de variétés à Sydney, après le WAAPA, et après Gaulier. Gaulier m’a beaucoup aidée, en fait, à retrouver le plaisir de me déguiser et le plaisir de jouer, et pas seulement à me châtier parce que j’étais mauvais. L’école d’art dramatique peut parfois instiller cet horrible sentiment de – je ne sais pas – vous perdez la joie.

Gaulier m’a aidée à retrouver cette joie. Et c’est ainsi que j’ai commencé à porter des perruques. Et puis finalement, vers 2019, j’ai commencé ce que l’on considère aujourd’hui comme de la drag proprement dite, avec la combinaison du maquillage, des perruques, des costumes et des talons ou autre. J’ai vraiment essayé d’assembler l’image. Et puis c’était en confinement, j’ai pu vraiment perfectionner le côté maquillage des choses.

Vous l’avez certainement fait. Vous étiez éblouissante dans Skank Sinatra l’année dernière. Je suis sûr que quelques hommes hétéros auraient tourné la tête sans s’en rendre compte.

Oh. Merci ! Oui, parfois c’est plutôt agréable. Parfois, elles rougissent un peu. Mais le maquillage est une chose importante et une fois que j’ai commencé à l’apprendre, je l’ai vraiment apprécié. On peut faire de telles transformations avec le maquillage.

Comment faites-vous pour que votre maquillage ne coule pas partout lorsqu’il fait 40 degrés et que vous jouez dans une tente ?

Oh, mon Dieu. Il m’est arrivé à plusieurs reprises que le maquillage coule partout. Et à Adelaide Fringe l’année dernière, j’en ai eu quelques unes. Les sourcils sont le plus gros problème car j’utilise généralement un bâton de colle. C’est la chose la plus courante qu’utilisent les artistes de la drague de nos jours, un bâton de colle Elmer’s. Et c’est soluble dans l’eau, donc si vous mettez de l’eau dessus, ça commence à devenir gluant. On peut ensuite l’essuyer avec suffisamment d’eau et en frottant. Évidemment, quand on transpire, surtout pendant un spectacle d’une heure…

Quand je fais un spot de cinq minutes dans un spectacle, ça va. Mais je fais une heure entière toute seule. Au dernier Fringe, j’ai eu quelques petits moments où mes sourcils commençaient à fondre, et puis je sortais de scène à la fin et je me disais « oh là là ! ». J’ai donc dû me changer pendant les saisons chaudes, comme à Perth ou Adélaïde, et si l’air n’est pas bien climatisé, j’utilise un produit appelé Pros-aide, que les maquilleurs et les prothésistes utilisent dans les films pour coller les prothèses ou des choses comme ça. Il s’agit essentiellement d’une pâte très résistante qui peut endurer l’apocalypse et qu’il est impossible d’enlever, mais qui ne fond pas non plus sur le visage.

Vous n’envoyez donc pas de sourcils dans le public ?

Non, exactement. C’est ma plus grande crainte. Ensuite, je fixe le tout. J’utilise un spray fixant de Kryolan, mais Lachie aime utiliser une épaisse couche de laque.

Oh, mon Dieu ! Alors n’allumez pas de cigarette près de lui.

C’est vrai. Mais il dit que ça marche très bien. Ça lui permet de garder son visage.

Ça doit être absolument horrible sur sa peau !

Oui, c’est vrai. Ce n’est pas confortable.

Mais ça fait partie de l’art.

Exactement. Nous souffrons pour l’art.

Alors, Madame Martha’s After Dark : The Parisian cabaret est-il une version rebaptisée et remaniée de Hush que nous avons vu au Nineteen Ten l’année dernière ?

Oui, nous l’avons beaucoup réécrit et nous avons dit que vous ne pourriez pas le reconnaître, mais c’est le même squelette. Lorsque nous avons fait ce spectacle, nous avons réfléchi après coup parce que nous l’avons fait grandir à chaque saison et que nous ne nous étions pas vraiment assis pour y réfléchir de manière stratégique, de sorte qu’il s’est développé de manière très organique.

Mais maintenant, nous nous sommes dit : « Qu’attendons-nous de ce spectacle ? Qu’est-ce que c’est ? » Et nous avons vraiment, vraiment trouvé beaucoup de choses, comme les influences françaises qui étaient évidemment très proéminentes, et nous avons ajouté une autre chanson française. C’est en grande partie grâce à la découverte d’un club de travestis à Paris, le Madame Arthur’s. À Paris, des drag queens chantent en direct avec des accordéons. C’est un endroit extraordinaire que j’ai découvert par hasard un soir à Montmartre. C’est un bar, et je crois qu’il se transforme en salle de danse plus tard. Mais il y a des spectacles tout au long de la nuit. Et là, c’est un accordéoniste et une drag queen qui chantent. C’est incroyable et c’est de là qu’est venue l’inspiration pour le spectacle.

Nous avons donc saupoudré le spectacle d’un peu plus d’histoire et de thèmes français.

Et la description précise qu’il s’agit d’un mélange de Paris et de Berlin ?

Oui. La partie berlinoise, c’est un moment ironique où seuls les gens cools sont autorisés à entrer dans le club que nous organisons. C’est un jeu par rapport au Bergheim ou au Kit Kat Club, où il fallait attendre quatre heures pour faire la queue, et où la moitié des gens n’étaient autorisés à entrer qu’en fonction de ce qu’ils portaient. Nous avons donc une sorte d’ambiance ironique grunge berlinoise, mais située dans une époque Marie-Antoinette, une époque parisienne où il y a du grunge berlinois cool, et puis nous avons des froufrous français et des costumes aristocratiques qui sont un petit mélange amusant avec lequel nous avons beaucoup joué pour les nouveaux costumes et tout ce qui s’en est suivi, qui venait du Melbourne Fringe. C’était la première saison où nous avions ces costumes lors de la refonte.

Dans Hush l’année dernière, vous aviez une troisième interprète, Meg. Comment s’intègre-t-elle dans le tableau ? Comment la connaissez-vous ?

Meg Hickey. En fait, elle vient aussi de la Sunshine Coast. Elle a étudié la comédie musicale à Brisbane, et nous étions bonnes amies quand nous étions adolescentes parce que nous avons fait quelques spectacles ensemble, et nous sommes toujours restées en contact parce qu’elle était très artistique, et comme Lachie et moi, elle a fait le même parcours qui est d’etudier la comédie musicale.

J’ai toujours gardé un œil sur le travail de Meg parce qu’elle s’est lancée dans des activités plus variées. Un peu de burlesque, un peu de chant dans les cabarets. Lorsque j’ai déménagé à Melbourne, elle m’a trouvé mon premier emploi dans un bar de variétés en ville appelé Speakeasy, ce qui nous a permis de renouer notre amitié.

Lorsque Lachie et moi avons envisagé de mettre sur pied la première version de Hush, nous nous sommes demandé qui serait le meilleur candidat. Et puis nous nous sommes dit que Meg avait ce talent artistique si incroyable qu’aucun de nous ne pouvait le comprendre ou le recréer dans son propre travail. Et il n’y a rien de mieux que de travailler avec des personnes que l’on pense différentes de soi, et je pense qu’elle est incroyable. Elle fait des choses que je ne pourrais même pas rêver de faire.

Je me suis donc dit que si nous mettions ensemble trois cerveaux très différents, nous obtiendrions sûrement quelque chose d’unique. Je suis très reconnaissante de ce qu’elle apporte au spectacle. C’est une artiste très, très, honnête.

Assez brute.

Très brute, oui. Le lien avec la féminité, et elle est un peu une écolo. Elle aime la Terre. Et j’ai l’impression qu’il y a beaucoup de farce dans le domaine de la drag. Il y a tellement de maquillage, de costumes, de modelage du corps, en particulier vers une forme féminine. C’est du moins le style de drague que je pratique.

J’ai donc pensé que ce serait une belle représentation de la féminité de présenter trois types de corps très différents. Et aussi dans le sens où elle ne se rase pas les jambes, elle ne se rase pas les aisselles, elle ne se pomponne pas, d’une manière presque politique. Mais c’est tellement à l’opposé de moi, qui suis tellement corsetée, enfermée. J’ai donc pensé que ce serait un très beau contraste.

The Cabaret Hour – Jens Radda et Iva RosebudOui, c’est tout un contraste. Vous présentez également le spectacle The Cabaret Hour. C’est le nouveau programme qui semble être un spectacle de variétés dans lequel vous aurez différents invités surprises ?

Oui, il s’agit plutôt d’un programme à rotation.

Les trouvez-vous dans le Fringe d’Adélaïde lui-même, ou sont-ils déjà prévus et ne sont-ils qu’une surprise jusqu’au soir ?

Nous ne les avons pas tous choisis. C’est un mélange de contacts avec des gens que nous trouvons géniaux et qui sont parfois sous-représentés. Je me dis toujours : « Cette personne est incroyable. Pourquoi ne fait-elle pas plus de spectacles ? » Et donc, nous leur envoyons un message et leur disons : « Hé, si vous êtes dans le coin, nous aimerions vous avoir dans le spectacle. » Jusqu’à présent, c’est super. La plupart d’entre eux ont dit oui.

Il y a aussi un peu d’expression d’intérêt ; les gens ont envoyé des messages s’ils voulaient se produire parce que j’ai posté dans un endroit ou deux – il y a des endroits où l’on peut poster des artistes pour exprimer leur intérêt pour des spectacles en rotation. C’est un peu ouvert et gratuit pour tous, mais nous voulons montrer un éventail d’artistes aussi divers que possible.

En quoi ce spectacle sera-t-il comparable à Madame Martha’s After Dark : The Parisian Cabaret ? Sera-t-il moins structuré en raison de l’évolution de l’affiche ?

Oui. Madame Martha’s est maintenant un spectacle scénarisé et complet, avec mes éclairages et mon son, le tout conçu dans un ensemble, et il y a un arc et une ligne de conduite. En revanche, The Cabaret Hour sera essentiellement composé de Lachie et de moi-même, qui joueront des morceaux sur deux drag-queens qui sortent ensemble et qui ont une relation sur scène et en dehors de la scène. Il y a donc un peu plus de choses sur notre vie, et c’est un peu plus de bavardage et de blagues.

C’est un peu comme Jens Radda et Iva Rosebud et leurs amis dans un spectacle de cocktail léger où les gens peuvent, par exemple, prendre un verre avec leurs amis et ensuite regarder des spectacles et une variété de comédie, de cabaret et de burlesque.

Quel est le fil conducteur qui relie les trois spectacles ?

Eh bien, je commence à penser à ce genre de choses, à amener plus de spectacles maintenant et aussi à faire de la publicité collective. Si je fais une publicité dans un magazine, j’aurai peut-être les trois spectacles l’un à côté de l’autre. La seule chose qui a perduré, c’est le fait que je joue dans les trois et que je les produis, mais je dois commencer à réfléchir à l’éthique de la société de production, car elle commence à se développer.

Mais pour l’instant, je me contente de faire des spectacles que j’aime et que je trouve géniaux, avec les gens que j’aime. Je n’ai pas encore élaboré de déclaration de mission ou de vision. Mais si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à me les faire parvenir !

Je me considère toujours comme une personne en phase d’apprentissage. Des étapes d’apprentissage, même si les choses sont allées très vite et se sont développées très rapidement. Mais j’apprends encore beaucoup sur la manière de produire des spectacles parce que vous pensez que vous allez juste faire de l’art et puis vous réalisez que si vous désirez le faire comme vous pensez qu’il devrait être fait, vous devez en quelque sorte le faire vous-même.

Cela est vrai pour tant de professions différentes. En ce qui concerne Skank Sinatra, qu’est-ce qui vous a décidé à faire un spectacle basé sur les chansons de Frank Sinatra ?

On dit qu’il faut écrire ce que l’on connaît. Comme point de départ, lorsque je me demandais ce que mon spectacle allait être, lorsque j’essayais de créer un spectacle, je me suis dit, ok, si écrire ce que je connais est une base de départ, quelles sont les chansons que j’aime chanter et écouter ?

J’ai toujours aimé interpréter les chansons de Sinatra, mais il y avait cette barrière qui me donnait l’impression qu’il s’agissait d’une musique masculine, de crooner. Et je n’ai jamais vraiment eu l’impression d’être à ma place. Dès que j’ai imaginé l’idée d’une drag queen chantant des chansons, cela m’a titillé ! Et c’est comme ça que c’est né, parce que quand je chantais principalement, je chantais beaucoup de Sinatra. Ensuite, en mariant cela avec, je suppose, ma propre histoire de vie, on en revient à écrire ce que l’on connaît, et le personnage est en quelque sorte né de cela.

Comment avez-vous choisi les chansons ? Est-ce que ce sont celles vers lesquelles vous avez gravité ?

J’ai parcouru la liste des chansons de Sinatra et j’ai essayé de trouver celles avec lesquelles je m’étais le plus amusé. J’ai donc un grand cimetière d’idées que je vais utiliser pour autre chose. Mais j’ai fait beaucoup de parodies de chansons que je trouvais très drôles à l’époque. Et puis, il faut tuer ses chéris quand on écrit des choses et qu’on veut les faire tenir dans un spectacle d’une heure.

Le spectacle a lui aussi beaucoup changé. Si les gens viennent le voir à Adélaïde cette année, il sera très différent de celui de l’année dernière. J’ai eu un nouveau vêtement, une nouvelle perruque, j’ai eu quelques changements de scénario, des blagues mises à jour et des histoires réécrites parce que j’ai réalisé que si vous voulez faire ça à long terme, vous devez rassembler l’aide d’autres personnes, parce que je ne sais pas comment les gens font ça tout seuls.

Il suffit d’avoir d’autres yeux, d’aider à l’écriture ou d’avoir quelqu’un qui est vraiment doué pour structurer un spectacle – voir la ligne directrice et s’assurer que les pics et les creux aident l’histoire au lieu de l’entraver. Et c’est quelque chose que quelqu’un qui écrit depuis 15 ans peut faire. Je n’ai pas pu le faire.

Par exemple, j’ai fait appel à un ami qui s’appelle Andy Ballack et qui a sa propre émission intitulée « Am I the drama ? ». Il a également beaucoup écrit pour Reuben Kaye et l’a aidé pour ses blagues et ses comédies. Je me suis dit que Reuben Kaye était incroyable et si je peux demander de l’aide à quelqu’un qui l’aide… J’ai donc demandé à Andy s’il pouvait m’aider à faire quelques trucs pour l’émission. Il a répondu absolument!

Il a été d’une aide inestimable, ne serait-ce que pour les plus petites choses. Par exemple, lorsque vous racontez cette histoire, remodelons-la de manière à ce que la phrase clé et le point culminant se situent à cet endroit, afin que le public se sente soulagé, plutôt que de structurer l’histoire avec une blague par-ci, et une autre petite histoire par-là, ce qui brouille un peu l’histoire, et ainsi de suite. Je suppose que je n’ai pas les mêmes compétences en matière d’écriture que quelqu’un qui a étudié l’écriture.

Il est également difficile de prendre parfois de la distance par rapport à son propre travail.

C’est tout à fait vrai. C’est la même chose que de demander à quelqu’un : « Regardez ceci. Quelles sont vos premières pensées et réactions ? »

Y a-t-il d’autres artistes dont vous souhaitez parodier les chansons et écrire un spectacle autour d’eux ?

Voilà ce que je commence à penser. Ou est-ce que je commence à créer le prochain spectacle solo que je veux faire ? Je me demande si je vais choisir un autre artiste ou si je vais faire un Skank Sinatra 2.0.

Il semble que vous pourriez – si vous essayez de tout faire tenir en une heure, vous pourriez faire la version 2.0.

J’ai toujours voulu faire un spectacle d’Édith Piaf. Il est donc certain qu’un spectacle sur Édith Piaf est à l’ordre du jour. Connaissez-vous Shirley Bassey ? C’est une chanteuse que j’aime beaucoup. Ses chansons sont tellement théâtrales et je me dis que oui, elle est manieré.

Pourquoi Édith Piaf ?

Outre le fait que j’ai beaucoup écouté sa musique dans ma famille lorsque j’étais enfant – mon père et ma grand-mère écoutaient toujours des chansons d’Édith Piaf. J’ai également travaillé comme technicien pour un amie qui chantait un spectacle d’Édith Piaf. J’ai vu le spectacle peut-être 30 fois parce que je m’occupais du son et d’autres choses. Plus j’écoutais ces chansons, plus je me disais : « Mon Dieu, il y a quelque chose d’incroyable et de profond, de joyeux et de déchirant à la fois dans beaucoup de ces chansons ». Et puis avec son histoire en plus, je la trouve tellement fascinante.

En même temps, j’ai l’impression qu’on pourrait s’amuser – je ne voudrais pas la reproduire ou lui faire un hommage ou quoi que ce soit d’autre -quelque chose comme jouer avec la forme de mes sourcils, pour aller dans le sens de ressembler un peu à ses sourcils. C’était tellement emblématique.

Vous avez grandi dans une famille où l’on parlait danois et afrikaans. Comment pensez-vous que vos origines multiculturelles ont influencé votre travail ?

Je ne pense pas pouvoir y échapper. Je parle danois avec ma mère et afrikaans avec mon père. Les références culturelles que j’avais n’étaient pas les mêmes que celles des autres Australiens, ou même des Sud-Africains. Mais l’Afrique du Sud compte beaucoup plus de diasporas d’autres parties du monde, peut-être dans la région où je vivais.

J’ai donc toujours eu l’impression de ne pas connaître toutes les choses cools dont parlaient les enfants à l’école à propos de tel ou tel artiste. Je n’ai jamais vraiment su. Je n’étais pas vraiment au courant. En grandissant, j’ai regardé beaucoup de télévision danoise et j’ai même eu l’impression que l’homosexualité était beaucoup mieux acceptée dans ce genre d’émissions. Dans les films danois, il y avait souvent des personnages gays, mais ce n’était pas le point central de l’histoire. Il arrivait simplement que son mari rentre à la maison, qu’ils discutent et que cela se produise. Et on n’en faisait pas toute une histoire. Je suis donc toujours reconnaissante au côté progressiste que les Scandinaves ont apporté à ma vie.

Je chante en danois et en afrikaans dans la plupart de mes spectacles. J’essaie de les intégrer pour honorer mon héritage et ma culture, dont je suis très reconnaissante. Lorsque vous créez quelque chose, vous ne pouvez pas vous empêcher de le faire avec les influences subconscientes avec lesquelles vous avez grandi.

L’Afrique du Sud ressemble beaucoup à l’ancien monde à bien des égards. Je ne me sens pas comme une reine très moderne, vous savez. Certaines drag queens sont très douées avec Dua Lipa et ses chansons, et Doja Cat, et elles font de superbes drag queens, en synchronisant leurs lèvres sur ce genre de choses. Mais je me suis toujours sentie plus proche de l’ancien monde, comme Sinatra et Edith Piaf. Et c’est la même chose pour Lachie. Il est très proche de cela. Et j’ai l’impression que ces pays, en particulier l’Afrique du Sud, sont beaucoup plus vieux jeu, comme si tout avait 50 ans de retard.

Chaque spectacle s’adresse-t-il à un public différent ?

Oh, il y a beaucoup de croisements. Madame Martha est programmée à 22 heures cette année, ce qui est une heure tardive. J’ai discuté avec l’équipe de Gluttony et je me suis dit : « Comment pouvons-nous orienter au mieux ce spectacle pour qu’il attire les gens qui veulent voir un spectacle à 22 heures ? « Il s’agit donc d’un angle légèrement, plus coquin, et c’est pourquoi nous l’avons appelé Madame Martha’s After Dark.

Je pense que nous captons peut-être un peu plus de jeunes, peut-être des trentenaires qui sont heureux de rester dehors tard, ou peut-être même des quadragénaires, mais qui veulent voir quelque chose d’un peu osé pendant qu’ils sont au Fringe, tout en restant très sophistiqués dans le sens où ce n’est pas grossier ou pas vraiment cru. Miss Iva Rosebud s’exhibe complètement, mais elle le fait en chantant La vie en rose en français, donc c’est agréable.

Ensuite, vous êtes au Nineteen Ten, je crois, pour The Cabaret Hour ?

Oui, nous avons bien aimé l’ambiance au Nineteen Ten. C’était mignon. Et maintenant que Hush [aujourd’hui Madame Martha’s] est devenu un spectacle plus théâtral, nous avons besoin des lumières, de l’obscurité et de tout ça. Mais nous voulions toujours faire quelque chose au Nineteen Ten, et The Cabaret Hour était en quelque sorte parfait pour cela : Cocktails, Queens et Cabaret.

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Nous remercions Jens Radda pour cette interview et sommes impatients de voir les spectacles à l’Adelaide Fringe !

Madame Martha’s After Dark : The Parisian Cabaret

QUAND : 22h du mardi 4 au dimanche 9 mars

OÙ : Gluttony

COMMENT : Achetez vos billets par ce lien : https://adelaidefringe.com.au/fringetix/madame-martha-s-after-dark-the-parisian-cabaret-af2025

COÛT : Le prix des billets varie entre 38 et 42 $ en fonction de la soirée à laquelle vous assistez.

Skank Sinatra

QUAND : 18 h 45 du mardi 11 au dimanche 16 mars

OÙ : Gluttony

COMMENT : Achetez vos billets par ce lien https://adelaidefringe.com.au/fringetix/skank-sinatra-af2025

COÛT : Le prix des billets varie de 32 à 42 $ en fonction de la date choisie.